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criticas 2013

 

LO MEJOR DEL AÑO 2015- VOTACION DE LOS CRÍTICOS DE LA REVISTA

MONTEVIDEO:

MEJOR ESPECTACULO: L ELISIR D AMORE (MARTIN JORGE- SERIO RENAN/FLORENCIA SANGUINETTI) – TEATRO SOLIS
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA-SOPRANO: EIKO SENDA (RASHOMON)
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA- TENOR - CARLOS VENTRE (OTELLO)
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA EN PAPEL NO PROTAGONICO – MARCELO OTEGUI (LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA EN PAPEL NO PROTAGONICO - MARIANNE CARDOSO ( LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPETACION MASCULINA- BAJO – EDWIN SCHROTT ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR DIRECCION MUSICAL – MARTIN JORGE ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR PUESTA – SERGIO RENAN Y FLORENCIA SANGUINETTI ( L ELISIR D AMORE )
CANTANTES IMPORTADOS
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA- SOPRANO ) JACQUELINE LIVIERI ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA-MEZZO FLORENCIA MACHADO ( LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA- TENOR ENRIQUE FOLGER ( OTELLO )
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA. BARITONO– LICIO BRUNO ( OTELLO )

EN BUENOS AIRES – TEATROS OFICIALES

MEJOR ESPECTACULO – WERTHER ( IRA LEVIN –HUGO DE ANA ) CON EL REPARTO DE LAS EXTRAORDINARIAS
MEJORES ACTUACIONES
CANTANTES NACIONALES
TENOR- GUSTAVO LOPEZ MANZITTI ( WERTHER Y DON CARLO )
BARITONO - FABIAN VELOZ ( CAVALLERIA Y PAGLIACCI )
SOPRANO -DANIELA TABERNIG Y MONICA FERRACANI ( PAGLIACCI )
MEZZO - GUADALUPE BARRIENTOS ( CAVALLERIA )
BAJO - EMILIANO BULACIOS ( DON CARLOS )

CANTANTES IMPORTADOS

TENOR -CHRISTOPHER VENTRIS ( PARSIFAL )
BARITONO -OMAN SADNIK ( EL ANGEL DE FUEGO )
SOPRANO-ELENA POPOVSKAYA ( EL ANGEL DE FUEGO )
MEZZO - NADJA MITCHELL (PARSIFAL )
BAJO - STEPHEN MILLING ( PARSIFAL ) Y ALEXANDER VINOGRADOV ( DON CARLO )
DIRECTORES
DIRECCION MUSICAL : ALEJO PEREZ ( PARSIFAL )
PUESTA : HUGO DE ANA ( WERTHER )

BUENOS AIRES – TEATROS NO OFICIALES

MEJOR ESPECTACULO : CARMEN ( JUVENTUS ) – HENRIQUE SANCHEZ ARTEAGA – ANA D ANNA Y MARIA JAUNARENA
Y OBERTO ( CIA.LIRICA G.VERDI ) RAMIRO SOTO MONLLOR-ADRIANA SEGAL
MEJORES ACTUACIONES :
SOPRANO - DANIELA TABERNIG ( RUSALKA ) y SABRINA CIRERA ( OBERTO )
MEZZO- ANABELLA CARNEVALI ( IL TROVATORE )
TENOR- ENRIQUE FOLGER ( TOSCA ) -CARLOS ULLAN ( OBERTO ) Y GUSTAVO LOPEZ MANZITTI ( WERTHER )
BARITONO – JUAN SALVADOR TRUPIA ( ANDREA CHENIER – BODAS DE FIGARO – CARMEN, ETC) Y JUAN FONT ( OBERTO )
BAJO- CHRISTIAN DE MARCO ( IL TROVATORE )
ACTUACIONES EN PAPELES NO PROTAGONICOS
MEZZO - ELISABETH CANIS ( RUSALKA)
SOPRANO- MARIA GOSO ( CARMEN )
TENOR – SERGIO SPINA ( TOSCA )
BARITONO –MARIANO GLADIC ( CARMEN )

REVELACIONES :

SOPRANO –JACAQUELINE LIVIERI ( LA TRAVIATA , ELISIR, WERTHER )
MEZZO - CECLIA PASTAWSKI ( RUSALKA ) Y MARIA LUISA MERINO RONDA ( CARMEN)
TENOR : FERMIN PRIETO ( LA TRAVIATA, CAVALLERIA )
BARITONO : JUAN SALVADOR TRUPIA ( ANDREA CHENIER, CAVALLERIA, IL SIGNOR BRUSCHINO, LAS BODAS DE FIGARO, CARMEN )
BAJO : EMILIANO BULACIOS ( DON CARLO )

OTELLO EN EL SODRE - MONTEVIDEO

FUNCION DEL .6 Noviembre ( FOLGER – MARAMBIO - GUGLIELMI)
OTELLO EN EL SODRE - MONTEVIDEO

OTELLO – Función del 6/11 - estreno
OPERA DE GIUSEPPE VERDI SOBRE LIBRETO EN ITALIANO DE ARRIGO BOITO, A PARTIR DE LA OBRA DE WILLIAM SHAKESPEARE
ORQUESTA SINFÓNICA Y CORO NACIONAL DEL SODRE
DIRECION MUSICAL – PEDRO PABLO PRUDENCIO
DIRECTOR ESCENICO-PABLO MARITANO
DIRECTOR DEL CORO- ESTEBAN LOUISE
ESCENOGRAFIA E ILUMINACION-ENRIQUE BORDOLINI
VESTUARIO-SOFIA DI NUNZIO
OTELO: ENRIQUE FOLGER
DESDÉMONA: MAUREEN MARAMBIO
YAGO: RODOLFO GIUGLIANI Y ELENCO
AUDITORIO NACIONAL ADELA RETA

Finalmente llegó el día! Luego de tener planeado varias veces conocer el Sodre y tener que cancelar por diversas circunstancias, esta vez se hizo realidad.
Hermoso Teatro con un diseño moderno, pero para nada agresivo. Su estructura vidriada le da brillo y le quita pesadez. Tiene un tamaño ideal, grande pero accesible a distinto tipo de voces. Y me sorprendió gratamente el mantenimiento del mismo, la organización y la muy buena predisposición de toda la gente que trabaja en él. Realmente un orgullo para nuestra Región. Tal vez esta puesta de “Otello”, que ya he visto en el Teatro Argentino de La Plata, no fue la mejor opción y menos ubicado en primera fila, que dista de ser mi ubicación preferida como creo que le pasa a la mayoría que amamos la ópera. El sonido sin tratar puede generar errores auditivos que no se verifican en otras ubicaciones.. En lo personal lo facial no es lo que mas me importa en una representación de opera, ya que las escenas como un todo y el balance vocal se pierde inexorablemente. Pero así se dieron las cosas.
Poco interés generaba en mí la puesta, que ya había visto en el Teatro Argentino de La Plata. Lamentablemente, aunque el Sodre tiene un escenario amplio no posee el fondo del Teatro Argentino y la escenografía lució encorsetada, apretada, en todos los cuadros llegando al inicio del foso. Esto le quitó belleza visual a la mayoría de los cuadros. Difícil de entender como esto no se previó antes.
La puesta en si, tiene muy buenas ideas y otras sin sentido. Creo que lo más molesto es el teatrito del primer acto, totalmente superfluo y por momentos de mal gusto. Me pareció interesante llevarlo a la época de SHAKESPEARE y darle forma de Globe Theatre. Pero todo lució mucho menos en Montevideo. Fue positivo alivianar las descomunales pelucas presentadas en el Argentino, de todas formas sigue sin convencerme el vestuario que aumenta kilos y años a la mayoría del elenco. La marcación actoral fue correcta y seguramente existieron cambios en cada uno de los elencos presentados.
El Maestro PEDRO PABLO PRUDENCIO, a quien vi en algunos títulos en Buenos Aires, no acertó con los acelerados tiempos del primer acto, que por suerte fue modificando con el correr de los actos .Floja la prestación de la orquesta con algunas notables desafinaciones o entradas en falso (falta de ensayos?), que el Maestro no pudo dominar.
Tampoco brilló el Coro, con notables voces sueltas y conocidos solistas en él con muy buen material vocal pero que no empastaban.
El tenor argentino ENRIQUE FOLGER, programado para el segundo elenco, tuvo que debutar en el estreno por la cancelación de Carlo Ventre por enfermedad.
Folger debutaba el rol más complejo de opera italiana. Cantante de notables condiciones e inteligencia, tomó de modelo a Plácido Domingo cuando encaró el rol. Con su hermoso timbre, impecable línea de canto y su conocido nivel actoral y temperamento logró un excelente trabajo para un debut absolutamente complicado, sin perder de vista una versión más lírica del rol. Por momentos era oír al Domingo de sus primeros Otello, aunque Folger tiene en la actualidad un registro grave más contundente que el Maestro en su momento. . Por supuesto que es un rol que tiene que internalizar, frecuentar, trabajar, tiene todas las condiciones para ser un gran Otello de esta época, mostrando una mezcla de descontrol, dolor y violencia absolutamente inolvidable. Ahora, cuando volverá a cantarlo si es un título que se ha presentado en los últimos años en Chile, La Plata, Colón y el Sodre? Realmente sería de lamentar que un artista de estos quilates no pueda ahondar en un rol para el que no abundan cantantes de sus condiciones.
Difícil de entender como un programador de un Teatro importante en nuestra Región contrata a MAUREEN MARAMBIO (Cantó Simón Boccanegra en el Teatro Colón con el nombre de Ángela Marambio) para el rol de Desdémona. Poseedora de una voz contundente, de interesante timbre y una presencia de igual contundencia, lejos está – tanto vocal como actoralmente de poder brindar la fragilidad que por momentos el rol requiere. Alejada hace un tiempo, por propia decisión, de los principales teatros internacionales, creo que su repertorio hoy (y lo mismo pensé cuando cantó en el Teatro Colón) debe pasar por los Verdi dramáticos, Wagner y Strauss. Puso su mejor voluntad cantando gran parte en pianísimo, donde su timbre no luce bien. Pero es dueña de una técnica impecable, que mostró claramente en el último acto, aunque no sea una opción lógica para Desdémona.
El barítono RODOLFO GIUGLIANI, como Yago, mostró una notable facilidad en el sector agudo, un agradable timbre y un canto afinado. El volumen y la facilidad de su sector agudo parecen no tener coherencia con un centro y grave de poco volumen y por momentos no muy audible. Aceptable como actor, necesita trabajar mas para generar movimientos más armónicos con su cuerpo.
Bettina Victorero, no aportó mucho como Emilia, inaudible en gran parte de la obra, solo logró un volumen interesante en el último acto, pero con notables problemas de dicción. Me cuesta creer que Uruguay no cuente con una mezzo para interpretar Emilia con mejor nivel que la cantante invitada.
El Cassio de Gerardo Marandino mostró, en principio, una interesante voz con un volumen más importante que el habitual para el rol e interesante timbre, pero a medida que transcurría la función su presencia, tanto vocal como actoral, se fue desdibujando, mostrando limitaciones en el sector agudo.
Marcelo Otegui, cantante camaleónico si los hay, cantó vocalmente un impecable Ludovico y actuó con la capacidad que le conocemos. Difícil de entender porque fue tan envejecido y tanto él como sus acompañantes con una marcación absolutamente amanerada.
Correcto el resto del elenco.
Aunque tenía entrada para la función del día siguiente decidí no asistir ya que Otello sería interpretado por José Azocar, a quien ya vi en varias oportunidades en el rol.
El Sub- Director de nuestra revista asistió a la mayoría de las funciones. Nunca el Teatro se mostró con suficiente público. Tal vez sería importante rever los títulos a programar. El público de Montevideo estuvo carente de ópera por muchos años y se necesita crear nuevamente asistentes en forma masiva. Tal vez con títulos más populares y – seguramente con costos más bajos – esto no sería algo utópico. Y para un Teatro de esa belleza y eso medios solamente dos títulos al año parecen muy poco.
En lo personal pasé una hermosa velada, gente amiga, mas que agradable contexto y, aún con sus mas y sus menos, un Verdi que siempre logra interesarme y conmoverme.

Dr. Alberto Leal

 

OTELLO- FUNCION DEL DIA 7 NOVIEMBRE
(AZOCAR - BRUNO - SILVERA)

Debió ser la primera función de Folger, derivado a la función del estreno por la enfermedad de Carlos Ventre quien debía cantar en esa función.
Para suplir a Folger se trajo de Chile a JOSE AZOCAR que en una verdadera proeza cantó esta función de Otello aprovechando su noche libre en el Municipal de Chile entre dos funciones de CAVALLERIA Y PAGLIACCI ( AMBOS ROLES ¡!!).
Azocar es una variable conocida. Una voz segura, firme, un perfecto conocimiento de la partitura ya que la ha cantado varias veces y hasta de la producción ya que tuvo a su cargo el elenco principal en La Plata, el elenco único en Rosario y el elenco nacional en Chile.
Es un Otello absolutamente competente, especialmente cuando como ocurrió esta noche está en una de sus mejores noches (hay noches en las cuales se filtra en su actuación un pronunciado vibratto) y una actuación convincente sin deslumbrar.
Es una verdadera incógnita por qué Sandra Silvera no es llamada con más frecuencia. Tiene una bella voz de lírico spinto, muy buenos pianísimos, una figura delicada y razonables condiciones de actriz. Debería estar cantando un día sí y el otro también, pero de alguna manera es siempre relegada. Y en más de una Opera se han traído del exterior sopranos que no estaban a su altura.
Licio Bruno reiteró su deslumbrante Iago de La Plata. No es una voz enorme para ganar olimpíadas, pero es una voz que funciona y que el artista usa con inteligencia, poniéndola al servicio de una interpretación excepcional que domina totalmente la acción.
Andrés Presno, por último fue un Cassio muy bonito de oír con una bella, joven voz de tenor lírico que promete mucho (tiene sólo 22 años y está en la Escuela) .Actoralmente fue víctima de la marcación ya anotada.
Hubiera sido un lujo ver a Folger con este elenco.
Orquesta y Coro superaron nítidamente sus actuaciones del estreno, especialmente la primera.
No hubo variantes en la regie.

LUIS G BAIETTI

EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD
OTELLO - FUNCION CON VENTRE, GUGLIELMI Y MARAMBIO

14 DE NOVIEMBRE.

Finalmente Ventre acabó cantando dos funciones de Otello, una vez superado el malestar que le impidió cantar la función del estreno.
Fue una doble satisfacción para él mostrar lo que ha logrado en la ciudad que le vio nacer, pobre y esforzado, y que lo vio luchar, y para todos los montevideanos de poder apreciar su actuación que, mucho me temo no podremos oír nuevamente tan pronto.
Carlos Ventre está haciendo sus primeras armas en el papel de Otello, ya cantado por él en Frankfurt y Parma. No tengo la menor duda de que apenas se filtre en Europa la noticia de que hay un tenor cantando el Otello con el grado de brillantez y seguridad que él despliega, lo van a asediar pidiéndole que cante la parte y si se descuida lo van a encasillar como le pasó a Martinucci con Turandot. Desde el ESULTATE fue posible intuir que veríamos un Otello de resplandeciente vocalismo, cabiendo sólo la duda de si llegaría hasta el final con el mismo despliegue y la misma frescura. Llegó y con resto, y cabe señalar que el Sodre no es el Met, la Bastilla o la Opera de Houston, pero tampoco es un Teatro chico como lo son la mayoría de las Operas europeas. El punto fuerte vocalmente de su Otello es el registro agudo incisivo, lindo de oír y seguro, que se ve completado por un sólido centro y buenas notas graves que no fueron cubiertas por la orquesta. No parece ser muy inclinado al pianísimo. Para los que conocen grabaciones, diría que fue un Otello más en el estilo de Guichandut que en el de Vinay, Vickers o Domingo. Actoralmente es un eficiente actor, dio con naturalidad el carácter dominante de su personaje y fue muy creíble en sus arrebatos de cólera. Nada de Freud o sutilezas sicosociológicas con él. Apenas un Otello directo, como el que hacía por ejemplo Atlantov cuando cantaba (sublimemente) la parte. Un Otello que cualquier Teatro de Opera contrataría, pero no la Royal Shakespeare Company.
A su alrededor, la función mejoró a ojos vista en relación a lo que se vio en el estreno.
La orquesta en primer lugar superó ampliamente su actuación de la noche del estreno, donde el Maestro visiblemente preocupado por evitar cualquier tipo de desajuste, estuvo más pendiente de evitar accidentes que en imprimir fuerza y dramatismo a la ejecución.. Hoy, con la notoria superación del rendimiento, pudo dedicarse a proyectar una detallista concepción de la partitura que incluyó grandes momentos sonoros y dramáticos en las escenas colectivas y un delicadísimo trabajo de orfebre en las escenas más íntimas. En ese contexto se entendió muy bien su apenas contenida impaciencia con el público que parecía poco inclinado a guardar silencio permitiendo que se iniciara el cuarto acto que se abre con una delicadísima melodía cuyo efecto se pierde totalmente si debe competir con los sonidos de una platea más inclinada a conversar que a escuchar. Prudencio es un gran director, absolutamente entregado y atento al detalle y es de desear que no sea esta su última actuación en el medio. A juzgar por los aplausos del público y de la propia orquesta, dejó afectos en quienes seguramente verán con alegría un eventual retorno.
El coro mejoró notablemente. Al menos tuvo menos desencuentros con la orquesta. Persiste una tendencia sobretodo en la escena inicial de sonar como un conjunto de voces individuales y no como un conjunto integrado, pero esto muy bien puede deberse a la escenografía que obligo a colocar a los cantantes muy alejados unos de otros y para colmo muy cercanos al foso orquestal, haciendo que el sonido saliera desintegrado, lo cual posiblemente no haya perjudicado a los espectadores ubicados en sitios más traseros de la sala, donde el espacio de esta puede haber suplido la ausencia del espacio escenográfico. No debe ser casual que el nivel se haya elevado considerablemente en la escena del acto 3, que tiene lugar en el interior del castillo, donde el coro y la orquesta directamente descollaron.
Maureen Marambio repensó notoriamente su personaje y decidió dar piedra libre a su poderoso instrumento vocal, al par que dar una imagen más extrovertida del personaje. Quizás no haya sido la Desdémona que todos soñamos, frágil y delicada jovencita sino una mujer mucho más fuerte, pero al menos pudimos disfrutar de una poderosa voz que alcanzó un momento de gran lucimiento vocal en el final del tercer acto y en general dio una intensa versión, muy compenetrada dramáticamente de los dos actos finales. Es otra que debería volver pero en algún papel más fuerte, más acorde con su vocalidad y su personalidad.
Volvió a impresionar el poderoso registro agudo y el inteligente uso de los pianísimos de Rodolfo Guglielmi, que en esta función no tuvo las dificultades con las entradas que sufrió en la noche del estreno, poco habituado al ritmo vertiginoso que Prudencio imprimió a los recitativos. Negoció además mejor la sonoridad de su registro central que fue menos cubierto por la orquesta, y reiteró sus recursos histriónicos para suplir los graves que no son la mejor parte de su armadura vocal. Es un notable, sutil actor en lo facial con fabulosas contra escenas, pero carece de plasticidad corporal lo cual fue acentuado por la fea vestimenta que se le asignó a él y en general a todos los hombres, muy especialmente a Cassio.
Continuó gustándome la puesta, con algunas reservas , en general referidas al teatro isabelino incluido en el primer y segundo actos y sobre todo a lo que se representó encima de él, que pareció más bien concebido con el deliberado propósito de provocar escándalo.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD.

 

EXCELENTE VERSION DE CARMEN POR JUVENTUS LYRICA

CARMEN – JUVENTUS LYRICA – TEATRO AVENIDA
CARMEN

OPERA DE GEORGES BIZET SEGUN LIBRETO DE HERNI MELIHAC Y LUDOVIC HALEVY
BASADO EN LA NOVELA DE PROSPER MERIMÉE
PREPARACION Y DIRECCIÓN MUSICALES: HERNÁN SÁNCHEZ ARTEAGA
DIRECCIÓN DE ACTORES Y PUESTA EN ESCENA: ANA D ANNA Y MARÍA JAUNARENA.
CORO Y CORO DE NIÑOS DE JUVENTUS LYRICA
ORQUESTA DE JUVENTUS LYRICA
ESCENOGRAFIA DE ANA D/ANNA, MARIA JAUNARENA Y CONSTANZA PEREZ MAURICE
VESTUARIO - MARIA JAUNARENA
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: GONZALO CÓRDOBA
CANTANTES: FLORENCIA MACHADO, NAZARETH AUFE, JUAN SALVADOR TRUPIA Y RODRÍGUEZ, MARÍA GOSO Y ELENCO.

Juventus lírica cerró su temporada con Carmen de Bizet. Un título que ha sido presentado, en el último tiempo, por la mayoría de los teatros de nuestro medio. No era fácil la empresa ya que había que estar a la altura de compañías que tienen otros medios y suplir la fuerte pareja protagónica originalmente anunciada, Enrique Folger (que está cantando Otello en el Sodre de Montevideo) y Eugenia Fuente en pleno proceso de maternidad.
Pero Juventus logró una muy buena versión (con momentos de excelencia), con un notable equilibrio en todos los rubros.

A partir de una escenografía austera, mayoritariamente en madera, mostrando el nivel social en los dos primeros actos, un vestuario siempre adecuado, con algunos trajes brillantes como los de Escamillo, esta realización conjunta de madre e hija fue sumamente respetuosa del autor y en general del texto, salvo pequeños detalles. Con una muy buena marcación actoral, favorecida por dos de los artistas del elenco, Machado y Trupía y Rodríguez, siempre actores muy convincentes, la obra como un todo fluyó en carácter y sin sobresalto alguno. Gran trabajo.
El maestro HERNÁN SÁNCHEZ ARTEAGA, en su doble tarea de dirigir Coro y Orquesta, fue otro valioso punto de esta versión. La Orquesta realizó un buen trabajo, tal vez con un sonido menor a lo deseado, pero siguió las indicaciones del Director, manteniendo siempre el estilo y con un perfecto balance entre el foso y el escenario.
Brillante trabajo de ambos Coros, con un cuarto acto memorable.
FLORENCIA MACHADO brindó una excelente versión de Carmen. Con su timbre aterciopelado, excelente línea de canto, sin ninguna dificultad visible en ambos extremos de su voz y con una sensualidad a flor de piel y el agregado de sus dotes de actriz, generó un trabajo que aunque no tiene aún su sello propio, fue de excelencia para un Teatro como el Avenida. Brava.
La última vez que vi como solista a NAZARETH AUFE fue hace varios años cantando Tamino, en el mismo escenario. Por supuesto que no es tarea fácil reemplazar a Enrique Folger en un papel que está hecho a su medida. Aufe lejos está de tener la voz adecuada para Don José. Es básicamente un tenor lírico ligero, que hábilmente oscureció su timbre para encarar este rol. Pero cantó con excelente línea de principio a fin, siempre afinado y con buen volumen. Y brindó una muy buena versión del aria de la flor. Debe trabajar en la parte actuada, ya que por momentos se lo ve algo torpe, básicamente debido a su altura, acentuado en esta versión, a la diferencia de la misma con Florencia Machado. Realmente me gustaría verlo en un papel más afín a su voz, pero como todo el elenco no tuvo problema vocal alguno.
JUAN SALVADOR TRUPIA Y RODRÍGUEZ posee todas las condiciones para ser un excelente Escamillo. Hermoso timbre de voz y excelente técnica. La variable tesitura del rol no le trajo el menor problema. Su volumen siempre fue adecuado y mostró una notable capacidad para matizar. Es reconocido como un excelente actor y lo ayudó notablemente su físico para lucir los trajes de torero, que suelen ser un problema para muchos barítonos.
MARÍA GOSO brindó una notable Micaela. Ya la había visto esta temporada en Susana de Bodas de Fígaro y mantengo la excelente impresión de esa oportunidad.
Con una voz de muy bello timbre que maneja con inteligencia, notable volumen y un canto siempre matizado y fresco. Es una joven soprano para tener en cuenta. No creo que quede como una soprano lírica, se siente un potencial para roles más dramáticos que en su momento vendrán.
Brillante el cuarteto de contrabandistas interpretados por Gabriel Vacas, Pablo Urban, Verónica Canaves y Ana Sofía Romagnoli, esta última mostrando un brillante y poderoso sector agudo.
Igualmente eficaces el Zúñiga de Alberto Jáuregui Lorda, el Morales de Mariano Gladic, con hermoso timbre de voz y el resto del elenco.
En cualquier manifestación artística lo que mas valoro es la inteligencia, y aquí estuvo presente. Lograr, luego de las bajas sufridas – y con algunos nombres impensados – una excelente versión de Carmen es una muestra cabal de inteligencia. Es una versión más que recomendable y todavía queda una función, pero algunas veces la intuición del público es certera, y desde hace dos semanas está todo vendido. Lamentable que no se hicieran más funciones. Mis mas cálidas felicitaciones al equipo de Juventus Lyrica por esta Carmen genuina y sin fisuras y que el éxito los siga acompañando el próximo año.

Alberto Leal

EL ANGEL DE FUEGO

OPERA DE SERGEI PROKOFIEV SOBRE LIBRETTO PROPIO BASADO EN LA NOVELA DE VALERY BRIUSOV

DIRECCION MUSICAL –IRA LEVIN
DIRECCION DEL CORO-MIGUEL MARTINEZ
REGIE- FLORENCIA SANGUINETTI
ESCENOGRAFIA E ILUMINACION- ENRIQUE BORDOLINI
VESTUARIO –IMME MÖLLER
CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TEATRO COLON
TEATRO COLON-BUENOS AIRES

El Teatro Colón había presentado esta ópera hace 44 años en una versión en italiano magistralmente dirigida nada menos que por BRUNO BARTOLETTI y ERNS POETTGEN. Recuerdo aún el impacto que me produjo su violenta escena final, del exorcismo con sus desbordes orquestales, el caos escénico y la presencia atemorizante del Inquisidor que era entonces interpretado por el gran bajo WILLIAM WILDERMAN en una actuación descomunal. Recuerdo también mi perplejidad y la del público frente a su argumento, bastante indescifrable y los sentimientos encontrados que despertaba su partitura, muy rica en lo orquestal, en particular en el final del acto 2 y todo el acto quinto y no demasiado interesante en la parte vocal, con los intérpretes más bien condenados a un perpetuo canto semi hablado, para colmo muy exigente en cuanto a las notas y a la competencia sonora con los decibeles de la orquesta.
Nada de lo que vi esta tarde alteró la impresión original. Sigue ocasionándome gran impacto emotivo el acto final con su tremenda orquestación. Esta vez no tuvo una interpretación tan impactante pues si bien IVAN GARCIA lució una bien timbrada voz de bajo y una muy buena actuación escénica estuvo muy lejos de deslumbrar como su predecesor.
VLADIMIR BAYKOV ( antes RENATO CESARI ) tuvo a su cargo el ingrato papel de RUPRECHT, que canta casi todo el tiempo y lucha todo el tiempo con la orquesta, pero en realidad no tiene a su cargo ningún momento musical de destaque
Magnífica ELENA POPOVSKAYA en el agotador papel de Renata que también canta todo el tiempo y una partitura muy exigente en la región aguda, siempre en lucha con la orquesta, pero que a cambio tiene a su cargo algunos de los pasajes más cantables de la partitura.
Me causó impacto el excelente Mefistófeles de ROMAN SADNIK estupendo vocal y escénicamente. Y la sobriedad y aplomo con que lo acompañó HERNAN ITURRALDE como Fausto.
Un elenco comprimario de lujo con varios de los mejores cantantes solistas del medio, proporcionó la alegría de volver a ver a CECILIA DIAZ en el palco del Colón.
IRA LEVIN en su última Opera de este año (no tiene ninguna en el 2016) debe de haber disfrutado doblemente con una ópera que pide una masa orquestal importante y en la cual casi que se espera que cubra a los cantantes.
Sobre la regie es poco lo que puedo decir, salvo que me encantó la idea de poner en escena la calesita donde se produjo la primera seducción de la protagonista.
Para mí una buena regie es aquello que aporta algo al entendimiento del argumento de la Opera. En este caso tal aporte no existió pero es difícil determinar si ello se debe al texto y no a la puesta.

Luis G. Baietti


RUSALKA

OPERA DE ANTONIN DVORAK
LIBRETTO DE JAROSLAV KVAPIL
DIRECCION MUSICAL – CARLOS VIEU
DIRECCION ESCENICA – MERCEDES MARMOREK
ESCENOGRAFIA - LUCIANA FORNASARI
CORO DE BUENOS AIRES LIRICA BAJO LA DIRECCION DE JUAN CASASBELLAS
ORQUESTA
BUENOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

Muchos de los participantes en esta empresa merecen un caluroso aplauso, pero si vamos a ser justos el primer y más sonoro aplauso debe ir para la Dirección de BUENOS AIRES LIRICA por su valentía de, en momentos económicos tan poco propicios,- emprender esta compleja y arriesgada aventura de traer el público de Buenos Aires esta bellísima Opera tan poco frecuentada en el repertorio de los Teatros Liricos del mundo y estreno absoluto en Argentina, demostrando que se pueden hacer descubrimientos sin salirse del campo de la Opera tradicional que todavía esconde preciosos tesoros como este que es un crimen que la afición local no haya conocido anteriormente.
Pero no sólo se atrevieron a hacerlo sino que empeñaron en la aventura recursos que en la escala de una cia.privada sin subsidio estatal representa una verdadera superproducción. En primer lugar por el elenco escogido que sólo incluye primeras figuras, aún en los papeles más breves. Y luego por la costosa producción escénica que, más allá de las objeciones que uno pueda tener a la concepción de la puesta, es un verdadero logro en términos visuales dejando muy atrás la prehistoria de las presentaciones en el Avenida que se conformaban con escenarios muy sumarios que más recordaban una fiesta de fin de curso que una producción teatral. Aquí fue muy bien concebida la imagen agobiante del prostíbulo en los actos 1 y 3 y el amplio espacio de los jardines del palacio en el acto.2
En el elenco una descollante actuación vocal y escénica de DANIELA TABERNIG, joven que viene obteniendo éxitos sucesivos en papeles notoriamente difíciles entre los que destaco sus espectaculares creaciones en JENUFA y EUGENIO ONEGUIN. Dueña de una bellísima voz que ya va siendo de soprano lírica y no tanta de lirico-ligera como al comienzo, se eleva con pasmosa seguridad a los agudos. Y se entrega con alma y vida al personaje, logrando uno de los retratos más completos de un personaje de opera que se hayan visto últimamente. Hay algunos momentos de la partitura (ej. Final del 2do. Acto) en que más bien se pide una voz más pesada, de graves más sonoros, pero la cantante los supo resolver con una segura técnica y una gran musicalidad.
ERIC HERRERO tiene un impresionante registro agudo que suena a heroico. Canta con total apego a la línea melódica y es un más que razonable actor. –Ayer tenía una muy leve afección vocal que velaba parcialmente sus notas graves, pero estuvo todo el tiempo en perfecto control de la situación. HOMERO PEREZ MIRANDA es incapaz de hacer mal o siquiera mediocremente un personaje. Dueño de una voz todo terreno que está en el preciso medio entre bajo cantante y barítono es además un excelente actor. Pena que su personaje fue el más perjudicado pro la alteración del argumento de la Opera.
ELISABETH CANIS no es ya una sorpresa para nadie. Dueña de un poderoso y oscuro instrumento vocal pero sobre todo de un temperamento arrasador, tiene en su haber varias creaciones como su secretaria en THE CONSUL, su KOSTELNICKKA en JENUFA (papel arduo de interpretar si los hay) y por encima de todas su inolvidable MADAME DE CROISSY EN DIALOGUES DE CARMELINTES que figura por derecho propio entre las más emocionantes encarnaciones de un personaje lírico que he visto en mi vida.
MARINA SILVA fue la sorpresa para muchos que no la vieron antes, ya que el Colón la tenía escondida y sólo fue rescatada hace unos meses por el TEATRO ARGENTINO para hacer una excelente Violetta en LA TRAVIATA. Su creación como la fría, altiva, maligna Princesa fue de helar la sangre y fue vertida además con una voz que ha ganado en cuerpo y volumen .Gran trabajo.
Lujo asiático las tres ninfas de ORIANA FAVARO, ROCIO GIORDANO Y VANINA GUILLEDO las tres cantantes de primer nivel que cantan con frecuencia papeles protagónicos, así como el delicioso retrato del adolescente que hizo CECILIA PASTAWSKI una de la más logradas emulaciones masculinas que me haya sido dado ver y que enciende las expectativas para su ROMEO del año próximo.
MIRKO TOMAS y SERGIO VITTADINI también tuvieron intervenciones de lujo.
La puesta de Marmorek demostró que tiene un gran talento para el diagramado de los movimientos de los intérpretes y que sabe como obtener de ellos interpretaciones profundas de las motivaciones de sus personajes.
LÁSTIMA QUE HAYA TENIDO LA POCO FELIZ IDEA DE TRANSFORMAR EL LAGO EN EL QUE SE SITUA LA ACCION EN LOS ACTOS 1 Y 3 EN UN BURDEL CON PROSTITUTAS, VOLVIENDO CASI INDESCIFRABLE LA TRAMA DE LA OPERA PARA EL PUBLICO NO FAMILIARIZADO CON ELLA. En cierto sentido navegó en sentido contrario al objeto de la puesta que era precisamente hacer que el público bonaerense tomara conocimiento de ella.-
Y un detalle que me resultó particularmente irritativo fue el de la vetusta bañera que aparece en escena y donde la protagonista semidesnuda tiene que sumergirse cada vez que el libro o la partitura hablan del agua. De no mediar la excelente expresión de Tabernig estas escenas hubieran sumergido el espectáculo en el ridículo.

Luis G. Baietti


IL SIGNOR BRUSCHINO

OPERA EN UN ACTO DE GIOACHINO ROSSINI

Estrenada en Venecia en el Teatro San Moisè el 27 de enero de 1813 es una de las cuatro farsas escritas por Rossini siempre combinando comicidad con un toque sentimental. Y es una verdadera pena que no se presente con más frecuencia ya que es una deliciosa pieza de enredos con interesantes momentos de nivel musical y vocal.
La versión presentada por SOL LIRICA en el Teatro Empire contó con un excelente elenco de figuras jóvenes, una correcta orquesta muy bien dirigida por el Maestro Ulises Maino y un inteligente trabajo de puesta de Julián Ignacio Garcés.
Es muy gratificante ver un elenco de jóvenes cantantes que ya alcanzaron un alto nivel técnico y actoral.
Finalmente se puede ver una función en el Teatro Empire con orquesta y no con piano. La Orquesta sonó ajustada, con buenos tiempos y totalmente en estilo la dirección del Maestro Maino.
Muy hábil el trabajo del Director de escena. La puesta se desarrolla en época actual, pero en nada distorsiona la trama ni el texto. Generó una excelente marcación de los cantantes, precisa, ágil. Por supuesto que contó con el elenco adecuado para ello, pero su trabajo fue notable y sería muy interesante poder verlo en otro título.
Siempre dentro del buen gusto y la practicidad fue otro logro el trabajo de María Noel Dourron en la escenografía y el divertido vestuario de Mariana Serapian. Lo mismo que la iluminación de Verónica Alcoba.
Dentro de un parejo y excelente elenco se destacó claramente Juan Salvador Trupia y Rodriguez, sin dudas la revelación vocal del año en nuestro país. Luego de sus excelentes Carlo Gérard en Andrea Chénier, Figaro en Bodas, su esperado Escamillo, finalmente se hizo justicia con un cantante que vengo siguiendo hace muchos años, desde un Pagliacci en el Teatro Roma, donde me impactó no solo su voz y su canto sino también su nivel actoral. Aquí se luce ampliamente componiendo un papel totalmente opuesto a los anteriores, un anciano, generalmente abordado por un bajo bufo. El timbre de su voz, el volumen de la misma y su actuación piden a gritos que sea considerado por el Teatro Colón o el Argentino de La Plata. Si no decide hacer una carrera internacional para la cual está absolutamente dotado. Gran trabajo!
Dentro de este parejo grupo de trabajo fue una auténtica revelación Ana Sampedro. Hermosa voz, con notable extensión, excelente técnica, buena figura y considerable condiciones de actriz. Otro tanto fue el Gaudencio de Alfredo Martínez Torres, a quien nunca había visto con anterioridad. Con un buen patrimonio vocal, muy suelto en escena, su personaje fue totalmente creíble.
Muy buenas prestaciones del tenor Mauro Di Bert, incluyendo la difícil aria de entrada, lo mismo que el resto del parejo elenco.
Mucho me gustaría ver en un papel que le brinde más posibilidades a Ramito Pérez quien en sus breves partes ( Bruschino Figlio/Commisario) mostró un hermoso color de voz, importante volumen y soltura escénica.
Felicitaciones a SOL LIRICA por esta deliciosa velada. Nadie que ama la ópera puede perder esta oportunidad de ver un Rossini poco frecuentado en una excelente versión.

Dr. Alberto Leal


MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES...

Giuseppe Verdi: Don Carlo, ópera en 4 actos
Director musical:IraLevin
Director de escena, escenografía y vestuario:EugenioZanetti
Escenógrafo:Sebastián Sabas
Iluminación:Eli Sirlin  
Orquesta estable del Teatro Colón
Director del coro estable: Miguel Martínez
Cantantes: José Bros, Alexander Vinogradov, Fabián Veloz, Tamar Iveri, Béatrice Uria Monzon, Alexander Tanovitski  

Un gran desafío constituye siempre la presentación de “Don Carlo” de Verdi. Es la ópera más larga del Maestro y la que más modificaciones tuvo. Fue estrenada en el Teatro Imperial de la Opera el 11 de marzo de 1867, por encargo de la Opera de París para la Exposición Universal del mismo año. Por ese motivo fue concebida como una Grand Opera francesa, con ballet incluido en el tercer acto, como era de rigor.  
A pesar de la belleza de la misma no fue bien acogida en su estreno, tal vez por la presencia en la sala de la Infanta española y la parcial veracidad de los hechos por parte del libro original de Schiller. 
Mucho camino y modificaciones sufrió la obra hasta ser estrenada en la versión italiana en el Teatro La Scala de Milán el 10 de enero de 1884 y ésa es la versión más representada hasta la fecha  y la elegida en esta ocasión por el Teatro Colón. En esta versión se ha suprimido el acto de"Fontainebleau" que aunque aumenta la duración le da más coherencia al argumento. Se han restituído sin embargo algunos fragmentos usualmente cortados en las representaciones en italiano, fundamentalmente en la escena de la prisión con Carlo arrojándole al rostro de su padre su autoria de los documentos inculpatorios que Rodrigo asumió como suyos para salvarlo, provocando su muerte a manos de los sicarios del Rey, y el dolor y remordimiento ( CHI RENDE A ME TAL UOM ¿?) de este., y el prolongado fragmento “bélico “ del dúo final entre Don Carlo y Elisabetta.
El Teatro Colón no reparó en gastos en la puesta en escena de esta Opera que fue encarada con fidelidad a la época, gran fastuosidad casi hollywoodense por parte de su regisseur y escenógrafo ZANETTI, provocando un deslumbramiento de la platea que se tradujo en el hecho de que por una vez la figura más aplaudida al término de las representaciones fuera precisamente el regisseur. No es que el trabajo de Zanetti sea impecable, pues tiene algunas ideas que no resultan claras ni de buen gusto, momentos marcadamente kitsch, como en las dos primeras escenas, pero en general hubo más que elogiar que criticar, especialmente en el rubro vestuario, con trajes deslumbrantes de diseño y realización poco vistos en el Colón de los últimos años.
Una cuestión aparte es por qué el Teatro Colón cada vez que repone DON CARLO lo hace con una puesta en escena nueva, gastando importantes sumas de dinero, sin contemplar la posibilidad de reponer alguna de las versiones anteriores, de las cuales se conservan gratos recuerdos. Tiene sentido haber gastado todo este dinero para tener almacenada otra puesta de Don Carlo que en el mejor de los casos será utilizada dentro de 10 años cuando el Teatro se decida a volver a incluir la Opera en su repertorio, si es que –fiel a su propia tradición-no decide hacerlo con una nueva presentación escénica ¿?
Ahora bien, si Zanetti es un talentoso escenógrafo, su enfoque de la obra es más estético que dramático. Así los cuidados cuadros fijos con que terminan los diversos actos, la disposición de los solistas y coro en escena evocaron más bien modelos pictóricos, pero no se percibió en los movimientos de los solistas una profundización en las actuaciones individuales que estuviera a la altura del texto, que incluye algunos de los personajes más ricos, más complejos que haya presentado Verdi en sus obras y en general toda su versión carece del dramatismo planteado por el Maestro.
Claro, hay que concederle que tampoco contó con un elenco con una particular inclinación por la profundización del trabajo dramático.
Musicalmente la partitura fue bien servida por IRA LEVIN con un gran trabajo de la Orquesta y el Coro plenamente de acuerdo con sus antecedentes de los últimos años.
No hubo la misma suerte con el elenco solista, donde sólo hubo dos actuaciones a la altura de los personajes : el excelente barítono argentino FABIAN VELOZ totalmente en dominio de la parte, luciendo un gran volumen vocal, buena línea de canto verdiana y un uso inteligente de la mezza voce, y el sólido bajo ruso Alexander Vinogradov, que por una vez nos presentó un Rey relativamente joven, más acorde con el personaje histórico que el anciano al borde de la senilidad que suele presentarse. La voz, de bello timbre y solvente en toda su extensión, puede haber sonado algo menos profunda que lo habitual pues se trata de un bajo cantante, pero completamente en dominio de la parte. Su actuación fue medida, Hizo más bien un Rey introvertido, pero totalmente válido.
No tuvo la misma suerte el Teatro con el resto del elenco. En primer lugar es inexplicable la contratación de Alexei Tanoviski, un bajo prematuramente envejecido vocalmente, que no estuvo a la altura del personaje debilitando una de las escenas clave de la Opera cual es el enfrentamiento entre el Rey y el Inquisidor. Tamar Iveri no acertó para nada el personaje al interpretar a la joven Elisabetta y su amor contenido e imposible. Vocalmente simplemente pasó por la parte sin grandes sobresaltos pero sin dejar impresión alguna, alcanzando un buen momento en las dos escenas finales, donde pudo finalmente cantar a viva voz exhibiendo una más que aceptable calidad vocal, con agudos cubiertos y de buen volumen, Beatriz Uria Monzón que hizo su carrera como mezzo lírica, está ahora cantando como soprano y su próximo compromiso es con la ópera Tosca. Es una cantante experimentada, que sabe administrar sus declinantes recursos y ofreció en todo momento una decorosa actuación, con una sólida versión de la difícil aria final OH DON FATALE, en la cual inevitablemente lució tensa y esforzada y con un timbre vocal que traiciona su larga carrera..
Lucas Debevec tuvo dificultades con los agudos del Fraile. Rocío Giordano, Iván Mewier, Darío Leoncini y Marisu Pavon completaron el elenco con buenas voces y eficaces interpretaciones.
Y además estuvo Josep Bros como protagonista. Dueño de una voz de tenor lírico-ligero, adecuada para por ejemplo un Nemorino, tuvo que esforzarse para dar al personaje el peso vocal requerido y ello fue a expensas de la línea de canto cuando no de la afinación. Su voz, aunque no es grande, posee una gran calidad en armónicos que logra que corra por toda la sala y se lo escuche siempre. Su composición del personaje fue nula. El constante recurso de portamentos acabó causando hastío en los oyentes. Cantar por primera y única vez este título en el pequeño auditorio del Escorial no lo habilita para poder hacerlo en el Teatro Colón con suceso.
Ofrecer un Don Carlo si no se tienen cantantes de primera línea capaces de dar a la partitura el lucimiento vocal requerido y al texto el hondo dramatismo que proyecta, es una empresa condenada de antemano al fracaso y poco importa que se la vista con todos los oropeles, porque al fin de cuentas será como dije en el título, siempre será, “mucho ruido y pocas nueces”.

Dr. Alberto Leal


DON CARLO
ELENCO ALTERNATIVO (NACIONAL)

Cabe ante todo felicitar al Teatro Colón por haber retomado la antigua política de realizar un par de funciones extraordinarias de la Opera, dándole la oportunidad a los cantantes que han oficiado de cover del elenco principal, probarse en escena y hacer conocer al público su trabajo.
Es obvio que para que esta política de resultados, es necesario que se practiquen en estas funciones precios populares ya que de lo contrario el público tenderá a ver los espectáculos de abono, partiendo de la base de que el elenco importado por incluir cantantes de prestigio en el exterior, tendrá un nivel de calidad superior al local, cosa que últimamente no se ha venido dando.
Infelizmente el Teatro trabajó en contra de si mismo porque si bien estableció precios populares (la platea costaba 30% del precio en las funciones de abono, o sea un descuento del 70%) no divulgó lo que estaba haciendo y la gente que últimamente huyó del Teatro por no poder pagar los precios astronómicos que se estaban cobrando, no se enteró de la novedad y no regresó, dando por resultado una sala sólo parcialmente llena.
Y es una pena porque la función fue muy respetable. No creo que haya muchos Teatros en el mundo que pueden darse el lujo de presentar una versión digna de esta difícil ópera con sólo los cantantes locales.
En primer lugar, claro, estuvo la misma producción escénica del primer elenco. Una puesta en escena con gran despliegue visual que más allá de algún detalle objetable, nos trasporta de vuelta a los espectáculos de cuando el Colón era el Colón y se veían producciones magníficas, que además respetaban rigurosamente el espíritu de la obra presentada.
El regisseur EUGENIO ZANETTI recibió la mayor de las ovaciones a la hora de los saludos finales, por un público que ya había comenzado a resignarse a sólo ver versiones atrozmente modificadas de las Operas que se presentaban.
ZANETTI es más un esteta que un director teatral y ello fue notorio por ejemplo en la belleza de todas las escenas de conjunto y la disposición de todos los elementos en el cierre de cada acto, que parecieron destinados a ser inmortalizados en un cuadro.
No es quizás un gran director de intérpretes y me parece que cada uno quedó sujeto al uso de su propio talento a la hora de crear los personajes, de allí que haya habido bastante disparidad entre ellos.
Es de lamentar que anoche un error perjudicó precisamente a la mejor lograda de las escenas: la quema de los flamencos condenados por herejes, un gran logro de la puesta, por su crudo realismo, que ayer no se vio porque por un error el fuego comenzó demasiado tarde cuando ya el telón estaba bajando.
En el elenco hubo dos triunfadores netos de la noche GUSTAVO LOPEZ MANZITTI y EMILIANO BULACIOS. Ambos debieron estar en el primer elenco porque fueron notoriamente superiores a sus pares importados.
Manzitti nos dio un bellísimo retrato musical y actoral del torturado protagonista de la obra, un papel agotador, complejo, que canta en casi todas las escenas y no tiene una sola aria para lucirse. (La única aria está en el primer acto, cortado en esta versión)- Gustavo, con su voz de timbre ahora mucho más agradable al oído que en los primeros tiempos de su valiosa carrera, dotada de un cierto color baritonal, que logra remontarse al agudo sin que haya contraste de coloración, nos dio un finísimo retrato, de gran valor emotivo y absolutamente en control de la parte vocal, con una delicada ejecución de la línea melódica verdiana. Supo además reponerse rápidamente de una entrada en falso en el primer acto, repitiendo las dos sílabas cantadas antes de tiempo casi sin que nadie percibiera el lapsus.
Bulacios impactó con su desbordante vocalismo que se agigantó si se lo compara con la pobre prestación del intérprete titular, con una voz que sonó a destruida por el tiempo pese a la juventud relativa del cantante.
CARLOS ESQUIVEL en el papel menor pero difícil del Fraile dio una excelente versión, alejada de las dificultades que el papel ofreció a Debevec por ser demasiado agudo para su voz.
El peor compromiso de la noche lo tuvieron LUCAS DEBEVEC MEYER y ALEJANDRO MEERAPFEL que sustituían a los que por lejos habían sido los mejores integrantes del elenco titular.
Meerapfel estuvo correcto, con algunas notorias dificultades en el ascenso hacia los agudos, que en más de una vez parecieron fuera de afinación y un timbre que en ciertas zonas de la voz no es de los más agradables. Actuó correctamente un papel que en esta versión no logra decir a qué vino.
Debevec se entregó con alma y vida al personaje en una intensa interpretación que yo hubiera preferido más sobria, menos extrovertida. En algunas escenas su Felipe II estuvo muy cerca de caer en el melodrama. En lo vocal lució un buen caudal y solidas notas graves, así como también un sonido que parece demasiado gutural y ciertas dificultades a la hora de remontarse hacia los agudos.
MARIA LUJAN MIRABELLI había ya cantado la EBOLI en el elenco titular hace unos 11 años y había obtenido un buen éxito personal pese a que había salido a escena casi sin ensayos. Cantante del coro estable del cual se ha jubilado, no recibió un trato justo del Teatro que después de ello la contrató en contadas ocasiones y no para papeles de la talla de EBOLI. Es así que ha hecho fuera del Colon sucesivas AMNERIS, AZUCENA, LA FAVORITA y nunca tuvo la oportunidad de hacerlas en el Teatro. Esta vez casi ocurre lo mismo porque la idea original era que no hubiera funciones con elenco local. Y el Teatro además cometió una clara injusticia cuando VIOLETA URMANA dejó de ser de la partida ( hay quien dice que nunca estuvo contratada )- Si bien ni Mirabelli ni ningún admirador suyo, entre los cuales me cuento, podría quejarse de que ocupara un segundo plano frente a una cantante de los quilates de la Urmana, me parece una total falta de respeto al cantante nacional que se haya preferido traer a una cantante internacional ya pasada de su mejor momento para hacer algo que la cantante local, a quien el Teatro le debe algunos favores, demuestra ahora que podía hacerlo igual o mejor.
Mirabelli hizo una Eboli volcánica y bien cantada en general con un punto alto en el OH DON FATALE donde exhibió un registro agudo firme y de importante volumen, más allá de alguna ocasional estridencia que, justo es decirlo, aparece con frecuencia en las interpretaciones de las mezzos-mezzos que cantan este papel muy exigente con el registro agudo al punto que en más de una oportunidad lo cantan sopranos. Fue además impecable la manera en que resolvió la difícil aria del velo con su coloratura endemoniada , cantada en mezza voce. Fue perjudicada en la primer estrofa por una mala idea de Zanetti de colocarla bien atrás en el escenario ( no se hace eso con una cantan te que canta una de las arias más difíciles de la obra y del repertorio para mezzo!!!) y la fuerte orquestación de Levin que es impiadosa.
El caso de HAYDEE DABUSTI es diferente. Puede decirse que recién ahora está debutando en el Colón tras una serie de papeles de cover sin función y algunos papeles menores. La cantante ha construido a puro esfuerzo propio una carrera de prestigio cantando roles particularmente difíciles y pesados como ODABELLA (ATTILA) ABIGAIL (NABUCCO), NORMA. La gran duda es cómo sonaría su voz en este escenario enorme. Yo diría que no tuvo problema alguno con el volumen de la voz, que se la oyó perfectamente en todo momento y que además superó la barrera de la orquesta, el coro y los demás cantantes en todos los concertantes. Cantó además siempre afinada y segura. Y sin embargo uno no podía dejar de sentir que no era una interpretación a la altura de sus dos experiencias anteriores con el papel, en condiciones mucho más desfavorables pero en escenarios de reducida dimensión. Sucede que, contrariamente a lo que ocurre con los cantantes cuando van avanzando en años de carrera, la voz de HAYDEE está poniéndose cada vez más lírica (o está recuperando su cualidad natural ¿?), más clara y eso deja en quienes estamos acostumbrados a fuertes sopranos spinto en la parte, la sensación de que nos está faltando algo, de que nuestros oídos no están siendo del todo satisfechos. Felizmente todo cambió en la escena final con DABUSTI dejando de lado toda cautela, y cantando con total fuerza una impecable versión del TU CHE LE VANITA seguida por un magnífico dúo en la larga versión completa, que incluye el famoso y exigente fragmento “heroico” o “bélico “con el tenor. Se puede decir que en esa magnífica escena final Haydee llegó finalmente al Colón.

Luis G. Baietti


OBERTO, CONTE DI SAN BONIFACIO
Opera de G. Verdi

Compañía Lírica “G: Verdi” – Teatro Avenida.
Dirección General y Regie: Adriana Segal
Asesora de escena: Lizzie Waisee.
Dirección Musical: Ramiro Soto Monllor
Vestuario. Mariela Daga
Coro Estable de la Compañía Lírica “G.Verdi”

Oberto, Juan Font – Leonora, Sabrina Cirera – Riccardo, Carlos Ullán – Cuniza, Laura Dominguez – Imelda, Clara Pinto.
Mi crítica del año pasado, cuando se estrenó esta versión de OBERTO fue:
Oberto, fue la primera opera del Maestro Verdi, estrenada en Teatro alla Scala, Milán, el 17 de noviembre de 1839. La obra tuvo un éxito notable en su estreno, pero poca repercusión a futuro. Es increíble debido porque es una obra totalmente representativa del primer Verdi, con los méritos y argumentos objetables de ese período.
Recién fue estrenada en N.Y en 1978 por la Opera Amato y son contadas las presentaciones que ha tenido en el mundo durante todos estos años. Solamente existen 3 grabaciones comerciales de la misma, la primera en 1977, la segunda (que es la que poseo) en 1984 – Dimitrova- Bergonzi – Gardelli y una más actual con Samuel Ramey- María Guleghina- Marriner.
Fue un gran acierto por parte de la Compañía Lírica “G.Verdi“ ponerla en escena, un logro que debe ser sumamente valorado y además brindando una muy buena versión. Bravo!
En esta reposición debo doblar los adjetivos. Luego de asistir el miércoles al “Don Carlo” del Teatro Colón, con una portentosa y onerosa puesta, pero sin nivel dramático y muy poco vocal, esta versión de Oberto fue realmente todo lo contrario. Pocos recursos muy bien aplicados, el logro de un gran nivel dramático y y cantantes que dejan su corazón en el escenario.
La puesta, ya comentada el año anterior, se presentó sin cambios. Preciso movimiento escénico, agradable escenografía minimalista y un vestuario en estilo, con una muy acertada gama de colores. Todo sobrio y de buen gusto.
El Maestro Ramiro Soto Monllor volvió a reiterar su valioso trabajo del año anterior, con gran estilo, recreando las inspiradas melodías del joven Verdi, buenos tiempos y con notable respuesta de la orquesta, más allá de pequeños problemas de afinación. Mantuvo constantemente un perfecto equilibrio entre el foso y el escenario.
Tres grandes artistas dieron vida y alma a las criaturas de Solera, Sabrina Cirera, Carlos Ullán Y Juan Font.
Formidable prestación de Sabrina Cirera, mejorando aún su excelente creación del año anterior. En el plano vocal no tuvo ningún problema con la endiablada escritura de este primer Verdi, aún fuertemente influenciado por Donizetti. Su centro adquirió una densidad que no presentaba en la versión anterior. Ni las coloraturas, ni la demoledora extensión exigida por Verdi fueron obstáculo alguno para ella. Siempre afinada, siempre con notable volumen. Excelente, muy expresiva como actriz, abrió su corazón en el aria del segundo acto – donde se concentra lo mejor de esta ópera – conmoviendo y conmoviéndose hasta el límite posible para un cantante. Cuesta entender como el Teatro Colón o el Argentino de La Plata no la han llamado todavía. Magnífico trabajo.
Carlos Ullán era a priori otra de las atracciones de esta versión. El tenor, de gran carrera como tenor ligero con notables interpretaciones en Mozart o Rossini, abordaba por primera vez un papel considerablemente mas pesado, por lo menos para un tenor lírico. Aunque su voz se ha oscurecido en el último tiempo, seguramente no fue fácil tomar esta decisión. Pero la misma no pudo ser más acertada. Con un timbre mas oscuro y volumen suficiente, pero manteniendo todas las facilidades de un tenor ligero, su desempeño fue brillante. Perfecta línea de canto, matizado, con poco frecuentes planísimos y una enorme entrega que culminó en el aria del último acto donde cantó conmovedóramente, con los sentimientos a flor de piel. Un gran trabajo que abre un futuro para un repertorio donde no abundan tenores con estas posibilidades. Seguramente tendrá que seguir internalizando este cambio, pero por lo brindado en la función de ayer – donde su aria final fue una clase magistral de canto e interpretación – su decisión no ha sido errada. Bravo.
El barítono Juan Font cantó sin problema alguno un rol escrito para bajo. Mostró un hermoso timbre, en voz pareja en todo el registro y no presentó ningún problema de extensión. Afinado, con buena línea verdiana, complementó su trabajo con una actuación de gran nivel dramático.
Correcto el resto del elenco y muy buen desempeño del Coro.
Quedan dos funciones más. No pierdan la oportunidad de ver un título muy poco frecuentado con tres memorables trabajos vocales y un notable logro de todo la Compañía. IMPRESCINDIBLE para los amantes de la ópera!
Felicitaciones Compañía Lírica “G: Verdi!

Dr. Alberto Leal


OTELLO

OPERA DE GIUSEPPE VERDI CON LIBRETO DE ARRIGO BOITO BASADO EN LA TRAGEDIA DE WILLIAM SHAKESPEARE

DIRECCION MUSICAL-CARLOS VIEU
DIRECCION ESCENICA- PABLO MARITANO
ESCENOGRAFIA- ENRIQUE BORDOLINI
VESTUARIO SOFIA DI NUNZIO
ILUMINACION ENRIQUE BORDOLINI
PRODUCCION DEL TEATRO MUNICIPAL DE CHILE
TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
REPARTO

OTELLO-JOSE AZOCAR/JUAN CARLOS VASALLO
DESDEMONA-PAULA ALMERARES/ HAYDEE DABUSTI
YAGO-FABIAN VELOZ/LICIO BRUNO
CASSIO-SERGIO SPINA/FRANCISCO BUGALLO
EM ILIA- MARIANA CARNOVALI
LUDOVICO-CARLOS ESQJUIVEL /EMILIANO BULACIOS
RODRIGO- MAXIMILIANO AGATIELLO/PABLO SKRT
MONTANO-MARIO DE SALVO/FELIPE CARELLI
HERALDO- FELIPE CARELLI/ORESTE CHLOPECKI

Volví muy contento del TEATRO ARGENTINO después de haber visto las dos funciones que ví, porque la presentación de este Otello representa un enorme paso adelante en el proceso de reconstrucción del Teatro luego de la grave crisis que lo afectó.
Otello es una Opera particularmente difícil de montar, por las exigencias musicales en primer lugar, ya que se le pide mucho al coro y la orquesta, que tienen que estar a la altura de un Verdi ya en plena madurez y en pleno dominio de toda su capacidad creativa, y donde la orquesta ha dejado de ser un mero acompañamiento de la acción para ser totalmente una parte integrante de ella. Una vez me dijo Carlos Vieu en una entrevista que la orquesta es un personaje esencial porque es la que da el clima en el que se mueven los demás. Y nunca tan verdadero como en este Otello. Pero hay además que cubrir toda una serie de personajes complementarios todos los cuales tienen en algún momento importancia capital, y por sobre todas las cosas hay que tener 3 protagonistas de primer nivel : soprano, barítono y muy especialmente tenor ya que es uno de los más difíciles papeles de todo el repertorio italiano, que exige un tipo de voz que quizás esté en extinción si no extinta ya, y que a lo sumo se puede aspirar a sucedáneos como ocurre con el caso de varias operas de Wagner ( TRISTAN, TANNHAUSER principalmente )donde aparece a lo sumo un tenor que está 100% a la altura de las exigencias de la parte por generación y que inmediatamente comienza a ser disputado por los grandes teatros del mundo y empieza a tener una agenda de compromisos que abarca 5 años. Domingo, que no tenía la voz de Otello pero si la inteligencia actoral y musical como para hacernoslo creer a todos, hizo una carrera por todos los teatros importantes cantando la parte. Quizás ahora será el turno de Kauffmann que lo estrena en breve en el Covent Garden.
El espectáculo, plenamente logrado en su conjunto más allá de algunas limitaciones individuales que iremos examinando después, aunó talentos locales con elementos provenientes de los países vecinos ( puesta en escena chilena hecha por argentinos, tenor chileno en uno de los repartos, barítono brasileño en el otro ), y revela que se actuó con sensatez y sentido de la limitación de los recursos financieros disponibles .
Para comenzar, el espectáculo se apoyò sobre dos firmes puntales : en primer lugar el desempeño diría que espectacular del coro y la orquesta que son un verdadero placer aparte y cada día suenan mejor, mérito claro está de sus integrantes y del proceso de selección que los ha reunido, y de sus respectivos directores CARLOS VIEU Y HERNAN SANCHEZ ARTEAGA que reiteraron sus excelentes condiciones y el gran trabajo que están realizando en sus respectivas funciones. Vieu es por otra parte el mejor director de ópera que tenemos en las redondezas, con una perfecta noción de cual es su responsabilidad al frente del espectáculo y cual su función para llevarlo a buen término sacando de cada uno de los cantantes que participan lo mejor que ellos pueden dar.
El otro puntal es la descomunal planta escenográfica concebida por Bordolini, una estructura arquitectónica que representa las paredes exteriores de un gran palacio circular, y que en las diversas escenas se cierra o se abre sobre sí mismo dando lugar a los diversos ambientes donde se desarrolla la acción, sin que el cambio de los decorados haga necesarias largas pausas entre acto y acto ( la obra se presentó con un único intervalo entre los actos 2 y 3 )- Me pareció magnífica la escena inicial con el vívido y bien visible temporal y la solución hallada para la entrada de Otello.
Maritano es uno de los registas más inteligentes de Argentina con un perfecto conocimiento de los diversos elementos de la representación. Sólo que cuando uno concurre a ver un espectáculo dirigido con él no sabe si se encontrará con Maritano el genio como puede haber sido en este caso, con algunas objeciones , o con el enfant terrible que le lleva a crear líneas de acción que se apartan sustancialmente de la historia servida, como ocurrió en su reciente ANNA BOLENA..
En general hizo un muy buen trabajo de marcación de los personajes, haciendo que cada uno de los intérprertes desarrollara al máximo sus cualidades interpretativas. Algunas soluciones no me convencieron , sin embargo, o me parecieron exageradas. No me gustó la idea del teatrillo que ocupa el centro de la escena cuando se canta FUOCO DI GIOIA
Tampoco me gustó por innecesario, grosero y obvio el gesto del tercer acto en que Otello intenta colocar insultantemente la mano en los genitales de Desdemona introduciéndola debajo de las polleras, mientras la acusa de ser una cortesana y recibe una desequilibrante cachetada de ella.
Y por último no me parecieron bien resueltos algunos detalles de la escena final. El principal , que Otello muera exclamando repetidamente un baccio pero ni intente acercarse al cadáver de Desdemona para besarlo. Y tampoco me pareció adecuado ni el colmo del buen gusto que se degollara y brotara la sangre de su cuello. Y por último creo que exageró la medida en la marcación de movimientos de Desdemona que a cada rato está agachándose y levantándose, o moviéndose de rodillas en la cama arrastrando el largo camisón, cosas ambas que no parecieron muy respetuosas de las sopranos ocupadas en cantar una de las partes mas demandantes de la Opera, y teniendo que enfrentar las dificultades que la vida nos va dando después de los 20 años para hacer sin ayuda ciertos movim ientos. Esto forzó por ejemplo a que en la escena final previo a ahorcarla con el crucifijo Otello le tienda amablemente la mano a Desdemona un par de veces para ayudarla a alzarse desde su posición de arrodillada, algo que funciona a contrapelo de toda la situación dramática. ( y esto ocurrió con las dos sopranos y los dos tenores )
Todos los cantantes de los papeles complementarios cumplieron cabalmente con sus partes, especialmente los dos Cassios, personaje que es casi coprotagonico y que estuvo bien servido por SERGIO SPINA Y FRANCISCO BUGALLO. Emilia fue una agradable, intensa MARIANA CARNOVALI en los dos repartos y del resto del elenco, que estuvo perfectamente correcto en todos los casos, destaco la presencia de EMILIANO BULACIOS un rotundo LUDOVICO en el segundo elenco y la elegancia y buena voz de FELIPE CARELLI como Montano, un digno colega de reparto del màs experimentado MARIO DE SALVO que lo cantaba en el otro reparto..
FABIAN VELOZ es un Yago con total potencia vocal, absolutamente seguro desde el grave al agudo y con bellísimo inteligente uso de la mezza voce .Ha hecho además notables progresos como actor resultando totalmente convincente en la difícil parte. No tengo la menor duda de que con la profundización en la parte, buceando en las diversas capas de malignidad, esta encarnación que hoy ya es sobresaliente llegará a ser excepcional. Y no tengo duda de que tendrá oportunidades de repetirlo una y otra vez porque apenas se corra la noticia de que hay un barítono que canta el Yago con esta solvencia, comenzará a ser llamado por diversos teatros para hacerlo . No de balde el METROPOLITAN OPERA HOUSE de NY lo acaba de contratar para cover este año de la parte, y si bien no le deseo mal a nadie, rezo para que tenga su oportunidad de salir a escena y ser oído por el público que es lo que le falta para sentar raíces definitivamente en ese exigente medio. Por lo pronto, lo oyen en los ensayos los colegas, los directores , los registas y de allí van surgiendo comentarios y recomendaciones. Veloz está claramente en camino hacia la carrera internacional que se merece.
LICIO BRUNO el otro Yago, no tiene una voz de similar potencia, pero sí de toda la extensión requerida y es además un espectacular actor, que logró un impactante retrato del personaje.
El Teatro Argentino puso a cargo del papel de DESDEMONA a dos sopranos con mucho prestigio en la casa. PAULA ALMERARES es casi la soprano residente por ser de LA PLATA, por el cariño que el público le tiene y hasta cuenta con una hinchada que hoy mal controlada llegó a molestar a la propia cantante interrumpiendo 3 o 4 veces para aplaudir en la mitad de varias frases del SALVE. Ha tenido además una prestigiosa carrera internacional en los países vecinos pero también en EEUU y Europa, en el registro de soprano lirico –ligera. Es imposible mencionar a Paula y no recordar sus dos estupendas interpretaciones de JULIETTE ( LA PLATA ) y MANON ( T.COLON ) así como una bellísima Liu en el LUNA PARK. ( no tuve la suerte de ver su muy elogiada TRAVIATA )- Evidentemente está intentando cambiar de registro y pasar a papeles de más peso vocal, haciéndolo correctamente con esta DESDEMONA que es uno de los papeles más líricos que haya escrito Verdi que suele demandar voces más pesadas en sus óperas. Paula volvió a seducir con la belleza de su timbre y su delicada musicalidad, pero tropezó con algunas dificultades propias de quien se inicia en este tipo de repertorio : faltó algo de fiatto en el primer acto, debiendo respirar en 2 o 3 oportunidades en la mitad de la frase, algunos agudos sonaron como el triunfo de la voluntad sobre la naturaleza, fue cubierta por la orquesta en el finale del acto 3 y llegó de una manera inusual al pianísimo final del AVE MARIA que sonó bonito pero breve. Dramáticamente fue convincente , dando muy bien la fragilidad del personaje, y sobrellevó con gallardía la prueba de vestir la enorme peluca del 3er.acto mayor que su cabeza, que le dio un aspecto no tan juvenil.
HAYDEE DABUSTI desde que emergió del retiro en que se había auto encerrado, frecuentó un repertorio que incluyó algunos de los más demandantes papeles de las óperas italianas NORMA GIOCONDA NABUCCO ATTILA CAVALLERIA TOSCA DON CARLO ANDREA CHENIER AIDA IL TROVATORE. Que a esta altura de su carrera y habiendo cantado esas partes tan pesadas sea capaz de encontrar en su voz un timbre leve, claro como corresponde al personaje y logre cantar todos los pianísimos que la parte pide es casi un milagro.
Me pareció algo nerviosa en la primer escena , mucho más pendiente del maestro que lo que es habitual en ella ( hay que tener en cuenta que era debut en el rol ) y como probando la voz antes de emitir las notas más expuestas. Pero a partir del segundo dúo con Otello fue recuperando su seguridad clásica y logró un gran momento en el concertante final del acto 3 ( que casualmente hoy fue puesto a disposición del público en you tube ) donde superó con generosidad la barrera del coro y la orquesta. Y tuvo una elogiable escena final más allá de que el agudo final del aria , correcto, no fue de los mejores que le he oído.
Escénicamente, muy perjudicada por las pelucas que la hicieron una dama importante y plena de autoridad más que la consorte del hombre fuerte que consigue todo de él por la vía de la seducción, pareció rejuvenecer 15 años cuando en la escena final apareció con el pelo suelto al natural.
Ambas sopranos debieron presentarle quizás queja al estilista con la frase famosa de la Mariscala en DER ROSENKAVALIER.
Pero al margen de pequeños detalles que también son variables de una función a otra , creo que la mayor limitación de su Desdemona fue la de parecer una mujer demasiado fuerte, demasiado en control de la situación y no una joven inocente víctima de las circunstancias.
JOSE AZOCAR es un actor razonable pero que no decepciona. Cantó con total seguridad la difícil parte para la cual tiene el timbre adecuado y las notas. Fue yo diría un Otello eficiente pero no memorable.
JUANC ARLOS VASALLO sigue dando muestras de la importancia de sus medios . Aquí exhibiendo una cuidadosa preparación que lo llevó a administrar con cautela la voz en lugar de dilapidarla en las primeras estrofas como alguien con su fuerza vocal se sentiría tentado de hacer. Cantó con corrección una parte en la que todavía no puede descollar, y la actuó con convicción si bien estuvo lejos de ser la figura dominante que debe ser en la Opera. Diría que contrariamente a lo que muchos esperaban aprobó el examen y demostró que puede encarar la parte sin pasar ningún papelón aunque esté lejos todavía de dominarla totalmente.


WERTHER POR BUENOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

WERTHER
OPERA DE JULES MASSENET SOBRE LIBRETTO DE EDOUARD BLIEU, PAUL MILLET Y GEORGES HARTMANN
BASADO EN LAS CUITAS DEL JOVEN WERTHER DE GOETHE

DIRECCION MUSICAL  PEDRO PABLO PRUDENCIO
PUESTA EN ESCENA CRYSTAL MANICH
ESCENOGRAFIA NOELIA GONZALEZ SVOBODA
VESTUARIO LUCIA MARMOREK
ILUMINACION RUBEN CONDE

BUENOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.
REPARTO
WERTHER- GUSTAVO LOPEZ MANZITTI
CHARLOTTE - FLORENCIA MACHADO
ALBERT - NORBERTO MARCOS
BAILLY – CHRISTIAN DE MARCO
SOPHIE- LAURA SANGIORGIO
SCHMIDT - SERGIO VITTADINI
JOAHNN- SEBASTIAN ANGULEGUI

LA OBRA

Quienes vivimos en Buenos Aires ( incluyendo los que lo hacemos part - time como yo ) tenemos el privilegio de poder en un mismo fin de semana ver dos de las obras cumbre del repertorio que representan a su vez títulos capitales en las carreras de sus respectivos autores .OTELLO DE VERDI EN LA PLATA, WERTHER DE MASSENET EN EL AVENIDA. Un lujo del que pocas ciudades en el mundo pueden presumir.

Massenet escribió a lo largo de sus 70 años de vida algo más de 35 óperas, de las cuales han sobrevivido como parte integrante del repertorio solamente dos. WERTHER y  MANON aunque hace unos años hubieron  reposiciones de varias de sus operas menos transitadas (CENDRILLON,DON QUIJOTE, LE JONGLEUR DE NOTRE DAME, ESCLARMONDE, HERODIADE, LE ROI DE LAHORE, LA NAVARRAISE,LE CID, AMADIS,SAPHO, THAIS  ) que han disipado la imagen de compositor de una o dos óperas que compartía con ROSSINI  del cual sólo se representaba EL BARBERO DE SEVILLA, Donizetti del cual se conocían sólo LUCIA Y DON PASQUALE y Bellini que pese a su corta vida fue más que el compositor de NORMA y LA SONAMBULA.
Decir que Werther es una obra maestra, de una belleza absoluta, es caer en lo obvio. La refinada musicalidad de MASSENET, su inagotable capacidad de crear melodías de extraordinaria belleza, su intensidad dramática, se encontraron con un bellísimo libretto y produjeron uno de esos momentos de rara felicidad en que todo se aúna para lograr un tesoro dramático-musical que muestra a que alturas puede remontarse el género cuando se dan las condiciones ideales.
UNA DESCRIPCION DE LA OBRA
(Esta parte de la nota está concebida para quienes no hayan visto la ópera  recientemente o no la conozcan al detalle, por lo que quienes no estén en ninguna de las dos situaciones, pueden pasar al próximo sub- título)

La obra se inicia con la descripción bucólica de la casa de Charlotte y el paisaje que la rodea, de la vida plena de amor que llevan ella, su padre viudo, su joven hermana y los pequeños hermanos a quienes ella cuida amorosamente como la “ grande soeur “ que es, y con la llegada de Werther a ese universo, en la que este da rienda suelta a su sensibilidad poética y está dispuesto a enamorarse antes mismo de haber visto a quien será el centro de sus amores.
El hermoso preludio orquestal y el aria inicial de Werther ( OH NATURE PLEINE DE GRACE ) crean el clima, que hace creíble lo que después sucede y que envuelve al público en esa misma exacerbada sensibilidad del protagonista.
Luego en rápida sucesión Werther y Charlotte se conocen, él es fulminado por el amor instantáneo y ella se siente atraída  casi sin  percibirlo, pasean juntos en la noche por el parque y regresan a la mansión definitivamente enamorados el uno del otro. Ella le cuenta la reciente trágica pérdida de su madre y él no vacila en  calificarla de la mejor y más hermosa de las criaturas poniendo como testigos si es preciso a esos niños que ella llama MES ENFANTS
Y de pronto el mazazo: ALBERT EST DE RETOUR  (Albert ha retornado). Albert ¿? El hombre con quien  mi madre en su lecho de muerte me ha hecho jurar que me casaré. Dios sabe que junto a Ud. lo había casi olvidado. A VOTRE SERMENT RESTEZ FIDELE. MOI JE MOURRAIS CHARLOTTE (A VUESTRO JURAMENTO PERMANECED FIEL, YO MORIRÉ Charlotte ), y el desolado final de acto UN AUTRE SON EPOUX!!  (OTRO SU ESPOSO ¡! ) Que es a la vez la apertura del acto siguiente. Werther ha estado sufriendo junto a la felicidad de Albert casado con  Charlotte y mal consigue disimular su dolor que  ya ha despertado sospechas en el otro, que el disipa mintiendo. Y una Charlotte inflexiblemente determinada a serle fiel a su marido, que cuando él pierde el control y le reprocha su falta de reciprocidad para con  su amor, le ordena simplemente que se aleje, pero no para siempre  VOUS REVIENDRAIS. TENEZ ¡! A LA NOEL. (Ud. volverá, por ejemplo en la Navidad)
Pero él comienza allí mismo su camino hacia la muerte, reflexionando sobre qué es morir y pidiéndole al padre celestial que no conoce que simplemente lo llame para ir junto  a él y le permita alejarse de su dolor.
En el tercer acto se acerca la Navidad y Charlotte está llena de presagios, especialmente derivados de las cartas de Werther y  de una en particular donde le dice con todas las letras MAIS SI JE NE DOIS REPARAITRE AU JOUR FIXE DEVANT TOI. NE M/ACCUSE PAS, PLEURE MOI  (pero si no llego a reaparecer delante de ti en el día acordado, no me acuses, llórame)
Pero Werther en definitiva reaparece, más enamorado y más desesperado por la larga ausencia y luego de revivir el pasado cuando leían juntos los versos de OSEAN (la bellísima aria POURQUOIS ME REVEILLER ¿? Por qué despertarme ¿?) El momento más popular y más festejado de la obra intenta llevar su amor al plano de los hechos, es rechazado y recibe lo que para él es la sentencia final de muerte ADIEU POUR LA DERNIERE FOIS. (Adiós por última vez)

Albert que regresa a su casa luego de esa escena, siente en el ambiente que algo anormal ha ocurrido en su casa. Y cuando un criado de Werther llega con una esquela suya pidiéndole prestadas sus pistolas no solo no vacila en prestárselas sino que le impone a Charlotte que sea ella misma quien las entregue. Ella , desesperada por la premonición de lo que está por ocurrir aprovecha la salida de Albert para correr a la casa de Werther a intentar evitar lo inevitable ( DIEU TU NE VOUDRAS PAS QUE J ARRIVE TROP TARD- Dios tu no querrás que yo llegue demasiado tarde ) )Y luego de un interludio donde se retratan la urgencia y la desesperación la vemos llegar a casa de Werther que ya se ha disparado el tiro mortal, le pide perdón por lo que acaba de hacer y ella le responde con una frase de tal belleza y dramatismo que si yo hubiera nacido mezzo hubiera matado por poder cantarla alguna vez : TE PARDONNER QUAND C/EST MOI QUI TE FRAPPE ( perdonarte, cuando soy quien te hiere ). Ella le da finalmente el beso que el anheló toda la vida recibir de ella, y él muere feliz en sus brazos.
LA VERSION
Me he extendido en la descripción de la obra, cosa que nunca hago, no por aburrir o por asumir que quien lee nunca la  ha visto, sino porque Werther es ante todo una obra de climas y es imposible hablar o leer sobre ella y su versión si no se entra en el clima apropiado.
Bella versión la que ofreció BUENOS AIRES LIRICA  que en cada producción se reafirma más en la línea de un creciente profesionalismo y seriedad.
En primer lugar hay que celebrar el notable trabajo de dirección orquestal de  PEDRO PABLO PRUDENCIO, que ratifica la muy positiva impresión que dejó en  el recital Wagner de tiempo atrás. Aquí no sólo supo conducir a la orquesta por el hermoso camino poético que Massenet trazó para ella, sino que supo además darle el crescendo dramático y mantener el equilibro del foso con el escenario, que es absolutamente vital en cualquier ópera pero que aquí lo es en mayor grado. Hubo sólo una escena en la que a mi juicio no rayó a la misma altura, pero para ello  hay que hablar del tema al unísono con la puesta y por lo tanto lo dejo para su debido momento.
Muy feliz la intervención del  coro y del coro de niños bien conducidos por JUAN CASABELLAS  y ROSANA BRAVO.LAURA SANGIORGIO fue una deliciosa Sophie
 Schmidt y Johann son dos personajes traicioneros por lo breves pero por tener a su cargo un par de líneas de canto donde hay que mantener una perfecta coordinación, muy bien servidos por  SERGIO VITTADINI  y SEBASTIAN ANGULEGUI ( con un bello timbre grave que está pidiendo a gritos responsabilidades mayores ) pese a una marcación actoral a mi juicio demasiado cargada que prácticamente los convirtió en dos militantes del ateísmo, que no es precisamente el caso. CHRISTIAN DE MARCO  exhibió una voz más importante que lo que habitualmente se destina al Bailly y resolvió adecuadamente la parte actoral si bien lo caracterizaron de una manera que más parecía un cuaquero que un Burgomaestre alemán.  Correcto NORBERTO MARCOS  como Albert, quizás en algunos momentos algo brusco de más.
Pero interpretativa y vocalmente WERTHER  se salva o se hunde por la calidad de la mezzo y sobre todo  el tenor que tienen  a su cargo la pareja protagónica, y en este rubro hubo mucho a festejar.
FLORENCIA MACHADO, bellísima, juvenil, con una voz acorde también con la juventud del papel. Un bellísimo timbre y absoluto dominio de la partitura desde el agudo al grave (hubo algunos graves sin embargo que fueron cubiertos por la orquesta y apenas intuidos desde la cercanía en que yo me encontraba por lo que quizás no se los haya oído desde más lejos), le dio a su Charlotte toda la delicadeza, la autoridad, la determinación y el dolor final que el personaje pide, en una interpretación valiosa y digna de aplauso. Me pareció distinguir un cansancio vocal pasajero en las últimas frases del tercer acto donde pareció luchar con el volumen de la orquesta, pero reapareció en absoluto comando de la parte en la escena final.
Uno podría fácilmente decir que GUSTAVO LOPEZ MANZITTI es un especialista en la parte, que recientemente ha cantado en el TEATRO COLON, de no tratarse de uno de los cantantes más versátiles de nuestro ambiente lírico, donde se lo ha visto hacer papeles de géneros y tesituras diversas siempre con un nivel que nunca está por debajo de la absoluta corrección y en muchos casos alcanza las alturas de lo muy bueno o lo excelente ( cito al pasar los papeles principales  de su parte en CARMEN,LUISA FERNANDA,ANDREA CHENIER,IL TROVATORE, IDOMENEO, SIMON BOCCANEGRA  y me dejo algunos otros en el tintero. ) Pero lo cierto es que aún en su dilatada y exitosa carrera nunca nos había entregado una interpretación tan sentida, tan interior y tan rica en matices visuales destacándose el uso de las expresiones faciales, a la altura de lo que haría un actor cinematográfico que enfrenta un close up ,como la de esta noche. Dueño absoluto de la partitura, cantó brillantemente el papel que es agotador  vocalmente porque canta todo el tiempo y constantemente está poniendo a prueba el extremo agudo o la posibilidad de producir tenues pianísimos, y agotador emocionalmente, porque es un personaje que sufre una larga agonía, un largo tránsito hacia la muerte desde la escena final del primer acto en adelante. Y es notorio que LOPEZ MANZITTI dio a cada instante toda su concentración y toda su capacidad emotiva, que no es poca.
Se le notó sin embargo  algo azorado en sus movimientos corporales quizás dificultado por el vestuario que incluía en todas las escenas menos la última un abrigo largo desabotonado que obstaculizaba los movimientos y además subrayaba su altura. No me gustó para nada además la peluca que le asignaron, muy próxima a la caricatura e innecesaria en quien pese a no ser un adolescente como el personaje mantiene un aspecto juvenil como para hacerlo creíble a cara limpia, como lo logró en el Colón.
CRYSTAL MANICH  es una joven pero muy experimentada regista norteamericana que ya había colaborado con BAL en una elogiada puesta de ADRIANA LECOUVREUR. Aquí pudo elogiarse nuevamente su talento en la marcación actoral obteniendo de todo el elenco interpretaciones detalladas de sus personajes. Tengo sin embargo discordancias con algunas de sus concepciones. En general buscó siempre  tener gente en escena con la cual interactúen los cantantes en las escenas de los solos, especialmente Werther. Así sus reflexiones con el Creador quedaron reducidas a una confidencia  con el mozo del bar, reduciendo el impacto de la escena. O en el inicio de la Opera hacer que Werther vea a Charlotte y se enamore antes de tiempo destruyendo en parte el efecto musical de Massenet sobre el cual me he extendido al hablar de la obra. O el final del tercer acto donde es una buena idea que Charlotte sea detenida por alguien antes de salir corriendo detrás de Werther pero Manich exageró la nota trayendo prácticamente a medio mundo a escena, y desnaturalizando así la música del preludio al cuarto acto, que muchos convierten en interludio, que aquí sonó descolgada de lo que se veía en escena. Me resultó en cambio un gran efecto teatral que no hubiera ruido de disparo sino que Charlotte sintiera en su pecho el dolor de la herida que Werther acaba de auto infligirse. En suma a mi juicio una versión escénica valiosa pero con algo de “exceso creativo”, muy común en los registas.
Bella la escenografía, muy particularmente la del 3er. Acto. Y buenos efectos lumínicos.
La verdad es que todos esperamos que sean verdaderos los pre anuncios de LOPERFIDO y el Colón nos sorprenda con una gran temporada e intérpretes de primera línea, porque las Compañías privadas han comenzado a pisarle los talones.

LUIS G BAIETTI


Crédito;iliana Morsia.

RASHOMON

OPERA EN UN ACTO DE LEON BIRIOTTI SEGÚN LIBRETTO DE SANDRA MASSERA
DIRECCION MUSICAL –FERNANDO CONDON
DIRECCION ESCENICA, ESCENOGRAFIA – SANDRA MASSERA
ILUMINACION ALVARO DOMINGUEZ
AUDITORIO NACIONAL DEL SODRE DRA. ADELA RETA

No soy de los que tiran la piedra y esconden la mano. A mí me había causado indignación que en una temporada de Opera de solamente dos títulos, el Sodre incluyera una Opera ajena al repertorio clásico, con lo que ello a priori sugería de noche insoportable de música disonante y agobiante rebuscamiento intelectual y decidí abstenerme y no concurrir..
Soy por naturaleza (o quizás por edad) avieso al arte contemporáneo. No le encuentro sentido a los cuadros que me recuerdan los dibujitos de mis pequeños sobrinos cuando pescan un par de acuarelas y pintan. No le encuentro sentido a las esculturas modernas, comenzando por una que “ornamenta “ el hall del Auditorio, que más me parece un exhibición de chatarra que una escultura. Ni las obras de teatro modernas en las que uno sale del Teatro sin saber qué fue lo que vio y pasa vergüenza si alguien le pregunta de qué se trata. Y por cierto las óperas modernas en las cuales uno es incapaz de recordar y menos aún repetir un fragmento musical de lo que oyó.
Debido a ello había decidido ahorrarme el disgusto y el aburrimiento y simplemente no concurrir. Sucede que inesperadamente recibí una invitación del SODRE para ir la noche del estreno y me pareció una descortesía no reciprocarla con mi asistencia, máxime cuando ello no ocurre con tanta frecuencia.
Lo sucedido es una demostración de que no se deben tener prejuicios. Mea culpa mea culpa mea culpa. La obra es interesantísima, tiene una innegable fuerza dramática y hasta en algunos momentos un cierto vuelo lírico.
En general el acompañamiento musical, a cargo de un conjunto de cámara enriquecido por 5 instrumentistas adicionales, hace fuerte uso de los instrumentos de percusión y crea un clima entre pesadillas y poético, que le da marco al desarrollo de la acción. Las partes de los solistas oscilan entre parlamentos hablados, parlamentos semi cantados y bellos fragmentos plenamente cantados que dan oportunidad de lucimiento a las voces.
La versión estuvo muy bien escenificada con un escenario mínimo pero sugerente y enriquecido por una creativa iluminación.
El elenco de cantantes fue de un excelente y parejo nivel, con destaque para las voces de ANDRES BARBERY que nuevamente lució la belleza de su timbre, pero exhibió además un volumen vocal superior al que se le ha oído hasta el momento , y logro una excelente composición del leñador, FEDERICO SANGUINETTI un apropiadamente tosco bandido servido con toda la fuerza de que es capaz este, uno de nuestros principales barítonos, GERARDO MARANDINO en el difícil papel del marido, con algunos pasajes de particular exigencia . Pero quien dio un show de fuerza expresiva, belleza y potencia vocal fue EIKO SENDA en una actuación consagratoria justamente premiada con la mayor ovación de la noche.
Bienvenidos sean los estrenos, si son de este nivel de calidad.
En tren ya de ser perverso y criticón yo me quejaría del tema elegido, fascinante es verdad desde que KUROSAWA lo llevara al cine en su obra maestra que causó conmoción e imitaciones en todo el mundo, pero que resulta un poco estrambótico para una ópera uruguaya. Cual es el sentido de tener una ópera nacional si refleja los problemas del Japón medioeval o los de la Italia fascista como en el estreno del año pasado en el Solís. Es que no hay temas y problemática autóctonas que exciten la imaginación de nuestros creadores, que por lo visto existen y son muy talentosos ¿??
Quiero ver, en suma, más estrenos pero con temas que tengan que ver con el Uruguay o con América Latina, y en el marco de una temporada de Opera de o 5 títulos, que permita que revisitemos los clásicos del género que son por otra parte los que el público admira y desea oír una y otra vez.
Y esto quizás se haga posible si pensamos en títulos que no requieran contratar costosos montajes en el exterior y hacer un uso más intensivo de los cantantes locales que una y otra vez dan muestras de sus condiciones.
El SODRE en su mejor época hacía un buen número de títulos y hasta una temporada de verano, se valía de los cantantes locales salvo para algún papel particularmente difícil y presentaba puestas en escena autóctonas aprovechando la existencia en Montevideo de un rico movimiento teatral con grandes directores teatrales, que aún disminuido, aún existe.

Luis Baietti

CAVALLERIA RUSTICANA - I PAGLIACCI 
ELENCO ALTERNATIVO

CAVALLERIA RUSTICANA 
OPERA DE PIETRO MASCAGNI 
LIBRO DE GIOVANNI TARGIONI-TOZZETTI  Y GUIDO MENASCI 
INSPIRADO EN EL RELATO HOMONIMO DE GIOVANNI VERGA 

I PAGLIACCI 
OPERA DE RUGGERO LEONCAVALLO SOBRE LIBRETTO PROPIO 

DIRECCION MUSICAL- ROBERTO PATERNOSTRO 
DIRECCION ESCENICA, DECORADOS E ILUMINACION DE JOSE CURA 
REPARTO DE CAVALLERIA 
TURIDDU-FERNANDO CHALABE 
SANTUZZA-GUADALUPE BARRIENTOS 
ALFIO-EMILIANO BULACIOS 
MAMMA LUCIA LAURA DOMINGUEZ 
LOLA- MARIA LUISA MERINO RONDA 
REPARTO DE I PAGLIACCI 
CANIO-JOSE CURA 
NEDDA-DANIELA TABERNIG 
SILVIO-ERNESTO BAUER 
BEPPE-SERGIO SPINA 
PAISANOS-REINALDO SAMANIEGO Y GABRIEL VACAS 
CORO, ORQUESTA Y CORO DE NIÑOS DEL TEATRO COLON 

Contrariamente a lo habitual, el elenco alternativo mantuvo a 4 de los 5 intérpretes principales de la versión y no se entiende muy bien por qué.
Es comprensible la vacilación en escoger un CANIO alternativo ya que el papel requiere un tipo de tenor difícil de encontrar, pero había varias alternativas a mano. Claro que quizás fuera parte del paquete que se negoció con Cura una figura internacional que por lo visto no viene hasta el Sur si no suma las funciones de iluminador, decorador y regista y si no canta en todas las funciones, cosa que ya ocurrió en su reciente Otello. Esto ocurría hasta en las épocas en que el Colón era un Teatro importante en el mundo. No se podía traer a Sutherland sin que su marido fuera parte del trato. Y no se podía traer a la COSSOTTO si no venía IVO VINCO con ella.
En cuanto a FABIAN VELOZ, pueda que no hubiera un reemplazo a su altura pero sí varios barítonos muy buenos que podían al menos haber cantado una función.
Y en el caso de Santuzza se podía pensar en varias mezzos y sopranos, algunas de las cuales estaban en el coro o haciendo papeles de menor importancia.
Señora responsabilidad la de FERNANDO CHALABE, el único de los intérpretes protagónicos a ser escalado como intérprete alternativo, y luego de un excelente desempeño del titular ENRIQUE FOLGER.
Voy a hablar in extenso de CHALABE en el final de la nota, pero me adelanto a decir que logró una sólida versión, que seguramente se hubiera asentado más pasados los nervios del estreno si hubiera más extraordinarias. El lleno de la sala reitera la existencia de un público ansioso de ver las Operas del gran repertorio y el Colón debe revisar urgentemente su política de hacer pocas extraordinarias ya que tiene demanda como para más funciones, lo cual ciertamente iría en beneficio de los cantantes nacionales que compondrían los elencos, ya que les permitiría frecuentar los papeles, incorporarlos a su piel, madurarlos, cosa que ahora con un par de ensayos y una única función es demasiado pedirles. Eso si, ya que las extraordinarias tienen un costo menor porque por cierto los cantantes locales no son tratados como los traídos de afuera a la hora de remunerarlos, el Teatro debería tener (como siempre tuvo) una política diferente para los precios de las extraordinarias, que son descolgados de la realidad del país.
De la puesta ya hablé en detalle cuando comenté el elenco del estreno, de modo que no volveré sobre el tema. Agrego sí porque no lo dije, que la escenografía es linda de ver y la iluminación la complementa con gran sentido plástico si bien tengo mis dudas de que refleje el fuso horario del lugar donde ocurre el drama.
Y como algunas personas me han escrito al respecto, aclaro que Alfio no entra con la moto en el escenario, pero es evidente que tal es el vehículo que ha piloteado porque llega con casco y lentes de motoquero, y además se hace oír la bocina del vehículo perturbando la música orquestal que acompaña su entrada, y se falsean los supra títulos sustituyendo MANISCALCO por MECANICO..
Impactante EMILIANO BULACIOS como Alfio con una voz realmente importante especialmente en la zona aguda, y una excelente interpretación. Fue un Alfio de lujo.
Bellísima visual y auditivamente MARIA LUISA MERINO RONDA como LOLA.
Muy en papel y más seguro en el registro agudo ERNESTO BAUER como SILVIO.
Un éxito rotundo de DANIELA TABERNIG como Nedda. Con un bello centro de voz que se proyecta hacia el agudo de una manera muy agradable al oído y segura, sorteó las dificultades que le plantea el registro grave (es una soprano lirico ligera en trance de evolución hacia lirica- lirica) con graves menos sonoros. Actoralmente estuvo magnífica redondeando una gran interpretación. Fue una de las intérpretes más ovacionadas en la noche, junto con VELOZ, BARRIENTOS, BULACIOS Y naturalmente CURA que se llevó el más rotundo aplauso de la noche. En general el público, más demostrativo que el de la función de abono, expresó su aprobación hacia todos los integrantes del elenco, incluyendo los dos bailarines de tango y el bandoneonista, todos ellos muy aplaudidos.
Hubo mejoran en el canto de Barrientos que hoy pareció más segura y más predispuesta a tomar riesgos. He podido confirmar que realmente estaba enferma y hoy todavía no estaba 100% recuperada, al punto que en la función de abono se canceló la MAMMA LUCIA de ANNABELLA CARNEVALI que era la cover para que pudiera asumir el papel de Santuzza si Barrientos no podía por la faringitis completar la función. Con respecto a Cura , un cantante en la etapa de la carrera que él se encuentra tiende a presentar variaciones significativas de calidad de una función para otra. Yo diría que hoy estaba en uno de sus mejores días y su cantó fluyo con gran impacto, llegando en algún momento al exhibición ismo vocal interpolando un calderón que pareció interminable .Lamento no haber podido ver la cara de Paternostro, que me dijeron es muy inflexible con los tempi lo cual provoca a veces algunos desajustes porque él no se detiene para esperar a nadie (salvo a Cura, naturalmente, que para algo es el Jefe)
FERNANDO CHALABE es un caso muy especial y prometo a la brevedad si él lo consiente hacerle un reportaje en profundidad para que nos cuente como ha sido hasta ahora su vida profesional, sus planes de futuro y poder conocerlo mejor. Me cuesta mucho hablar de él porque a raíz de un contacto epistolar que hemos tenido en estos últimos 2 meses buscando aclarar un malentendido con una frase mía hemos desarrollado un conocimiento personal, que de mi lado va acompañado de respeto y afecto lo cual hace que deba controlarme a la hora de elogiar pero también a la hora de criticar por temor a en el deseo de mantener imparcialidad ser más exigente con él que con los demás. Pero creo que puedo hacerlo.
CHALABE tiene un gravísimo problema que es la excepcional calidad de su voz, que tiene un raro registro de spinto que bien puede evolucionar hacia el dramático, con una bella coloración baritonal tanto en los graves como en los agudos, y un volumen respetable de voz. Eso hace que cuando uno oye la primer frase que canta (en este caso una bellísima impecable SICILIANA) uno se prepare para oír una versión de calidad internacional. Lo que sigue es normalmente una versión de calidad variable de una frase a otra, que nunca baja de lo correcto, pero que no logra mantener consistentemente el muy buen nivel que alcanza en algunos momentos. Es evidente que ha venido puliendo sus recursos últimamente, quizás con la mayor frecuentación del escenario del Colón donde ha sido protagonista de LUIGI en IL TABARFRO, un excepcional TRABUCCO en LA FORZA DEL DESTINO y cover sin función ( lo cual es importantísimo porque le permite preparar papeles, pulirlos con maestros y registas de nivel ) en papeles tan difíciles como Adorno en SIMON BOCCANEGRA, PAGLIACCI ( que sus colegas me dicen que cantó muy bien en el ensayo ya que Cura quería no participar como cantante para ver desde fuera sus marcaciones como director ) , y hasta OTELLO . Y ya se notan algunos efectos de esta frecuentación, con la inclusión de algunos pianísimos, la seguridad en los agudos, y la mejoría en la afinación que es menos dudosa que antaño. Por lo poco que he visto y por las referencias de sus compañeros CHALABE es una persona muy nerviosa, al estilo de CORELLI y ARAGALL , que sufre más que disfruta en los estrenos. Y eso a veces le genera problemas, como la culminación del brindis y del aria en la función de esta noche, donde se lo vio inseguro.
De ahí lo importante que sería que hubiera más funciones para los cantantes locales, que son los que más gana con la frecuentación. Redondeando entonces una sólida interpretación a la altura del Teatro donde fue ofrecida, con varios momentos donde superó este nivel, que habla a las claras de cuanto podría mejorar con una frecuentación que por ahora el Teatro no concede a ninguno de los cantantes locales.

Cavalleria Rusticana - I Pagliacci

OPERA DE PIETRO MASCAGNI
LIBRO DE GIOVANNI TARGIONI-TOZZETTI Y GUIDO MENASCI
INSPIRADO EN EL RELATO HOMONIMO DE GIOVANNI VERGA
I PAGLIACCI
OPERA DE RUGGERO LEONCAVALLO SOBRE LIBRETTO PROPIO

DIRECCION MUSICAL- ROBERTO PATERNOSTRO
DIRECCION ESCENICA, DECORADOS E ILUMINACION DE JOSE CURA
REPARTO DE CAVALLERIA
TURIDDU-ENRIQUE FOLGER
SANTUZZA-GUADALUPE BARRIENTOS
ALFIO-LEONARDO ESTEVEZ
MAMMA LUCIA LAURA DOMINGUEZ
LOLA- MARIANA REWERSKI
REPARTO DE I PAGLIACCI
CANIO-JOSE CURA
NEDDA-MONICA FERRACANI
SILVIO-GUSTAVO AHUALLI
BEPPE-SERGIO SPINA
PAISANOS-REINALDO SAMANIEGO Y GABRIEL VACAS
CORO, ORQUESTA Y CORO DE NIÑOS DEL TEATRO COLON

LA PUESTA EN ESCENA

Signo de los tiempos que corren, la gran polémica sobre esta versión se ha centrado sobre la puesta en escena y no sobre el lado musical que uno diría que es más central en una obra de arte lírico, pero que cada día es menos así.
Los directores de escena se las han ingeniado para atraer los reflectores sobre ellos, desplazando a los directores musicales que hasta hace no tanto eran los responsables últimos de una versión.
Ahora hasta se dan el lujo de elegir repartos privilegiando cantantes que son más adecuados a su concepción aunque no sean los que el Maestro a cargo de la ejecución de la partitura hubiera seleccionado.
El método más usual de atraer la atención sobre sí mismos ha sido el de provocar escándalo sea con escenas chocantes sea con una contradicción frontal entre lo que se oye y lo que se ve, que provoque la cólera de quienes aman a la Opera que está siendo montada..
La puesta de Cura no sufre en realidad ni de lo uno ni de lo otro, pese a la polémica que ha despertado. Cierto, él introduce dos modificaciones esenciales: 1-traslada el lugar y la época para la Boca, cuando poblada por una afluencia masiva de inmigrantes era un pedazo de Europa y principalmente de Italia en Argentina. 2- unifica las dos óperas haciendo que personajes de cada una de ellas aparezcan en la otra.
La idea de unificar las dos óperas no es mala, al fin de cuentas las dos tratan del femicidio, aparente y directo en PAGLIACCI, colectivo y cruel en el caso de CAVALLERIA en la que la víctima es obligada a vivir en el oprobio por el resto de su vida, excomulgada además porque “ha perdido el honor “
En realidad ya he visto un par de versiones en las que se unifica la escenografía haciendo que ambas óperas transcurran en el mismo lugar, si bien PAGLIACCI que es más moderna en su estilo musical y en su argumento, suele ambientarse en una fecha más próxima a nosotros que CAVALLERIA que presupone un orden moral que ya no esta vigente (quien consideraría hoy deshonrada a una mujer porque ya no es virgen ¡!)- Aquí se da el paso siguiente embutiendo los personajes de una ópera en la otra. Y la verdad es que el recurso parece innecesario, no aporta nada al desarrollo de cualquiera de las dos, y hasta crea algunos problemas , especialmente en PAGLIACCI, que al fin de cuentas es una ópera que claramente comienza y termina y hasta tiene un prólogo donde además se explicitan las tesis que el autor pretende llevar adelante en la obra. Por otra parte la música inicial de PAGLIACCI ciertamente no es lo que alguien elegiría para acompañar al cortejo fúnebre de Turiddu el día del entierro, y no me parece muy creíble que en pleno período de duelo, Mamma Lucia, Santuzza, Alfio y Lola decidan ir al Circo a divertirse.
Pero en general el desarrollo de PAGLIACCI es irreprochable, con una absoluta adecuación del texto a la acción y una muy bien resuelta presentación de la comedia que representan los payasos en la escena final que acaba en muerte. Es por lejos lo más logrado de la noche.
CAVALLERIA sufre bastante en manos del espíritu innovador de Cura. Para comenzar la ubicación en la Boca es forzada. Cavalleria es una tragedia rural y el campo se hace presente a cada momento en las expresiones del coro y en las conductas de sus personajes solistas. Pero además hay toda una serie de opciones que ha tomado Cura que acumulan dislate sobre dislate y debilitan la fuerza del drama.
Lola y Alfio no pueden vivir en los altos del bar de Mamma Lucia. No tiene sentido que Turiddu y Lola tengan una relación clandestina y su madre no haya visto nada, y reduce al absurdo la frase de Alfio E SEMPRE QUI L/HO VISTO QUESTA MATTINA VICINO A CASA MIA ( SI VIVEN EN EL MISMO EDIFICIO ¡!!) Y esto se agrava con la marcación de que Turiddu y Lola se asomen al ventanal que da a la plaza semivestidos después de una noche de amor, sin temer ser vistos por la multitud que allí se encuentra, incluidos los parroquianos de Mamma Lucia. Alfio es por otra parte un carrottiere muy especial que viaja en moto y lleva su moto al maniscalco (aunque los subtítulos prudentemente lo alteren por mecánico). Y la constante manía de que todas las conversaciones confidenciales sean oídas por varios testigos sin que nadie se inmute, que llega al colmo del ridículo cuando –Santuzza le grita TACETE a Mamma Lucia que está por meter la pata otra vez diciendo que Turiddu no durmió en casa anoche, desde el otro extremo del escenario con decenas de personas entre las dos que pueden escucharla perfectamente comenzando por el propio Alfio.
La idea de que haya un escritor anotando todo (reporter ¿? autor ¿? ) . No me parece inadecuada. Si me parece atroz y a-musical que sea ese personaje no cantado el que grite HANNO AMMAZZATO COMPARE TURIDDU. Me pareció en cambio muy interesante que luego Santuzza y Lola repitan la frase, casi como una reflexión.
En fin que Cura me pareció un muy buen regista cuando se atiene al material original o cuando innova en consonancia con él, y totalmente contraproducente cuando se lanza contra el texto.
LA VERSION MUSICAL
En lo musical hubo quejas sobre la dirección de Paternostro en el día del estreno el Martes pasado. Hoy Jueves si problemas hubo habían desaparecido y la dirección fue excelente, con gran fuerza expresiva y una perfecta coordinación foso escenario. Y el coro tuvo un desempeño antológico. Es apasionante ver como se ha recuperado el nivel de los años de gloria del Teatro con un conjunto coral que está a la altura de cualquier otro con quien se lo compare. Y no hay más como en el pasado el desnivel en favor del coro de mujeres, ya que el coro masculino suena gloriosamente bien, especialmente su cuerda de tenores.
El elenco fue totalmente argentino y muy solvente.
CAVALLERIA se salva o se hunde con la SANTUZZA. Hubo preocupación porque se anunció por los altoparlantes que GUADALUPE BARRIENTOS estaba con laringitis pero cantaría igual por respeto el público ( frase que yo nunca entendí porque para mi por respeto al público el que no está en condiciones de cantar no debe hacerlo aunque deba cancelarse la función ) –Felizmente la cosa no debe haber sido tan grave o la artista tiene un dominio absoluto sobre sí misma, porque lo que se oyó fue una excelente labor, con gran entrega dramática, excelente registro agudo y un bello timbre. No de balde Guadalupe está triunfando en Europa cantando papeles de gran exigencia como Amneris. Noté si que el agudo final del Te Deum fue cubierto por el coro, y que muchas de las notas graves fueron apenas audibles, pero no habiéndola oído en otra noche no puedo discernir cuanto se debió a la afección o cuanto no. Lo que si me parece una imprudencia del Colón haber puesto todas las funciones en manos de la misma cantante , lo cual puede transformarse en un peligroso boomerang si Guadalupe de verdad se enferma ya que tiene que cantar este exigente papel nada menos que 3 días seguidos , sin descanso. Un riesgo mucho mayor si el que se enferma es Cura, que por razones obvias está más expuesto a un malestar que la joven mezzo.-
ENRIQUE FOLGER no se sintió muy cómodo con la SICILIANA, cantando más bien a la defensiva el aria, que parece estar situada en una tesitura más aguda que su registro actual. Pero apenas entró en escena volvió a ser la presencia arrolladora de siempre, además con una fuerza expresiva impresionante. Su DEL IRA TUA NON MI CURO fue el más expresivo que oí en mi vida y es decir.
MARIANA REWERSKI cantó una bellísima LOLA con una voz más potente que la que uno recordaba y el hermoso timbre de siempre. Visualmente fue además la imagen misma de la tentación. El mejor trabajo de LEONARDO ESTEVEZ en mucho tiempo tanto en lo escénico como en lo vocal.
LAURA DOMINGUEZ que reemplazó a última hora a la anunciada ANNABELLA CARNEVALI dejándonos a todos los que queríamos oírla muy entristecidos, tuvo una actuación ejemplar en un personaje que en realidad canta muy poco.
PAGLIACCI se abrió con la impresionante voz de FABIAN VELOZ cantando con gran fuerza pero también con gran sutileza el prólogo y luego el sinuoso Tonio. Cómo ha progresado como actor y cuan más sutil cantante está pareciendo desde que canta regularmente en teatros del exterior. La voz siempre estuvo allí pero era un diamante a pulir. Suerte nuestra que lo ha y lo han pulido y que aún seguimos viéndolo aquí.
MONICA FERRACANI es un caso increíble de longevidad vocal. Había anunciado recientemente su decisión de retirarse y hubiera sido una pena porque está cantando mejor que nunca antes. El papel de Nedda es muy traicionero por sus exigencias en las notas graves (en las cuales sacó a lucir un bellísimo registro de pecho) y por los exabruptos agudos de las escenas dramáticas que hacen que muchas sopranos terminen emitiendo un cierto número de agudos estridentes. Ferracani hábilmente cantó todas las notas que pudo a mezza voce y se arrojó con todo en los momentos más explosivos, dándole toda la fuerza requerida a las notas aunque con ellas viniera una cierta dosis de estridencia. Actoralmente estuvo notable., muy convincente como mujer y como Colombina.
Impecable el BEPPE de SERGIO SPINA. GUSTAVO AHUALLI cantó y actuó bien el SILVIO pero exhibió algunas limitaciones en la zona aguda.
Y CURA ¿? Siempre fue un cantante controvertido por su peculiar técnica para emitir la voz. Su rica voz que le permite cantar los papeles más pesados del repertorio italiano, le garantizó una buena carrera en Europa a partir de su debut como OTELLO en TORINO bajo la dirección nada menos que de RICCARDO MUTI. Han pasado muchos años desde ello y la voz ha sufrido algo con el uso y abuso. El centro ha perdido volumen y la mezza voce aparece poco. Pero en cambio están la insolencia de los agudos y los bonitos graves baritonales. De sus 4 pasajes por BA (SAMSOM, OTELLO, OTELLO por segunda vez, y este) fue el que me pareció más logrado. Cura es además un intérprete que se entrega y nunca deja indiferente. Le noto sí una cierta dureza de movimientos físicos que no me parece acorde con su edad ya que no es tan mayor como para ello. La expresión facial sigue siendo intensa aunque se la haya notado sólo intermitentemente porque escogió cantar la mayor parte del tiempo cubierto por la máscara.
En conjunto creo que fue una muy buena interpretación de un papel que no tiene tantos intérpretes que lo encaren
TANGO
Y ya me estaba olvidando de comentar el asunto del bandoneón en el intermezzo de Cavalleria, y el tango grabado y bailado en la apertura de las dos Operas y en el intervalo entre las dos, que han sido los temas que con más destaque se han discutido en los comentarios.
Obviamente no puede gustarme nada que interfiera con la partitura de las dos Operas, agregando sonidos no previstos por sus autores. Y por lo tanto considero un desacierto su inclusión, un desacierto que con la reiteración se fue haciendo además cansador. Pero tampoco fue algo tan terrible como se dijo en algunos comentarios. El bandoneón en el intermezzo poco y nada se oyó, ahogado por la mayor sonoridad de la orquesta, quizás no tan sin intención por parte del Director. El tango del intermedio se podía obviar saliendo de la sala durante el mismo, como hice yo. Y en los dos seudo preludios el que más sufrió fue Paternostro teniendo que esperar al frente de la orquesta que lo dejaran comenzar. Yo me escabullí por la tangente imaginando que estaba en un cine y estaban pasando el trailer del próximo estreno.

Las Bodas de Fígaro.

Opera en cuatro actos de Wolfgang Amadeus Mozart
Libretto de Lorenzo Da Ponte

Fígaro: Juan Salvador Trupia y Rodríguez
Susanna: Maria Goso
Conde: Fernando Grassi
Rosina: Oriana Favaro
Cherubino: Cecilia Pastawski
Bartolo: Walter Schwartz
Marcellina: Maria Cecilia Pérez San Martín
Don Basilio: Norberto Lara
Barbarina: Julieta Fernández Alfaro
Don Curzio: Norberto Lara
Antonio: Walter Schwartz 
Dirección Musical: Hernán Schwartzman
Dirección Escenica: María Jaunarena 
Coro de Juventus Lyrica - maestro preparador: Hernán Sanchez Arteaga
Orquesta de Juventus Lyrica
Escenografía e iluminación: Gonzalo Cordova
Vestuario: María Jaunarena

La colaboración de dos grandes talentos como Wolfgang Amadeus Mozart y Lorenzo da Ponte,   generó una brillante trilogía de óperas entre las que se encuentra “las Bodas de Fígaro”. ( Le nozze di Fígaro).
Estrenada en Viena el 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor, es una de las obras mas representadas en el mundo y nuestro país no es una excepción, donde se la programa con frecuencia.
María Jaunarena y Hernán Schwartzman ya demostraron la afinidad que tienen y el noble interés de brindar un Mozart lo más cercano posible al original, logrando nuevamente un espectáculo grato y de genuino interés.
La pequeña Orquesta a cargo del Maestro Schwartzman sonó gratamente, algunos pequeños ajustes en la afinación no modificaron en nada el logro total.
María Jaunarena trabajó dentro de una escenografía minimalista, con muy pocos elementos corpóreos, pero de buen gusto y fácil para los desplazamientos creada por Gonzalo Cordova, lo mismo que la correcta iluminación. Unos pocos paneles de madera que combinan colores y texturas y un muy buen diseño de vestuario de la Directora de Escena. Supo explotar las características psicológicas de cada personaje, logrando notable marcaciones, buenos momentos de conjunto y originales escenas bufas.
El nivel vocal fue parejo, con algunas actuaciones que merecen ser mencionadas.
Juan Salvador Trupia y Rodríguez fue un excelente Fígaro, cantó con hermoso timbre, importante volumen y gran capacidad para matizar. En un estilo mozartiano mas cercano al que busca el Maestro Schwartzman. Brillante como actor logró ser el centro de la trama, como Mozart pide, pero que no todos los barítonos logran.
Fernando Grassi, finalmente, en un papel más comprometido y de un carácter al que no estamos acostumbrados, brindó un excelente Conde, cantado con muy buena línea y actuado con la sobriedad necesaria. Espero que le sigan surgiendo oportunidades como esta.
María Goso posee un bello timbre, buen volumen y fue una desenvuelta Susana. La revelación de estas Bodas. Solamente mostró algunas imprecisiones en su aria (Giunse alfin il momento - Al desio di chi t´adora), que seguramente serán superadas en las próximas funciones o en un futuro próximo.
Oriana Favaro lució su espléndida figura como la Condesa. Cantó con bello timbre y depurada línea de canto, brindando un excelente “Dove sono”. Pero para el rol una voz de más peso es necesaria. Aquí no existió contraste entre la Condesa y Susana.

Cecilia Pastawski nos regaló un excelente Cherubino. Cantó con muy buena línea de canto, rica en matices y actuó con desenvoltura. Muy expresivas y en estilo sus dos arias. Muy buen trabajo.
Del resto del elenco se destacaron,: Norberto Lara como Don Basilio, la interesante voz de Julieta Fernández Alfaro como Barbarina y parejo y nunca debajo de la corrección el resto del elenco.
Muy buen trabajo del Coro a cargo del Maestro Hernán Sanchez Arteaga.
Una agradable versión de Las Bodas de Figaro, más cerca de Mozart y al mismo tiempo más cerca del público.

Dr. Alberto Leal

Teatro El Círculo - Rosario - Argentina.

Giuseppe Verdi: La Traviata. Ópera en 3 actos, libreto de Francesco María Piave,
basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo), La dama de las camelias.

Jaquelina Livieri (Violetta Valery), Juan Carlos Valls (Alfredo Germont), Luciano Garay
(Giorgio Germont), Daniela Ratti (Flora), Marcela Novero (Annina), Andrés Novero (Gastón), Ismael Barrile (Barón Douphol), Claudio Gagliano (Marqués
d’Obigny), Bruno Sciani (Grenvil), Mariano Galetto (Giuseppe). Ivan Ochoteco (Mayordomo y Leonardo Pedro, Mensajero).
Boris, dirección escénica.
Marcelo Aronna, Walter Gonsolín, escenografía.
Liza Tanoni Coordinadora de vestuario
Orquesta y Coro de la Opera de Rosario - Director del Coro: Horacio Castillo. Dirección Musical: Marcelo Pozo

En un país donde los teatros suelen tener muy poca elasticidad en sus temporadas y que nunca aprovechan importantes nombres que se presentan en países vecinos, merece ser valorado el trabajo de Marcelo Aronna y su grupo de colaboradores por haber sacado – de la manga y en un mes – una versión de La Traviata que tuvo un notable éxito de público y un muy buen nivel artístico en lo musical y vocal.
Por supuesto que es una obra que convoca público como pocas, pero la curiosidad
de ver y escuchar a Jaquelina Livieri - lanzada a una carrera internacional – rodeada con un excelente elenco gravitó para la explosión de público. En ambas funciones se tuvieron que agregar sillas en ambos pasillos y con gente afuera del teatro, esperando alguna devolución. Lamentablemente solo se han podido realizar dos funciones ya que Livieri salía el día posterior a la segunda función para Bogotá, donde cantará Sophie en Werther y tendré el placer de cubrir la función del día 30.
El Maestro Marcelo Pozo brindó una correcta versión de la hermosa partitura verdiana y la orquesta complementó un buen trabajo. Tal vez algo más de intensidad hubiera sido bienvenida, pero su versión nunca bajó de la corrección, cuidando en todo momento el balance entre foso y escenario.
Jaquelina Livieri brindó mucho más de lo esperado. Aunque es una soprano lirico- ligera, posee un centro y graves con notable cuerpo. Además de un hermoso timbre, noble línea de canto y segura afinación. Luego de un impecable y esperado primer acto, mostrando su facilidad en la zona aguda y en las coloraturas, donde solamente perdió algo de apoyo en el Mi Bemol final de su impactante “Sempre libera” fue creciendo en cada acto, llegando a un maravilloso trabajo en el último con un conmovedor “Addio del passato”. Fue un momento mágico, sin dudas lo más notable de la versión donde solistas, orquesta y puesta se amalgamaron para crear ese clima. Esta fue su segunda función de Traviata, en realidad solo un borrador, un espléndido borrador de quien será sin dudas una gran Violetta. Bravo.
Juan Carlos Valls, que vengo siguiendo su carrera desde hace años y nunca tuve en claro porque no se lo convocaba mas a menudo debido a sus condiciones, fue el Alfredo de esta versión, uno de los roles que mas ha cantado.
Su prestación fue creciendo con el correr de los actos, aunque su momento mas notable fue la vibrante caballeta - O mio rimorso” con impactante DO incluido luego del aria “De miei bollenti spiriti”. Esto no es una novedad ya que Valls siempre ha tenido una extensión envidiable para cualquier tenor. Aunque conserva todos los atributos de su hermosa voz, el tiempo oscureció el timbre, su voz tiene más cuerpo en todo el registro. Creo que es momento de ir despidiéndose lentamente de roles como Alfredo por otros mas acordes con el peso actual de su voz .Desenvuelto como actor, no fue en absoluto favorecido con su vestuario.
Luciano Garay no posee la típica voz para Germont, pero que placer escucharlo. Aunque con un bello timbre pero no gran volumen, su musicalidad, su impecable línea de canto, la intención en su decir, hacen un momento muy placentero escucharlo. Correcto, sobrio como actor, solo es de lamentar que no se lo envejezca más para dar mayor realidad a su relación con Alfredo. Cantó en excelente forma la caballeta – que generalmente se omite – que cierra el primer cuadro del segundo acto.
Interesantes participaciones de los comprimarios, muy buen desempeño de Ismael Barrile, una más que interesante voz de Bruno Sciaini que necesita trabajo, ya que posee un excelente material natural y el cálido timbre de Marcela Novero. Del resto del elenco nadie bajó de la corrección.
Boris es una de las personas mas carismáticas del medio operístico argentino, trabajador, buena persona y con algunas ideas realmente brillantes…aunque con poco sentido del límite. Hace dos semanas vi su puesta de Don Pasquale no apta para cardíacos. Durante las últimas semanas recibimos muchas consultas sobre como sería la puesta de esta Traviata. Creo que el público en genral acepta cambios siempre que los mismos tengan coherencia.
Creo que hay dos momentos de excelencia en su puesta que debo destacar, que Violetta se saque el vestido en el primer acto, sobre todo cuando se cuenta con una soprano con la figura de Livieri, creando un cuadro de gran nivel estético y el magnífico tercer acto, resuelto con fuerte impronta dramática y brillante movimiento actoral. Aquí si vimos una Violetta a punto de morir. Pero su afán de innovar lo llevó en el medio de ambas escenas a momentos sin lógica o sentido. La cachetada de Germont a Alfredo, el querer salvar- fallidamente - con el coro la escena de la danza del segundo cuadro del segundo acto, que Flora y sus amigas fueran esposadas y detenidas, pero lo peor, que el Baron rete a Alfredo a duelo antes que este le arroje el dinero a Violetta, lo que lleva luego a una escena de golpes de puño entre ambos totalmente fuera de lugar y de contexto. Yo estudié teatro, entre otros, con Hedy Crilla y la gran maestra siempre repetía que no son problemáticos los artistas que generan demasiado, si lo son los que poco generan pues eso no tiene arreglo. Creo que Boris llegará a un punto de equilibrio donde quiera generar cambios para acentuar lo que el compositor determinó y no solamente como medio de ser original a cualquier precio..
Una mención para la escenografía y el vestuario. Con una escenografía con pocos cambios, pero bella estéticamente y un inteligente trabajo coordinando vestuario de distintas puestas, la parte visual mantuvo un muy digno nivel estético.
Aunque parece no quedar claro la responsabilidad en el programa, la iluminación no admite análisis alguno. Momentos de total oscuridad, imposibilidad de ver las expresiones de los cantantes, inentendible.
Felicito a la gente del Teatro El Círculo por la valentía de – viendo una excelente oportunidad – apartarse de los planes de la temporada y liberándose de toda burocracia,brindarnos estas dos hermosas funciones de una obra preferida en todo el mundo por los amantes de la ópera, La Traviata.

Dr. Alberto Leal

BUENOS AIRES LIRICA
Don Pasquale

Don Pasquale: Gaetano Donizetti
Libreto: Giovanni Ruffini
Elenco: Hernán Iturralde (Don Pasquale), Oriana Favaro (Norina), Santiago Ballerini (Ernesto), Homero Velho (Malatesta), Enzo Romano (notario)
Dirección musical: Juan Casasbellas
Dirección escénica: André Heller-Lopes
Escenografía: Daniela Taiana
Vestuario: Sofía Di Nunzio
Iluminación: Gonzalo Córdova
Producción: Buenos Aires Lirica
Sala: Teatro Avenida

A pesar de la aparente levedad de la partitura, muy acorde con la temática de la obra, Don Pasquale es en realidad una obra de la madurez de Donizetti, que afectado mortalmente por una enfermedad venérea que a la sazón era incurable , debería recluirse  dos años después en Bérgamo su ciudad natal donde vendría a fallecer 3 años más tarde. Tenía 50 años.
Don Pasquale es una de las partituras mas elogiadas por la crítica y más alabadas por el público. Típica opera bufa tiene hasta cierto punto algunos puntos argumentales en común con EL BARBERO DE SEVILLA, el best seller rossiniano. Aquí también tenemos un anciano  que se casa con una mujer joven, aunque el casamiento es una simulación organizada por su médico personal y confidente para proteger los intereses del sobrino a quien Don Pasquale quiere desheredar con este matrimonio. La estratagema es hacerlo casarse de mentira con “ Sofronia “ la hermana recién salida del convento del médico, que es en realidad Norina la amada del sobrino a quien Don Pasquale considera un partido inadecuado para su pariente. Una vez llevado a cabo el  “matrimonio “ la humilde Sofronia se convierte en una fiera gastadora y el pobre anciano no sabe qué hacer para sacársela de encima hasta que finalmente todo se aclara y Norina y Ernesto pueden vivir en felicidad su amor sin ser atrapados por la pérdida de la herencia y Don Pasquale volver a su soledad que ahora ve como una bendición.
Don Pasquale es un  papel que todo bajo bufo sueña con cantar, debido a las posibilidades de lucimiento que ofrece. HERNAN ITURRALDE  que es mucho más que un bajo bufo las aprovecho puntualmente todas y además sirvió al personaje con una voz mucho más entera de lo que habitualmente se oye en la parte. Una actuación sencillamente magistral. Yo personalmente hubiera encarado de una manera más dramática el E FINITA DON PASQUALE  y la escena subsiguiente en que Don Pasquale se duele de la humillación que acaba de sufrir de manos de                 “Sofronia “que lo ha cacheteado al intentar resistir a una de sus iniciativas y que para colmo ha dejado caer una carta que prueba que tiene un amante. Pero seguramente no fue esa la orientación de la regie.
SANTIAGO BALLERINI dio una nueva demostración de su rápida maduración como intérprete. Consagratoria si no lo conociéramos de antes (y hace poco hizo un deslumbrante ROMEO en la ópera de Gounod
Desde el principio  fue un cantante muy musical con un bellísimo timbre de tenor ligero, muy buenos agudos y una linda mezza voce, amen  un actor notable, pero no tenía en sus comienzos el volumen de voz que ha adquirido en los últimos tiempos. Becado por el barítono SHRRILL MILNES que se ocupa de su carrera de manera personal ha comenzado a aparecer en producciones en el exterior, incluyendo los EEUU y ha participado en varios concursos internacionales, ganando algunos de ellos o siendo finalista o semifinalista en otros. Mucho me temo que su carrera está teniendo un  éxito tal que lo estamos oyendo quizás con un cierto aire de despedida porque su carrera alcanzará rápidamente nivel internacional y contratarlo se volverá progresivamente difícil.
ORIANA FAVARO fue una ágil, graciosa Norina, cantada con una voz muy adecuada para la parte, con una buena ejecución de las coloraturas y de los sobreagudos que el papel exige, incluyendo un par de muy bien colocados staccato.
HOMERO VELHO tiene una bellísima e importante voz aunque sufrió un poco con algunas de las coloraturas de Donizetti y fue ayudado por el maestro reduciendo el ritmo en los momentos adecuados. Es por otra parte un  muy desenvuelto actor que valorizó su parte.
Muy bonita y muy funcional la escenografía de  DANIELA TAIANA , una de las más bonitas que he visto en el Avenida. Destaco la calidad  de la vestuarista  SOFIA DI NUNZIO (rubro que usualmente no comento) por la inteligencia conque vistió a BALLERINI a quien hizo aparecer más próximo al galán que lo que su figura sugeriría a priori.
HELLER LOPES  demuestra una vez más gran talento en la conducción de los intérpretes obteniendo de ellos un excelente trabajo de equipo. Reiteró también algunos de sus tics, como la inclusión de personajes de la Commedia dell’ arte, que aquí resultaron la mayor parte del tiempo funcionales a la comedia si bien su exagerada reiteración produjo hacia la mitad del segundo acto un cierto efecto de monotonía y cansancio. También incluyo algunos pasos de comedia musical, que después de la Carmen ya no asombran a nadie.

LUIS G BAIETTI

CARMEN – TEATRO ARGENTINO
ELENCO DEL DIA 6 DE JUNIO (SABADO)

Lindo volver a ver la Sala de Argentino repleta, con un público satisfecho de volver a ver y oír uno de los grandes títulos del repertorio, aunque esto haya derivado en un bochornoso colapso de las instalaciones sanitarias del Teatro que ya no están en condiciones de atender a un público tan numeroso.
MARIA LUISA MERINO RONDA , también como la directora de ayer una joven casi veinteañera , chilena formada y radicada en Argentina hacía su debut en la parte , luego de participar en varios espectáculos líricos de menor compromiso ( yo la había visto haciendo una bella Fenena en un Nabucco del Teatro Avenida y haciendo la parte de solista contralto en el ballet EL MESIAS en el TEATRO COLISEO, pero honestamente no recordaba el nombre ) Tiene una voz más lírica que su predecesora a hizo uso de ella para cantar con gran agilidad las partes más leves de la partitura, resolviendo con una impactante voz de pecho las partes más graves. En algunas partes calculó mal el tamaño de la Sala y se hizo difícil oírla por encima del coro o de la orquesta, algo que también le ocurrió la noche siguiente a la muy experimentada mezzo que tomo su parte. Demostró muy buena predisposición para componer el personaje, que se benefició de su apariencia juvenil, y que seguramente madurará mucho si consigue repetirlo el número necesario de veces, cosa asaz dudosa en un mercado como el nuestro con tan pocas oportunidades para que los cantantes locales maduren
CHARLES DOS SANTOS CRUZ uruguayo pero a juzgar por su curriculum mucho más conocido en Brasil y España que en su propio país, también cantó enfermo si bien en un estado menos comprometido que -Vasallo. Debió cuidar la voz, escamoteando los agudos durante los 3 primeros actos, en que todas las notas más con prometidas fueron colocadas hacia atrás luciendo una sonoridad muy reducida y en contradicción con el resto de la voz, que es la de un hermoso tenor lírico de timbre oscuro, con buenos graves. Recién en el cuarto acto, perdido por perdido se decidió a abandonar toda cautela y soltar su voz, produciendo una impactante escena final, junto a la Carmen que demostró estar a la altura de este difícil cometido pese a poseer una voz en esencia más lírica que la parte. Es un buen actor con una apariencia física más adecuada al personaje, especialmente cuando lo dejaron cantar de frente evitando exponer el perfil.
GUSTAVO GIBERT fue un Escamillo competente y de confiable vocalismo, sin deslumbrar en la parte, que requiere un intérprete con otra juventud.
ROCIO GIORDANO fue uno de los dos grandes impactos de la noche con una bellísima Micaela cantada con el timbre, la extensión y el volumen adecuados y una cuidada interpretación escénica. Una gran actuación.
El otro impacto previsible fue la deslumbrante FRASQUITA de LAURA POLVERINI con su fantástico registro agudo, una viga sonora en los conjuntos. Bien acompañada por la muy buena Mercedes de VANINA GUILLEDO.
MIRKO TOMAS nos obsequió un Dancairo hablado en algo que pareció francés y ALBERTO JAUREGUI LORDA fue un Morales de voz quizás demasiado madura para la parte, pero bien más flexible que la de su predecesor en la misma.
Correcto el resto del elenco.
Excelente la dirección musical de TULIO GAGLIARDO el maestro preparador musical del espectáculo.

LUIS G BAIETTI

CARMEN
TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
ELENCO DEL DIA 5 DE JUNIO
(VIERNES)

(VER DETALLES Y COMENTARIO GENERAL DE LA PRODUCCION EN EL COMENTARIO RESPECTIVO)

Reparto

CARMEN-ANABELLA CARNEVALLI
DON JOSE- JUAN CARLOS VASALLO
ESCAMILLO-MARIO DE SALVO
MICAELA-MARIA EUGENIA CORONEL BUGNON
FRASQUITA- LAURA DELOGU
MERCEDES- MARIA LILLA LAGUNA
REMENDADO-MIGUEL LEZCANO
DANCAIRO-DARIO LEONCINI
MORALES-HERNAN VUGA
ZUÑIGA-VICTOR CASTELLS
LILAS PASTIA-FERNANDO ALVAR NUÑEZ
EL GUÍA- JUAN IGNACIO SUARES CHRISTIANSEN
DIRECCIÓN MUSICAL –ALICIA POUZO

La principal atracción de este reparto, que movilizó a varios integrantes de la crítica musical, era oír la Carmen de Carnevalli en un triple debut. Debut en el papel, que no lo había cantado nunca, debut en los Grandes Teatros Oficiales que hasta el momento la habían ignorado (está programado que debute más tarde este año en el TEATRO COLON, que es la Meca de los cantantes argentinos y de países vecinos, en el papel totalmente inadecuado para ella de MAMMA LUCIA EN CAVALLERIA RUSTICANA) y Debut en la ciudad de La Plata, donde no había cantado todavía.
Su debut en el Teatro Argentino fue una consecuencia del Plan Opera Abierta propiciado por la Dirección del Teatro y principalmente por CARLOS VIEU que lo explica en una interesante nota incluida en el programa, como un ciclo sin precedentes en el Teatro Oficial de la Argentina, que busca primordialmente que tengan la oportunidad de ser escuchados nuevos valores que no son usualmente convocados, mediante la elección de los elencos en concurso abierto “abarcando desde el primer protagónico al último partiquino”.
Esto ha resultado en este caso en la reparación de una injusticia. Carnevalli, que no es precisamente una debutante, es una de las voces más importantes del medio y tiene en su haber encarnaciones de la importancia de ULRICA EN UN RECORDADO BALLO IN MASCHERA DE ROSARIO JUNTO A VIRGINIA TOLA ) LUISA FERNANDA ( UNA PRODUCCION DEL TEATRO DEL CIRCOLO DE ROSARIO CON UN ELENCO ABSOLUTAMENTE ESTELAR ) EBOLI( EN UN DON CARLO CANTADO JUNTO A HAYDEE DABUSTI EN EL TEATRO COLISEO DE BUENOS AIRES ) Y AMNERIS ( CANTADA EN EL AUDITORIO NACIONAL DEL SODRE EN MONTEVIDEO ) –En Agosto será además AZUCENA DEL TROVATORE ( TAMBIEN JUNTO A HAYDEE DABUSTI, EN EL TEATRO AVENIDA )
La voz de Carnevalli es de un bello timbre, volumen importante y una generosa extensión, que la hacen ideal para cantar los grandes papeles verdanos para mezzo. Esto le permitió dar total realce a las escenas más dramáticas de la obra como el aria de las cartas y la terrible escena final que piden a gritos una voz de esta importancia. Pero también supo hallar la flexibilidad para cantar impecablemente los momentos más líricos del personaje. Su actuación en lo actoral fue competente, aun cuando Carmen no es exactamente un papel para un debut dadas las complejidades interpretativas del rol, uno de los más desafiantes en este sentido de todo el repertorio, que sólo se consigue dominar luego de haberlo encarnado un importante número de veces, bajo diversos directores con diversas concepciones y de haberlo ensayado exhaustivamente , algo que de seguro no debe haber ocurrido con este elenco que tenía a su cargo una sola representación y era evidentemente el tercer elenco de esta producción por más que yo lo haya visto primero.
JUAN CARLOS VASALLO no es precisamente una voz desconocida en el medio y es paradójico que de un concurso de valores nuevos haya surgido su nombre ya que es uno de los tenores más activos y programados en el medio. Esto es en gran medida fruto de su tipo de voz que no abunda ni en Argentina ni en el mundo, de lírico spinto, con una extensión amplia que lo lleva del grave al agudo con igual generosidad. De antemano se sabía que tendría que luchar contra algunas limitaciones para el papel : su tipo físico que no es el que uno asocia en primer instancia con un joven soldado, sus limitaciones actorales y su tendencia a cantar algunas notas fuera de tono, tendencia contra la cual viene luchando y triunfando en algunas de sus últimas presentaciones. No es prudente juzgar su actuación por lo visto y oído el Viernes ya que cantó visiblemente enfermo con una disfonía que le negó en las primeras escenas el acceso a los pianísimos y desembocó en un cuarto acto donde abundaron las notas fallidas. Como mínimo debió hacerse un anuncio de su estado protegiendo la reputación de un cantan te que puede en condiciones normales rendir mucho más, y directamente debió haber sido sustituido al comenzar el tercer acto donde ya se hacía notorio que la disfonía estaba comenzando a ganar la batalla. Cuesta entender que un Teatro con 3 Don José contratados no fuera capaz de adoptar esta elemental medida de preservación del espectáculo y del prestigio del cantante que no debió haber sido sometido a semejante prueba. Quedó entonces en deuda Vasallo de hacer oír su verdadero Don José en otro Teatro (no creo que la repongan tan pronto en el Argentino) y nosotros quedamos con el derecho de esperar que de aquí a allá consiga otro grado de dominio del idioma francés, que dejó bastante que desear siendo uno de los más notorios carentes de intimidad con la lengua en el elenco, que tuvo varios otros casos similares, potenciados por la elección de la versión original con diálogos hablados.
MARIO DE SALVO, también muy poco próximo a la idea de un debutante joven, fue un sólido Escamillo con igual efectividad en ambos extremos de una partitura traicionera que requiere un barítono para los agudos y un bajo para los graves, y que siempre es muy difícil de programar. Actoralmente supo con su gran experiencia escénica dar todo el relieve al papel, que ganó además una apariencia juvenil cuando el vestuario le permitió cantar con la cabeza cubierta ocultando el cabello canoso de alguien que ya no está en el comienzo de la juventud.
MARIA EUGENIA CORONEL BUGNON, ella sí una joven debutante, fue una correcta Micaela pese a su voz de soprano lirico-ligera no ser la que uno escogería a priori para el papel.
FERNANDO ALVAR NUÑEZ diseñó un muy disfrutable LILAS PASTIA sin caer en la caricatura y dándole vida normal pese a la comicidad. Además fue de los pocos en el elenco de comprimarios que habló y cantó en algo que parecía francés.
LAURA DELOGU y MARIA LILLA LAGUNA fueron eficaces FRASQUITA y MERCEDES especialmente la primera que tiene a su cargo la mayor parte de los agudos que se oyen en la partitura femenina, erigiéndose en un puntal de los concertantes y del famoso quinteto de contrabandistas. En lo actoral lucharon contra una marcación que no era la más adecuada para ellas, que pareció como toda la escena de la entrada del Torero levantada directamente de la innovadora puesta que MARCELO LOMBARDERO exhibió en el AVENIDA y en el SODRE.
El resto del elenco cumplió con competencia con sus papeles, sin particulares destaques.
El programa no proporciona los nombres de los tres bailarines que tuvieron a su cargo las presentaciones de los diversos actos, donde con el telón parcialmente abierto, con base en una adecuada coreografía de ALEJANDRO IBARRA proporcionaron un adelanto visual de lo que ocurriría con los protagonistas en el acto a iniciarse. Los nombres aparecen en letra menuda casi ocultos debajo del coro de niños y sin indicar quien baila en cada día (yo tengo la impresión de que vi los mismos bailarines en las tres funciones) por lo que menciono a los que aparecen allí sin tener certeza de quien fue quien en definitiva bailó ALEJANDRA SABELLA Y MARIANA GARCIA como Carmen, JAVIER CONEJERO y NICOLAS ITURBIDE como Don José y NICOLAS MIRANDA como Escamillo
En el mismo pequeño apartado se mencionan los nombres de los figurantes que tuvieron una muy buena actuación y de su coordinadora VANESA TEMPONE que hizo un excelente trabajo.
Por último, la dirección orquestal fue asumida en esta función por ALICIA POUZO una joven de Tandil alumna de CARLOS VIEU en la Universidad, cuya apariencia física menuda acentuó la extrema juventud de alguien mal salido de la segunda década de edad- Demostró gran competencia en este su primer trabajo al frente de la orquesta, ya que hasta ahora había cooperado en varios espectáculos como asistente de dirección. Se espera oírla pronto en otro título y sobretodo conocer su trabajo de preparación asumiendo la conducción musical del espectáculo aquí obviamente preparado por el Director principal.

TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA – 31/05/15

“CARMEN” - George Bizet
Libreto H.Melihac y L Halévy, basados en la novela homónima de Prosper Mérimée.
Una Carmen incolora, inodora, insípida. ……

Estrenada el 3 de marzo de 1875 en la Opéra-Comique no fue originalmente bien recibida por el público. Sin dudas, su argumento, liderado por una mujer que vive de una forma muy alejada a la moral de la época y termina asesinada por un soldado devenido en desertor y delincuente, desconcertó al público. Ocurrió lo mismo  con la versión presentada en el Teatro Argentino de La Plata, con Dirección escénica de Valeria Ambrosio, pero obviamente por otros motivos.
Muy bien dirigida por el Maestro Tulio Gagliardo, cuidando siempre el balance entre foso y escenario, con gran respuesta por parte de la orquesta y gran trabajo vocal de ambos Coros, aunque desaprovechados teatralmente, esto alcanzó para brindar – a duras penas – una correcta función de Carmen.
Antes a adentrarnos en la función, es lógico reconocer que el trabajo de Ambrosio, con respecto a la convocatoria de público, está dando sus frutos. La fórmula es simple pero tiene garantía de funcionamiento. Títulos populares, bajos precios – muy bajos – de las entradas justifican el cambio. Y para los que amamos el medio nada más placentero que ver un teatro lleno como estaba el Argentino el domingo. Por otro lado el edificio – exterior e interiormente- continúa deteriorándose a pasos agigantados. Da pena ver tanta destrucción en un teatro relativamente nuevo. La suciedad exterior y el abandono interior son cada vez más notables y no veo solución a corto plazo.
Y volvamos a nuestra descolorida Carmen. Luego de su Tosca del año anterior y la presente Carmen es fácil concluir que la Sra. Anbrosio poco tiene para aportar al mundo de la ópera. No creo que se sienta cómoda en este terreno y lo que ha aportado es un leve make-up, nada más.
En esta ocasión integró algunos pocos elementos de la comedia musical – que ese si debe ser su fuerte – pero no gravitaron para nada en el resultado final ni aliviaron el marcado aburrimiento del primer acto. Se usó la versión opéra-comique , con diálogos , pero severamente cortados. Con nulas marcaciones para el coro y solo algunas puntuales para los solistas, esta Carmen navegó gracias al respaldo musical y, en alguna medida, vocal.
Lograda la simple escenografía de los dos primeros actos, triste la del tercero y kitsch la del último acto, coronado con un cuadro de una mujer desnuda con las banderillas clavadas en su espalda….al mismo tiempo que se proyectaba el hashtag #NiUnaMenos! (René Diviú).
El feo vestuario, con variaciones de tiempo y lugar sin razón alguna, con ambos coros vestidos como si hubieron llegado así de sus casas y los soldados con trajes del “Ejercito de Liberación”, camuflados…no tiene coherencia ni explicación alguna y no ayudan a la representación. No parece existir aquí una idea clara de que se buscaba. (Valeria Anbrosio). Correcta iluminación de Willy Landin.
Adriana Mastrángelo  pareció no moverse aquí con la comodidad que lo hizo en la puesta de Marcelo Lombardero. Su altura y su tipo físico la apartan de la figura de Carmen. Pero cantó con su hermoso timbre, siempre afinada, con buena línea de canto y, por momentos sexy. Ella y Sebastián Sorrarain ( Dancairo) fueron claramente los dos que mostraron mejor dicción francesa.
En algunos momentos de los 3 primeros actos fue poco audible (por lo menos desde mi butaca 5ta fila de Platea Alta). Pareció guardar su voz para el último y exigente acto, donde se la escuchó con muy buen volumen,  vibrante, con  gran entrega, generando un magnífico dúo con Enrique Folger (Don José). Es notable que ninguna de sus arias fuera aplaudida.
Folger, en uno de sus papeles más logrados, volvió a mostrar su hermoso timbre, su notable volumen, gran temperamento y condiciones de actor. Por lejos lo mejor de la función. Así lo entendió el público premiándolo con una ovación luego de su aria y siendo el más aplaudido en su salida final. El “ES” Don José. En algunos momentos podría pedírsele un canto algo mas matizado, pero es tanta su entrega, tanta la emoción que logra generar, sobre todo en una función notablemente aburrida, que cada una de sus salidas levantaban considerablemente el nivel de la misma. Bravo.
Leonardo Estévez (Escamillo) no mostró diferencias con la versión de Lombardero. Agudos forzados, tirantes, voz despareja. Aunque tiene la presencia adecuada, Escamillo no parece ser un rol de los adecuados para sus condiciones vocales.
María Bugallo (Micaela) cantó con musicalidad y correcta línea de canto, aunque su voz es demasiado ligera para el rol. A pesar de ello se la escuchó toda la función sin problema alguno, en parte a su timbre rico en armónicos.
El cuarteto de contrabandistas – Victoria Gaeta – Rocío Arbizu – Patricio Oliveira y Sebastián Sorrarain – cumplieron una excelente actuación. Sorrarain, que hizo del Dancairo su papel fetiche, ya que lo ha cantado en la mayoría de las representaciones de Carmen de los últimos años, da una clase que como aprovechar al máximo un rol comprimario y convertirlo en un personaje de importancia en la trama.
Muy buenos trabajos de Sebastián Angulegui (Morales), Walter Schwarz (Zuñiga) Y Fernando Alvar Nuñez ( Lilas Pastia).
El trabajo de Alejandro Ibarra, brinda una coreografía que se destaca particularmente en los interludios donde los “Alter ego” de los protagonistas anticipan la acción siguiente, pero mas allá de lo estético poco aportan a la acción.
Logrará amigarse alguna vez con la Opera la Sra. Ambrosio?

Dr. Alberto Leal
Operaintheworld

L' Elisir d'amore
Teatro Colón
10-05-2015

Opera cómica en dos actos de gaetano Donizetti, con libreto de Felice Romani basado en el filtro de Eugène Scribe

Dirección musical: Francesco Iván Ciampa /
Dirección de escena: Sergio Renán
Escenografía: Emilio Basaldúa
Vestuario: Gino Bogani
Iluminación: Sebastián Marrero
Diseño audiovisual: Alvaro Lun
Dirección de coro: Miguel Martínez
Elenco: Adriana Kucerová (Adina), Ivan Magrì (Nemorino), Giorgio Caoduro (Belcore), Simón Orfila (Dulcamara), Jaquelina Livieri (Gianetta)
Coro y orquesta estable.
Teatro Colón. 10/5/2015

Escrita a pedido y en lapso de solo dos semanas, L' Elisir d'amore es una de las obras más difundidas del Maestro Donizetti. Fue estrenada en 1842 en Milán, con resonante éxito, el mismo que la acompaña hasta nuestros días. Basada en una historia sencilla, pero - por momentos – con un contenido profundo, sus personajes representan en gran parte las actitudes humanas descriptas en la comedia del arte. La comicidad convive con momentos de cierta melancolía, que la aparta de los modelos habituales de óperas bufas. Es una deliciosa obra, hermosa musicalmente, casi una pieza de cámara, que incluye una de las arias más famosas del repertorio operístico: “Una Furtiva Lagrima”.
La versión brindada en el Teatro Colón tuvo como pilar la muy positiva dirección orquestal del Maestro Francesco Iván Ciampa, dirigió con buenos tiempos, sutilezas y una sensación de frescura que el titulo reclama. Además mantuvo un excelente equilibrio entre el foso y el escenario, obtenido un muy buen resultado de la Orquesta Estable. Otro muy buen trabajo – tanto en lo vocal como en lo actoral brindó el Coro a cargo del Maestro Miguel Martínez.
Emilio Basaldúa, a cargo de la escenografía, creo dos cuadros de gran belleza visual, el primero y el último. Pero en una época donde reina el minimalismo, su escenografía lució pesada, compacta, densa. Realmente no me imagino como la adaptarán para el escenario del Teatro Solís, de dimensiones bien menores al del Teatro Colón. “Elisir” es una opera casi camerística y de ambiente campestre, no creo que una escenografía monumental sea lo mas adecuado para el título. Correcta la iluminación de Sebastián Marrero.
Gino Bogani, como era de esperar, creo un bello vestuario, atractivos diseños y una perfecta gama de colores. En lo personal creo que hubiera sido mas productivo contratarlo para “Don Carlo” u otra opera donde su reconocido buen gusto hubiera tenido mas oportunidad de lucirse. De todas formas impecable su trabajo.
Sergio Renán, que llevó la acción a una Italia de posguerra, no alterando el argumento, generó una marcación lineal sin aportes novedosos. No se notan marcaciones precisas en los cantantes y aunque, desgraciadamente no pude ver el elenco alternativo pero por los comentarios recibidos de quienes asistieron, refieren a una puesta con un grado de comicidad mucho más acentuado, lo que confirmaría que no hubo nivel de detalle en la marcación actoral. Algunas proyecciones fueron la única novedad a una puesta de rutina.
Y ahora los cantantes….que siguen siendo el talón de Aquiles en la programación del Teatro Colón.
El tenor Ivan Magrì tuvo algunos problemas con su aria de entrada, "Quanto è bella, quanto è cara", que también las había tenido el día del estreno. Fue mejorando con el transcurrir de la representación cantando una muy meritoria "Una furtiva lagrima".
Posee una voz mas oscura y con mas volumen de los habituales “Nemorinos”, de hecho está cantando roles más pesados especialmente del primer Verdi. Afinado y con una correcta línea de canto poco contribuyó en la parte actoral.
Es para mí un misterio la contratación de la “soubrette” Adriana Kucerová, de magra carrera internacional, para la parte de Adina. Se la ve joven, bonita y desenvuelta, tiene un agradable timbre de voz pero carece de la línea necesaria, su voz no tiene el peso para una sala como la del Teatro Colón, y su exagerada desenvoltura en general molesta en lugar de hacer creíble su personaje. Poco admisible los cortes que efectuó en el aria “Prendi, per me sei libero” adaptándola a la extensión de su voz. Teniendo en el elenco a dos sopranos de notable nivel, Paula Almerares Y Jaquelina Livieri está contratación tiene poca explicación.
Giorgio Caoduro como Belcore tiene la apariencia para el rol y una voz de importante volumen, pero tiene notables problemas de afinación, una tendencia al grito que no necesita debido a su volumen y un vibrato bastante marcado. Poco aportó desde el punto de vista actoral.
Simón Orfila como Dulcamara fue sin dudas el mejor de los cantantes extranjeros contratados. Posee un hermoso timbre, cantó con excelente línea, aunque su voz no sea la más apropiada para el papel, donde graves mas rotundos son requeridos. A pesar de no ser para nada el típico bajo bufo que en general se hacen cargo del rol, se movió muy bien en escena, adaptando la caracterización del personaje a su físico y tipo de voz.
Y como siempre se afirma no existen roles pequeños para verdaderos artistas. Jaquelina Livieri logró “sacarle jugo a una piedra”. En sus pocas intervenciones, cantando con su hermosa voz y su talento para la actuación iluminó la escena. Cuesta entender como no le dieron ninguna función como Adina, su nivel artístico es altamente superior a la soprano titular…cosas del Teatro Colón.
Entiendo que muchos espectadores quedaran encantados con lo visual, aunque creo que la concepción monumental va totalmente a contramano de lo que pide esta opera, pero analizados fuera de contexto, dos de los cuadros fueron muy atractivos. Ahora sería interesante que cuando se proponen puestas más osadas o actuales que puedan desnaturalizar el título que se está brindando fueran tan benévolos como lo fueron en este caso. De lo vocal no hay mas nada que agregar, solo que es importante que se mire a los cantantes locales antes de contratar extranjeros de segundo o tercer orden.

Dr. Alberto Leal

 

L'elisir d'amore

Teatro Colón
Elenco alternativo

Opera cómica en dos actos de Gaetano Donizetti, con libreto de Felice Romani basado en el filtro de Eugène Scribe / Dirección musical: Francesco Iván Ciampa / Dirección de escena: Sergio Renán / Escenografía: Emilio Basaldúa /Vestuario: Gino Bogani / Iluminación: Sebastián Marrero / Diseño audiovisual: Alvaro Lun /Dirección de coro: Miguel Martínez / Elenco: Paula Almerares (Adina), Santiago Burgi (Nemorino), Omar Carrion (Belcore), Lucas Debevec Mayer (Dulcamara), María Victoria Gaeta (Gianetta) / Coro y orquesta estable. Teatro Colón

Donizetti es, contrariamente a los compositores contemporáneos de Operas un autor de melodías y de cantantes. Sus óperas son una sucesión interminable de melodías que se mantienen en el recuerdo, y que tienen la virtud de realzar el sentimiento de las situaciones que están siendo escenificadas. Difícilmente Donizetti con un buen libreto en las manos dejaba de componer una ópera memorable, y vaya si compuso óperas, unas 75 obras nada menos en sus escasos 51 años de vida, los últimos de los cuales afectados por el avance de la locura (cruda ironía en la vida del autor de una de las escenas de la locura más celebres de todo el repertorio operístico) derivada del proceso infeccioso por una enfermedad venérea que en sus años era mortal e incurable.
En su obra, además (valga la redundancia) la voz cantante la llevan los cantantes. La orquesta acompaña, comenta pero difícilmente llega a ser el centro de la acción. Y es lo que el público busca cuando va a una Opera: canto, y agregaría BEL CANTO.
ELISIR es una de las obras más emblemáticas de su estilo: una comedia simple, que por momentos es una finísima caricatura de TRISTAN E ISOLDA, con personajes queribles y con una riqueza melódica inusitada, además de contener una de las arias más famosas de todo el repertorio lírico italiano, conocida hasta por quienes jamás pisaron o piensan siquiera pisar un Teatro de Opera.
No es evidentemente ni una obra de directores orquestales ni de registas. Bastan que estén allí y no incomoden con ideas geniales que arruinen el suceso que de por sí está servido en bandeja si se cuenta con el elenco adecuado.
Es por eso que causó sorpresa que puesto a volver al escenario del Teatro Colón, el gran SERGIO RENAN lo hiciera con esta obra que en puridad no ofrece demasiadas posibilidades para su lucimiento y se temió por un momento que apareciera con una concepción
“creativa “ que acabara estropeando la fiesta.
No fue así y la grandeza de un artista se mide también por su humildad, por saber cuando es y cuando no es el centro de la atención, y aquí indudablemente la atención se centra en los cantantes, y de ellos depende casi exclusivamente el éxito o fracaso de la función. De modo que comenzaré precisamente por analizar la labor de los artistas que tuvieron a su cargo los papeles principales.
No he visto todavía el elenco de las funciones de abono con los artistas traídos del exterior, de modo que me limitaré a comentar lo que vi sin entrar en comparaciones que no puedo hacer a esta altura.
La verdad es que el COLON reunió un elenco de excelentes figuras que demostraron cabalmente que pueden representar una versión brillante de la Opera sin recurrir a ayudas del exterior. Y se me ocurren además toda una serie de nombres alternativos para los papeles que pudieron haber obtenido éxito en el reparto si hubiera que montar más de un elenco. Es realmente una pena que el Colón haya abandonado la práctica de realizar Temporadas de verano con uno o dos títulos, entradas populares ( ciertamente no a 1.870 pesos la platea como se cobraba por la función de ayer ), y elencos nacionales o a lo sumo regionales, que permitían seguir la carrera ascendente de los cantantes nuestros, y daba al público la posibilidad de entrar en contacto con títulos fundamentales de la lírica sin tener que desembolsar precios que sólo están al alcance de una elite.
Mucho se habla en estos momentos de cambiar el repertorio, hacer obras contemporáneas o versiones
“modernas “de las óperas clásicas para atraer públicos nuevos. Seamos coherentes y pensemos lo que decimos. En primer lugar las óperas contemporáneas (que está bien que se representen en la cantidad adecuada en la temporada principal) suelen ser un veneno en la boletería con el público evitando pasar por la vereda del Teatro el día que se representa una de ellas, o simplemente huyendo a casa en el primer intervalo.
Y fuera de los casos en que la regie con un buen sentido de la autopromoción provocó intencionalmente algún escándalo, las versiones revisionistas de las operas clásicas, con su ruptura de la lógica dramática, también lo son.
Nada de eso ocurrió aquí. El público pudo disfrutar de un bello texto musical y divertirse con sus ocurrencias oyendo de paso a varios de los mejores cantantes que tenemos en la lírica nacional y que de no mediar las actividades de las compañías privadas no oiríamos casi nunca.
Noche de gloria para SANTIAGO BURGI que seguramente no habrá podido conciliar el sueño con facilidad después de la estruendosa ovación que saludó su impecable enunciación de UNA FURTIVA LACRIMA y su saludo al final. Burgi es un joven valor que ha venido madurando en sucesivas interpretaciones en los Teatros complementarios y que de sobra se merecía esta oportunidad de cantar un protagónico en el escenario del Colón ( algún malvado agregaría que canta mucho mejor que PALITO ORTEGA que llegó allí antes que él ) Fue un Nemorino gracioso, romántico cuando necesario y totalmente en comando de la partitura, que en realidad no es especialmente dificultosa ya que no incluye ni coloraturas endiabladas ni notas extremas. Basta tener musicalidad y buen gusto, cosas ambas que Burgi demostró poseer en abundancia y poder cantar bellísimamente el aria, que es una gran responsabilidad porque todos la conocen y todos la han oído antes por grandes cantantes. Y en esto también se graduó cum lauda el joven tenor al que esperamos volver a ver pronto en el Colón y que esto no sea simplemente una golondrina que no hace verano.
PAULA ALMERARES está mucho más acostumbrada a ser ovacionada en el palco del Colón ( todavía resuenan en algún lugar del Teatro las interminables ovaciones que saludaron por ejemplo su excepcional MANON DE MASSENET, una de sus grandes composiciones escénicas en la cual dejó solamente con la duda de por que cantaba el elenco alternativo y no el titular, duda que últimamente se está repitiendo con exagerada frecuencia ) El papel es considerablemente más difícil que el de su galán, porque incluye abundantes sobreagudos y sobretodo una endiablada coloratura en el aria final IL MIO RIGOR DIMENTICA que causa justificado respeto a las cantantes que la encaran . Paula demostró estar en total comando de todos los recursos vocales requeridos y logró una gran labor. En tren de ser exigentes como ella se lo merece diría que algunos agudos tirantes evidenciaron los efectos del cambio de tesitura que está operando y que la llevará este año a encarar su primer DESDEMONA en el OTELLO de LA PLATA
OMAR CARRION es otro que está híper acostumbrado a las ovaciones del público del Colón. El papel de Belcore es de una engañosa facilidad, porque canta menos que los otros 3 protagonistas y no tiene notas extremas (de hecho el único sobreagudo que se oyó fue uno hábilmente interpolado por el barítono, que tiene una pasmosa seguridad en el registro agudo, con la cual ha impactado en sus personajes verdianos de los cuales es un eximio cultor). Pero tiene en cambio dos de las coloraturas más difíciles de ejecutar, comenzando por el aria inicial NON VA BELLA donde he visto sucumbir a algunos barítonos famosos o alternativamente simplificarla. Para Carrión, que optó en lo escénico por divertir y divertirse, puede decirse que vocalmente fue casi una noche de descanso, tal la facilidad conque sorteó las dificultades del papel.
LUCAS DEBEVEC MAYER volvió a lucir su importante voz de bajo, de timbre muy agradable y de un volumen respetable, e hizo una interpretación quizás demasiado directa pero en total acuerdo con la concepción de la regie.
Correcta MARIA VICTORIA GAETA en un papel muy pequeño para permitirle lucirse (en los grandes teatros la práctica usual es que la soprano que canta GIANNETTA sea cover de la que canta ADINA para el caso de que haya una sustitución de último momento)
Parejo rendimiento de orquesta y sobretodo coros, con una dirección irreprochable y en estilo.
Muy bonita la escenografía de EMILIO BASALDUA combinando eficazmente elementos reales con elementos virtuales. Yo personalmente le sacaría el cartel de PRODOTTI ADINA que para mi es horrendo pero es una cuestión de gustos personales.
Gustos personales que me llevan a ser menos entusiasta con el trabajo de SERGIO RENAN que el público presente en el Teatro que disfrutó visiblemente de la representación, rió copiosamente con cada una de las ocurrencias de la regie y cerró la noche con una cálida ovación.
Renán no hizo otra cosa que escoger una de las vertientes que ofrece el texto de DONIZETTI la de la comicidad, que para mí con todo fue demasiado farsesca, demasiado directa, y con una exagerada tendencia a tener a los actores dando saltitos, bailando.
Mi ELISIR es diferente y creo que la música de Donizetti me avala. Para mí ELISIR es una comedia de sonrisas y no de carcajadas y es además una comedia para todos menos para Nemorino que con su amor imposible y rechazado y su credulidad es un personaje dramático. La gracia de la obra para mí está en el contraste entre las dos situaciones, que aquí despareció.
De todos modos una buena versión de la obra y muy disfrutable de ver y oír una bienvenida ocasión de ver a los raramente vistos talentos nacionales.


LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD


LA TRAVIATA

OPERA EN 4 ACTOS DE GIUSEPPE VERDI- LIBRETTO DE FRANCESCO MARIA PIAVE BASADO EN LA DAMA DE LAS CAMELIAS DE ALEJANDRO DUMAS HIJO

ELENCO:
Violetta: MARÍA JOSÉ DULÍN
Alfredo: FERMÍN PRIETO
Germont: FERNANDO SANTIAGO
Flora: NORA BALANDA
Gastón: CRISTIAN TALEB
Barón: LEONARDO MENNA
Marqués: FERNANDO GRASSI
Doctor: MARIO DE SALVO
Annina: VANINA DE BONIS
CORAL ENSAMBLE y ORQUESTA del ENSAMBLE LÍRICO ORQUESTAL
DIRECCION MUSICAL- DANTE RANIERI
DIRECCION ESCENICA –RAUL MAREGO
AUDITORIO DE BELGRANO.

El ENSAMBLE LIRICO ORQUESTAL presentó en el AUDITORIO BELGRANO una excelente versión de LA TRAVIATA que sin exageración merece ser destacada entre las mejores que se han visto en BUENOS AIRES en los últimos años.
La versión se presenta nuevamente los dos próximos Domingos, el primero de ellos con cambios en el elenco, el segundo con el elenco del día del estreno. La versión es de un grado de calidad tal que no recomendarla sería un acto de egoísmo.
En primer lugar hay que destacar el magnífico trabajo de dirección musical de DANTE RANIERI, uno de los mejores tenores que ha generado la lírica nacional, que después de una aplaudida carrera se ha dedicado a la enseñanza y la Dirección {como Director de Orquestal. Ranieri es un artista sutil que conoce a fondo la partitura que está dirigiendo, hasta por experiencia propia como cantante). Logró de los sólidos conjuntos corales y orquestales de la Institución una ejecución impecable con momentos de gran brillo. Su experiencia como cantante además le permite conocer cuales son sus necesidades, logrando un perfecto equilibrio entre el foso y el escenario y creando un ambiente propicio para que cada uno de los solistas sacara a lucir sus mejores virtudes. Propició además una ejecución integral de la partitura abriendo cortes que por tradición se introducen a expensas de las intenciones originales de Verdi. Su presencia en el podio fue también notoria en cuanto a la preparación de los cantantes, que en varios momentos tuvieron detalles de sutileza en el uso de los pianísimos que con él eran una parte natural de todas sus actuaciones.
Tuvo una contrapartida excelente en la dirección escénica de RAUL MAREGO, brillante en la composición de los movimientos de conjunto pero por sobre todas las cosas atento a los detalles y profundizando en la composición de cada uno de los personajes y obteniendo de todos los solistas actuaciones dignas de una representación teatral en sentido estricto. .
Este a su vez tuvo un buen punto de apoyo en el escenógrafo DANIEL FEIJOO que logró sortear con ingenio las dificultades que plantea un escenario como el del AUDITORIO que no está preparado para acoger este tipo de espectáculos. Feijoo ideó con inteligencia una escenografía única que con muy leves modificaciones de detalle dieron los 4 ambientes de los 4 actos de la obra, con especial destaque por su buen gusto de las dos finales.
El vestuario de MARIELA DAGA fue lindo de ver y muy en carácter, salvo diría los dos primeros vestidos de la protagonista, que decididamente no la favorecieron.
Yendo a los intérpretes, todos los papeles complementarios a cargo de NORA BALANDA, CRISTIAN TALEB, LEONARDO MENNA, FERNANDO GRASSI, MARIO DE SALVO tuvieron un sólido rendimiento vocal y escénico proporcionando un marco ideal para el desempeño de los tres solistas principales.
FERNANDO SANTIAGO fue un impecable Germont, sobrio en lo escénico y con una voz totalmente solvente, hasta en la coloratura de la stretta final que esta vez no fue eliminada. FERMIN PRIETO fue un impactante Alfredo. Diría que hace muchos años que no escucho y veo un tenor en esta parte cantando y actuando en el nivel en que lo hizo.
Posee una voz de bellísimo timbre con un color oscuro muy agradable al oído, canta con pasión, se sobra para las notas (remató la caballeta del 2do. Acto con un contundente DO que pudo extender un poquitín más de lo usual gracias a la comprensión del Maestro de que ese es un momento para lucimiento del solista y que la orquesta debe esperarlo. Es además un actor perfecto. Se le augura una gran carrera.
MARIA JOSE DULIN tenía naturalmente el compromiso mayor en esta Opera que gira casi exclusivamente alrededor de ella. Como yo siempre digo: un mal barítono o un mal tenor pueden arruinar una versión de LA TRAVIATA, pero ninguno de los dos por bueno que sea puede salvarla. –felizmente aquí no hizo falta salvataje alguno. Dulin posee todas las características vocales que pide la obra : las tenues mezza voces del acto 4, la fuerza de los actos 2 y 3 y la coloratura del acto 1 , en el que remató la SEMPRE LIBERA y el acto con un esplendoroso MI BEMOL. Como actriz puede aún progresar Es muy expresiva facialmente y utiliza con talento los brazos, pero en algunos movimientos se la ve aun azorada o rígida. Nada que una frecuentación más asidua de la escena y de los directores que saben lo que hacen, no pueda corregir.
En suma una excelente versión de la popular Opera de Verdi, que no es bueno perderse y que puede ser vista sin pagar los 2.000 pesos la platea que andan cobrando en algún Teatro fuertemente subsidiado por el Estado.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

Muy buena versión de “Tosca” en la apertura de Temporada de Buenos Aires Lirica

 

“Tosca” (nueva producción escénica)
Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica Música de Giacomo Puccini

Teatro Avenida - Buenos Aires – Argentina – 30-5-15 Mónica Ferracani (Floria Tosca), Enrique Folger (Mario Cavaradossi), Homero Pérez –Miranda (Barón Scarpia), Enzo Romano (Sacristán), Christian Peregrino (Angelotti), Sergio Spina (Spoletta), Felipe Carelli (Sciarrone), Walter Schwarz (Carcelero) y Cecilia Arroyo (voz del pastor).

Director de Orquesta: Javier Logioia Orbe
Dirección Escénica y escenografía: Marcelo Perusso
Iluminación: Rubén Conde
Diseño de vestuario: Stella Maris Müller
Director de Coro: Juan Casasbellas
Directora del coro de niños: Rosana Bravo

Buenos Aires Lirica abrió su temporada 2015 con una lograda puesta de Tosca. Contó para ello con Javier Logioia Orbe al frente de la orquesta. Su versión – algo menos pasional que lo esperado – se mantuvo en estilo y fue superando con el correr de los actos algunos desajustes y problemas de afinación verificados en un comienzo. A partir del segundo acto su trabajo y el de la orquesta ganaron en intensidad, redondeando una plausible prestación. Eficiencia tanto en el Coro de adultos, dirigido por el maestro Casasbellas, como el de niños a cargo de Rosana Bravo. Marcelo Perusso brindó una puesta tradicional pero de gran belleza visual. Usó – y por momentos abusó – de las proyecciones, pero la generación de dos planos visuales, donde puede verse por ejemplo, cuando Cavaradossi es torturado, aumentó la intensidad del drama. No así la escena de la Cantata, que poco aportó argumentalmente pero generó colorido a un acto sórdido. Algunas concesiones, como la forma que Scarpia es asesinado, como otras son detalles que permitieron agudizar el drama. Muy bien resuelto el suicidio de Tosca. Todo acompañado de un hermoso vestuario, tanto por diseño como por combinación de colores de Stella Maris Müller y muy buena iluminación de Rubén Conde. En resumen, una de las mejores puestas y diseño escenográfico que he visto de Marcelo Perusso. Con una marcación actoral más intensa que lo habitual. Muy buen trabajo. Con un grupo de importantes cantantes, la mayoría con experiencia en sus roles, esta versión estaba asegurada. Mónica Ferracani es lo que podíamos llamar una “soprano todo terreno”. Pocos casos como el de ella que puedan cantar Traviata, Turandot, Macbeth, Butterfly, Tosca…etc. Y no en distintas etapas de su carrera, canta roles que van de soprano lírica a dramática en el mismo período. Y esta situación se mantiene desde hace años. Creo que además de poseer un instrumento privilegiado, su técnica ha sido el medio que le ha permitido concretarlo. Por supuesto su desempeño no es igual en todos los roles que aborda, pero es una garantía de - por lo menos – corrección en cualquiera de ellos. Su timbre y la densidad de su voz parece no ser la más adecuada para Tosca. Un centro con más cuerpo favorecería su trabajo. Te todas maneras comparando con su versión del Teatro Argentino del 2008 se puede notar importantes adelantos. Aquí sus graves sonaron más rotundos, con más cuerpo. Su sector agudo, que en general sonó algo estridente, luce más cubierto ahora. Y su musicalidad y afinación perfectas como siempre. Luego de un primer acto algo fría en lo actoral, compensó con creces en los actos posteriores. Fue brillante su segundo acto, tanto actuado como cantado. Supo sacarle jugo a su enfrentamiento con Scarpia valiéndose de un nuevo e importante sector grave y un temperamento acorde. Muy buen trabajo. Homero Pérez- Miranda es otro caso particular ya que canta alternativamente roles de bajo y de barítono. Luego de un poco audible primer acto con un “Te Deum” que impresionó poco – en gran parte por como fue planteado por Perusso, su segundo acto fue realmente magnífico. Su voz no será de las más bellas ni con más volumen y un timbre bajo en armónicos, pero cada una de sus frases fueron emitidas con una intensidad arrolladora. Impecable línea de canto y afinación, pero mucho mas importante, una excelente composición de un Scarpia por momentos maldito, por momentos lascivo, toda la gama de sentimientos quedaron a flor de piel. Ayudado además por su presencia física y su notable pasado de actor, su segundo acto será algo para atesorar. Enrique Folger, creo que el único que debutaba el rol, volvió a mostrar la belleza de su voz, la potencia de su volumen y su gran calidad como actor, sin dudas el mejor rol actuado de los tres principales. Tuvo algunos momentos de incomodidad vocal que seguramente se irán disipando a medida que pasen las funciones. Su canto no lució tan libre como habitualmente, aunque con notables matices, pero su salida arrastrado durante el segundo acto fue lo más conmovedor de toda la función. Cantó una notable “Lucevan le Stelle” y como siempre dejó todo en escena. Creo que los comentarios que se escuchan de un Otello no deben estar lejos. El color y volumen de su voz, su entrega y sus condiciones de actor lo ameritan. Muy buenos trabajos en los roles menores, notable Sergio Spina como Spoletta, por momentos logró traer a mis pensamientos al gran Nino Falzetti, también mostraron muy buen nivel Walter Schwarz como el carcelero, Enzo Romano como el Sacristán y la siempre imponente voz y presencia de Christian Peregrino como Angelotti. Excelente oportunidad para ver una muy buena versión de Tosca y lo que se puede lograr con artistas de nuestra región, que en general suelen ser más efectivos que importaciones inexplicables. A disfrutar señores!

por Alberto Leal

WERTHER
ELENCO TITULAR

OPERA EN 4 ACTOS DE JULES MASSENET
LIBRO DE EDOUARD BLAU, PAUL MILLIER Y GEORGES HARTMANN BASADO EN LA NOVELA DE GOETHE” LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER”

DIRECCION MUSICAL IRA LEVIN
DIRECCION ESCENICA, ESCENOGRAFIA, VESTUARIO E
ILUMINACION HUGO DE ANA
TEATRO COLON
(ELENCO TITULAR, DE LAS FUNCIONES DE ABONO)

El elenco titular (considerando como tal al que cantó las funciones de abono y el estreno) brindó una buena versión de la ópera aunque previsiblemente no alcanzó el nivel de excelencia próxima a la perfección que obtuvo el elenco alternativo, que cantó las extraordinarias y que comenté en una nota previa.
Dónde estuvo la diferencia ¿? En primer lugar, el tenor, que es el papel clave de la obra, no porque sea el personaje título sino porque canta casi todo el tiempo una partitura asaz exigente y agotadora y enfrenta fuertes demandas interpretativas.
MICKAEL SPADACCINI es un joven tenor de 30 años de edad que está comenzando a hacer carrera en Europa cantando en teatros de ciudades pequeñas un repertorio donde figuran papeles protagónicos de tenor en Operas italianas como LA BOHEME, CAVALLERIA, I PAGLIACCI, LA RONDINE y este año una incursión en dos papeles franceses CARMEN Y LOS CUENTOS DE HOFFMANN, esta última en una coproducción compartida por un grupo numeroso de pequeños teatros de provincia. Posee algunas cualidades que hacen prever una interesante carrera. Tiene una voz de volumen importante, un timbre muy agradable al oído, bellos pianísimos y agudos (abiertos, a la italiana) que producen impacto en el oyente. Tiene además una encomiable inclinación a interpretar con la voz y a actuar, si bien como actor todavía está dando los primeros pasos. Previsto originalmente para el elenco alternativo , tuvo que asumir el titular debido a la defección de RAMON VARGAS que nunca fue debidamente explicada al público que pagó para verlo, algo que hay que tener en cuenta para no cargar las tintas con sus limitaciones, que las tiene por cierto. No lo veo en su estado actual como el tenor adecuado para una obra refinada como Werther, donde a su canto generoso y seguro (más allá de que se tomó la libertad de incluir un portamento en el APELLE MOI que tiene que sonar de otra manera, casi como un disparo) le faltó delicadeza, sutileza. Y como actor se lo vio brusco confundiendo a menudo impetuosidad con violencia.
Con todo hizo vivir el personaje, permitió oír y apreciar la bella partitura de Massenet y dejó la convicción de que en el repertorio adecuado sería interesante volver a oírlo.
ANA CATERINA ANTONACCI está en el extremo opuesto de la carrera. Con 53 años actuales de edad ha sido durante varias décadas una artista de primera magnitud, cantando en los mejores teatros del mundo, aunque en general su repertorio ha estado compuesto de papeles más livianos en lo vocal, con lucimiento de una impecable técnica de coloratura.
Es innegable que exhibió todas las cualidades que han hecho de ella una gran artista, manejando con destreza recursos vocales que ya no son los del apogeo. En general tendió a desaparecer bajo la orquesta en muchos momentos y sus agudos acusaron una cierta tirantez pero fue la suya una versión más que encomiable. Como actriz hizo valer la experiencia de haber cantado en grandes teatros y con grandes registas.
La presencia de dos solistas con algunas limitaciones hizo que Levin tuviera que ser más cauto. Se lo vio mucho más atento a lo que ocurría en escena que la noche anterior, y cuidó muy bien de que en ciertos momentos la orquesta no sonara de la manera expansiva en que lo hizo anteriormente, con lo que se perdió algo de la fuerza expresiva musical de la obra.
El elenco deparó una gratísima sorpresa en la impactante SOPHIE de JAQUELINE LIVIERI, deliciosa de ver y oír como corresponde al personaje, pero exhibiendo una voz realmente importante que está pidiendo (no digo a gritos porque no grita, canta y cómo ¡!) compromisos mayores.
HERNAN ITURRALDE fue un convincente ALBERT dejando la impresión de que es poco papel para él. ALEXANDER VASSILIEV estuvo muy correcto pero no logró despejar la incógnita de su contratación para un papel tan pequeño, para el cual el Teatro tiene una lista de candidatos que supera la decena. FERNANDO GRASSI reiteró su muy convincente actuación como JOHANN y SANTIAGO BURGI divirtió y se divirtió con un desenvuelto SCHMIDT cantado con total solvencia vocal.
Excelente desempeño del coro de niños a quien omití mencionar en la nota anterior.

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

WERTHER

OPERA EN 4 ACTOS DE JULES MASSENET
LIBRO DE EDOUARD BLAU, PAUL MILLIER Y GEORGES HARTMANN BASADO EN LA NOVELA DE GOETHE” LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER”

DIRECCION MUSICAL IRA LEVIN
DIRECCION ESCENICA, ESCENOGRAFIA, VESTUARIO E ILUMINACION: HUGO DE ANA
TEATRO COLON

Los avatares de la programación han determinado que en todas las últimas óperas con doble elenco que ha presentado el Colón, yo que soy abonado de Domingos vea primero la función del Sábado con  el elenco de las funciones extraordinarias y más de una vez me ha ocurrido que la calidad del elenco de las extraordinarias coloque mis expectativas en un nivel tal de exigencia que  después el elenco titular no logra satisfacer. Mucho me temo que vuelva a ocurrir en este caso, porque la versión que se ofreció esta noche alcanzó un  nivel de perfección digno de los mejores momentos de este gran Teatro que no está pasando por uno de sus mejores momentos pero que de tanto en tanto revive y nos recuerda la grandeza  que alguna vez tuvo y que todos esperamos que recupere
En primer lugar una fabulosa dirección musical  de IRA LEVIN. Werther con sus momentos de grandes explosiones melódicas y emotivas en manos de la orquesta, que envuelven la participación de los cantantes, es el sueño de un director que quiere lucir a su instrumento. Siempre y cuando, claro está,  no tenga que andar calculando hasta donde se puede entregar sin  poner en evidencia limitaciones de su elenco solista. A cubierto  de esta limitación por la convocatoria de un elenco de figuras principales y comprimarias de gran solvencia vocal, Levin pudo por fin dar rienda suelta a la sonoridad y emotividad de esa gran Orquesta que ha venido perfeccionando desde que es su principal concertador, y que pasa por un excelente momento.
En segundo lugar la bella puesta de HUGO DE ANA, detallista en el marcado de los intérpretes y con una belleza visual a la altura de lo que se oía.
Y un elenco sin fisuras  que se dio lujos como tener a CECILIA PASTAWSKI,  FERNANDO GRASSI  e IVAN MAIER  en los papeles relativamente menores de KATCHEN, JOHANN y SCHMIDT. Destaco especialmente la enorme evolución que ha tenido Maier, tanto en lo vocal (su voz suena más redonda, no tan refugiada en el extremo agudo como en sus años iniciales) como en lo escénico.
CRISTIAN DE MARCO  fue un BAILLY impactante por la fuerza de su voz y la ductilidad actoral. Realmente hubiera sido una lástima no oírlo, ya que en principio estaba programado que todas las funciones las cantara el bajo ruso ALEXANDER VASSILIEV. De hecho una injusticia tremenda y un despilfarro de dinero teniendo un cantante local de este nivel para una parte que no es tan central, importar un artista extranjero para cantarlo.
CEM BERAN SERTKAYA trazó un buen retrato de su Albert, noble, contenido, emotivo servido con una buena voz que no obstante exhibe una cierta dureza en los agudos. Su escena con Werther en el 2do.acto, el final del mismo con  la frase clave IL L AIME y la escena de la entrega de las pistolas estuvieron magníficamente logrados. Es válido también en este caso preguntarse si no había nadie local que pudiera por lo menos cantar las funciones extraordinarias Ya que el papel, muy breve, no es especialmente dificultoso.
ORIANA FAVARO  fue una delicia irrestricta de ver y oír como SOPHIE
Gran impacto provocó la mezzo CLEMENTINE MARGAINE con una poderosa voz de mezzo que puede atreverse hasta con Wagner por el volumen que tiene, una extensión acorde con la partitura que es cantada por mezzos y sopranos, y una fuerte presencia escénica, arranco 3 ovaciones que interrumpieron la función en sus 3 solos iniciales del tercer acto.
Y que decir de GUSTAVO LOPEZ MANZITTI. Me causa indignación pensar que de no mediar la cancelación de Vargas al primer elenco y el desplazamiento del tenor de este elenco al primero para cubrir la vacante, no hubiéramos podido oír esta memorable versión del papel de manos además de un artista local, con todo lo que ello supone de limitadas posibilidades de aparecer ante el público. LOPEZ MANZITTI  nos tiene habituados a ser impecable en cada papel que encara, siendo un tenor particularmente versátil que ha cubierto papeles de los más diversos estilos y tesituras. Pero nunca hasta el presente había logrado una actuación arrasadora como esta donde brilló vocalmente  en un papel exigente como pocos y agotador , por la seguridad de sus notas, el volumen vocal, la extensión que lo mostró en absoluto dominio de graves y agudos y todavía dándose el lujo de colocar un smorzando en el último acto . Pero por si esto fuera poco dio un Werther emotivo, profundamente compenetrado con su personaje. Tuvo momentos de gran impacto. A mi hacía tiempo que un  tenor no me hacía derramar lágrimas en el final del acto 1, cuando comprende el destino que le espera (A VOTRE SERMENT RESTEZ FIDELE. MOI, JE MOURRAIS CHARLOTTE)
Su escena del tercer acto con Charlotte fue de una intensidad tal por ambos intérpretes que interrumpió la función, para desagrado de Levin, porque el público estalló en un sonoro aplauso. La  escena final entre ambos fue auténticamente desgarradora.
En suma una versión memorable, absolutamente lograda con excelentes dirección musical y escénica, un elenco de gran calidad desde el papel más pequeño y dos intérpretes que causarían conmoción en cualquier teatro del mundo.

LUIS G BAIETTI

Andrea Chénier (Umberto Giordano)

JUVENTUS LYRICA TEATRO AVENIDA
10/4/2015

Andrea Chénier, estrenada en La Scala en 1896 con gran éxito, es la única opera de Umberto Giordano que logró sobrevivir con el paso del tiempo. Con una hermosa música y un papel de tenor tentación para cualquiera de dicha cuerda, figura con bastante asiduidad en los teatros del mundo, no así en nuestro país donde no se da con frecuencia. La obra exige tres cantantes importantes y un gran número de comprimarios. Por eso es de destacar la valentía de Juventus Lyrica de poner esta importante obra en escena, quizás más apta para grandes teatros con otro tipo de recursos, abriendo la temporada.
El Maestro Antonio María Russo, como siempre, fue una garantía. Con tiempos bien elegidos, con un cuidado balance entre foso y escenario logró un muy buen rendimiento de la Orquesta. Lo mismo del Coro por él preparado en colaboración con Hernán Sánchez Arteaga.
Ana D’Anna, que aprecio en general su trabajo por su fidelidad al autor y a la época, no tuvo aquí un logro particular. Con un primer acto con demasiado movimiento escénico, confuso por momentos, pero demasiado veloz siempre, logró equilibrar a medida que pasaban los actos, pero con algunos errores imperdonables como la tocante escena de Madelón, donde su marcación estuvo totalmente contraría al texto cantado, pasando casi desapercibida una escena fundamental. Con una única escenografía de Gonzalo Córdoba, con algunas escenas logradas pero otras complicadas para los desplazamientos o no muy estéticas visualmente, pero con un más que agradable vestuario diseñado por la misma D’Anna – un logro aparte las curiosas y estéticas pelucas – la función se generó sin mayores problemas.
Juan Salvador Trupía Y Rodríguez fue sin dudar la figura de la noche y quien se llevó la más grande ovación del público. Con una voz de bellísimo timbre, excelente técnica y afinación, importante volumen, además de tener excelentes condiciones de actor, hizo pensar si esta puesta no tuvo que llamarse Carlo Gérard en lugar de Andrea Chénier. No fue una sorpresa en lo personal, ya que desde que lo vi, hace ya varios años, como Tonio en Pagliacci en el Teatro Roma, tuve en claro que estaba para otro nivel y para encarar una carrera internacional. Tuve la misma sensación que años atrás me ocurrió con López Linares y Veloz. Finalmente parece que le han dado el lugar que merece. Solo es de lamentar que cante nada más que una función más el día 16. Y creo que tiene todas las condiciones para cantar el “Escamillo” de la próxima puesta de Carmen de Juventus. Voz, físico y condiciones teatrales lo ameritan.
Sabrina Cirera, a quien admiro profundamente como artista, sigue fluctuando en distintos repertorios. Algunos le son totalmente afines a sus condiciones vocales, como Boheme, Oberto, Medea, logrando merecidos éxitos con ellos. No ocurrió lo mismo con Cavalleria y tampoco esta vez con su Magdalena de Coigny. Su voz sigue siendo la de una soprano lírica con más volumen y recursos de los habituales. Pero esto no la convierte en una soprano spinto o dramática que su rol en Andrea Chénier reclama. Cantó con gran sentimiento el aria” La mamma morta”, superando con habilidad un pequeño percance al final de la misma. Generó hermosos pianísimos y un canto siempre matizado. Y tengo bien en claro que no existen muchas posibilidades para los cantantes locales, teniendo que aceptar los roles que les ofrecen.
Cirera tiene temperamento, es una muy buena actriz y una voz inusual en volumen y extensión para una soprano lírica. Su centro y grave se escuchan mas contundentes que tiempo atrás, pero todavía no es el momento cantar una Magdalena donde graves y centro con mas cuerpo son requeridos. Creo que cualquier papel de lirico y los primeros Verdi, son lo más adecuados para su estado vocal actual. De todas formas su prestación fue valorable debido a su gran entrega y a sus condiciones escénicas.
Darío Sayegh, como Andrea Chénier, un papel que ha sido cantado por los más célebres tenores del mundo, mostró una voz importante. Su zona aguda suena tirante, forzada, pero su canto fue siempre afinado. En un papel que requiere condiciones actorales importantes su prestación en este campo fue casi nula, notablemente estático. Creo que debería rever su técnica, ya que su material vocal no es de los que abunden. Recuerdo haberlo visto en una función de Tosca de Juventus cuando comenzaba su carrera, acompañado de Haydee Dabusti y Ricardo Ortale. Me impresionó más que favorablemente, presentando una voz totalmente libre en el extremo agudo y un timbre con más punta, con más armónicos. Este fue mi comentario de esa función para la revista española Canto Lirico: “El tenor Darío Sayegh – de corta carrera - como Cavaradossi lució una voz de excelente timbre, muy buen volumen y extensión adecuada. Y cosechó un éxito personal. En la medida que adquiera más experiencia escénica, y su registro se torne algo más parejo podrá aspirar a una carrera de nivel internacional.”. Algo tuvo que suceder en su técnica para perder atributos que tenía varios años atrás. De todas formas encontré muy mejorada su afinación con respecto a “Manon Lescaut” y mostró su resistencia llegando en las mismas condiciones vocales al último acto, aunque el dúo no fue de lo más logrado de la función.
Del resto del numeroso reparto cabe destacar a Norberto Lara, con excelente timbre, técnica y condiciones actorales en los roles de El Increíble Y el Abate. El resto del numeroso elenco se desempeñó en general correctamente, con algunos casos que deberían ser revistos.
Por el bienvenido atrevimiento de Juventus Lyrica al poner en escena un título de notable dificultad, por la poca frecuentación del mismo y por algunos trabajos de excelencia este Andrea Chénier merece ser visto y disfrutar de una función donde – con independencia de los valores de cada interprete - todos dieron lo mejor de si.

Dr. Alberto Leal

VOTACION DE LOS CRITICOS
DE LA REVISTA TEMPORADA 2014.

EN MONTEVIDEO

ESPECTACULO : CARMEN ( STEFAN LANO / MARCELO LOMBARDERO )
DIRECCION MUSICAL : STEFAN LANO ( CARMEN )
REGIE : MARCELO LOMBARDERO ( CARMEN )
SOPRANO : EIKO SENDA ( ARIADNA AUF NAXOS )
MEZZO : LUISA FRANCESCONI ( CARMEN )- ADRIANA MASTRANGELO ( ARIADNA AUF NAXOS )
TENOR : ERIC HERRERO ( ARIADNA AUF NAXOS )
BARITONO : FEDERICO SANGUINETTI ( MANON LESCAUT )
BAJO – HOMERO PEREZ MIRANDA ( ARIADNA AUF NAXOS )
PERSONAJES COMPLEMENTARIOS : GERARDO MARANDINO ( CARMEN )

EN BUENOS AIRES

ESPECTACULO : MEDEA (SCHWARZMAN –JAUNARENA ) – REQUIEN (OSCAR STRASNOY – MATTHEW JOSELYN).
DIRECCION MUSICAL : ROBERTO PATERNOSTRO ( ELEKTRA )
DIRECCION ESCENICA : HUGO DE ANA ( MADAMA BUTTERFLY )
SOPRANO : SABRINA CIRERA ( MEDEA, OBERTO ) y MONICA FERRACANI ( MADAMA BUTTERFLY )
SOPRANO (extranjera) LINDA WATSON /MANUELA UHL ( ELEKTRA )
MEZZO (extranjera) JENNIFER HOLLOWAY (REQUIEM)
MEZZO : ADRIANA MASTRANGELO ( ADRIANA LECOUVREUR )
TENOR : ENRIQUE FOLGER – por toda la labor del año
BARITONO ( nacional ) – OMAR CARRION – por toda la labor del año y NAHUEL DI PIERRO ( DON GIOVANNI )
BARITONO (EXTRANJERO) AMBROGIO DI MAESTRI (FALSTAFF )
BAJO- LUCAS DEBEVEC ( EL BARBERO DE SEVILLA )- BARITONO/BAJO BUFFO (extranjero) – CARLO LEPORE ( EL BARBERO DE SEVILLA )
REVELACIONES : SANTIAGO BALLERINI ( ROMEO ET JULIETTE )JAQUELINE LIVIERI ( RIGOLETTO—LA BOHEME EN MONTEVIDEO ) POL GONZALEZ ( LOS CUENTOS DE HOFFMANN ) JUAN FONT ( LOS CUENTOS DE HOFFMANN )
MENCION ESPECIAL : LUIS GAETA ( EL BARBERO DE SEVILLA ) IVAN MEIER ( EL BARBERO DE SEVILLA ) LAURA POLVERINI ( ROMEO ET JULIETTE, DON GIOVANNI-T.APOLO ) SEBASTIAN ANGULEGUI ( DON GIOVANNI-T. APOLO)

FUERA DEL CIRCUITO OPERISTICO NORMAL:

ESPECTACULO - LUISA FERNANDA
DIECCION MUSICAL – GUSTAVO CODINA ( RIGOLETTO)
REGIE-ALEJANDRO CUESTA ( LUISA FERNANDA )
SOPRANO- HAYDEE DABUSTI ( DON CARLO, CAVALLERIA )
MEZZO.MARIA LUJAN MIRABELLI ( LUISA FERNANDA-CAVALLERIA )
TENOR FERNAN PRIETO) CAVALLERIA)
BARITONO – LEONARDO LOPEZ LINARES por toda la labor del año / ENRIQUE GIBERT MELIA ( LUISA FERNANDA )
BAJO : MARCELO OTEGUI ( DON CARLO )

COMO FUE EL AÑO 2014 EN LA OPERA

MONTEVIDEO

Montevideo vio 4 operas completas: LA BOHEME y CARMEN en el SODRE, MANON LESCAUT y ARIADNE AUF NAXOS en el SOLIS.

En LA BOHEME dos elencos de buenos cantantes lucharon contra una puesta “moderna” con algunos serios deslices de falta de coordinación con el libreto y contra una dirección musical brillante, rica en detallismos pero que fue impiadosa con el volumen orquestal. Destaco las interpretaciones de SANDRA SILVERA a quien se ve demasiado poco en los escenarios de Opera uruguayos, JUAN CARLOS VALLS, LEONARDO LOPEZ LINARES (un verdadero peché de richesse en un papel que no requiere una voz tan importante como la suya) y la impactante actuación de JACQUELINA LIVIERI una sensacional Musetta. Salvo López Linares fueron todos cantantes del segundo elenco, por lo que parece que en algo se asemeja el Sodre al Colón.
CARMEN tuvo una puesta talentosa y muy personal de MARCELO LOMBARDERO, que deslumbró a unos e irritó a otros. Contó con un buen elenco, que incluyó al menos tres actuaciones de gran nivel: la de la mezzo brasileña LUISA FRANCESCONI como la protagonista alternando con la muy buena (pero con algún problema de volumen vocal) DE MARIANA REWERSKI Y las desopilantes caracterizaciones de ANDRES PRESNO y sobretodo GERARDO MARANDINO como Remendado y Dancairo.
En el Solís se pudo apreciar a MARIA JOSE SIRI en un papel que estaba presto a estrenar en Europa en Teatros de Primera Línea. Lamentablemente se frustró el propósito inicial de darle un compañero del mismo nivel, como hubiera sido CARLO VENTRE por un problema serio de salud de este último. Se los había rodeado con un excelente elenco local para las partes menores, un vistoso vestuario que provenía de una MANON DE MASSENET colombiana y una regie que tuvo como siempre sus pros y contras, figurando en lugar prominente entre las ultimas la oscuridad total del escenario en el último acto que impidió apreciar en toda su valía la formidable interpretación de la soprano que otros públicos más afortunados pudieron ver sin restricciones lumínicas.
ARIADNE AUF NAXOS, pese a que atrajo poco público, desanimado por lo poco conocido del texto, fue el éxito artístico del año con dos formidables actuaciones de ADRIANA MASTRANGELO y sobretodo EIKO SENDA en deslumbrante estado vocal, amen de una muy disfrutable composición cómica de MARCELO OTEGUI como el Peluquero y un ERIC HERRERO que despachó con brillantez y seguridad el difícil papel del tenor.

BUENOS AIRES

Sufrió las bajas parciales del TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA que recién está saliendo de la grave crisis financiera que determinara la interrupción de la temporada 2013 y del TEATRO COLON que se mostró renuente a programar óperas de repertorio ofreciendo solo 5 títulos con variable fortuna, además de dos títulos de trabajos contemporáneos.
El ARGENTINO presentó LA ITALIANA EN ARGEL, una reposición del HOLANDES ERRANTE del año anterior, LA TRAVIATA y TOSCA. Estas dos últimas obviamente buscando restablecer la corriente de público hacia LA PLATA que estuvo alicaída.
LA ITALIANA tuvo una excelente dirección musical de SILVIO VIEGAS y una de las Régies modernistas de PABLO MARITANO que aquí por el carácter festivo de la Opera fue un verdadero logro, haciendo reír de buena gana con los anacronismos y las contradicciones, que en las óperas dramáticas son fuente de irritación. . Un elenco eficiente permitió ratificar el crecimiento interpretativo de SANTIAGO BALLERINI, al par que disfrutar del sutilísimo retrato de LUCIANO MIOTTO y muy buenos trabajos e JUAN PABLO LABOURDETTE, ROCIO ARBIZU y MARIANA REWERSKI
No vimos EL HOLANDES que era prácticamente la misma versión ya ofrecida con la importante adición de ENRIQUE FOLGER en el papel de ERIK.
En LA TRAVIATA una excelente dirección musical de CARLOS VIEU Y una puesta antojadiza y discutible de WILLY LANDIN sirvieron de marco a una Violetta de gran fuerza como la soprano ELISABETH BLANCKE BIGS, reciente LADY MACBETH en el Solís y en Chile, y la esperable lección de canto verdiano de OMAR CARRION. En funciones alternadas se pudo oír por fin en un papel principal a la joven soprano MARINA SILVA
TOSCA volvió a contar con una muy buena dirección musical de CARLOS VIEU y una regie desconcertante que alternó momentos muy interesantes con el uso de 4 pantallas LED, con otros desconcertantes como el abusivo uso de la mesa de Scarpia como si fuera un tinglado. Utilizo con inteligencia el recurso del LED para dar con magnificencia los ambientes en que se desarrolla la acción, pero afeó notablemente el recurso al incluir proyecciones adicionales que poco contribuyeron al drama. Por otra parte al menos en 2 de las 3 funciones que vimos los computadores fallaron y durante largos minutos no hubo proyección que acompañara la acción.
Lamentablemente la cerrada negativa de una de las sopranos a arrojarse al suelo en el final, obligó a fabricar un final que resultó el colmo de lo ridículo. La buena señora ascendiendo al cielo y sacudiendo las alas como un angelito. Vocalmente fue en general satisfactoria (aunque creemos innecesarias las contrataciones de cantantes extranjeros que poco aportaron en comparación con un elenco local) sin grandes destaques salvo la constatación de que a esta altura de su carrera LUIS GAETA aún puede sin inconvenientes encarar el Scarpia y además hacerse oír en el TE DEUM, ayudado eso si por la directora que por lo visto entiende de canto y colocó siempre a los solistas adelante del escenario, no atrás del todo como ha sido la tendencia en los últimos tiempos. Y un notable trabajo, detallista de SANTIAGO BURGHI como Spòletta y un muy buen trabajo de Hernán Iturralde como Scarpia en el primer elenco.
EL COLON presentó EL BARBERO DE SEVILLA en una versión mancillada por una puesta que se ocupó casi exclusivamente de atender el ballet que contra todo sentido agregó y descuidó a los solistas librados a su propia suerte, y un elenco donde los locales una vez más superaron a los importados con actuaciones excelentes de OMAR CARRION IVAN MAIER y LUCAS DEBEVEC MEIER y donde LUIS GAETA hizo un gran Bartolo, pero tenía como rival nada menos que al desopilante CARLO LEPORE, la gran figura del primer elenco.
Siguió luego un IDOMENEO que pasó sin pena ni gloria con una buena dirección musical y una regie pedestre, donde el gran destaque fue la ELEKTRA de EMMA BELL.
REQUIEM fue la siguiente propuesta, aquí si un trabajo contemporáneo de Oscar Strasnoy, encargado por el Teatro Colón. Basada en la novela de William Faulkner,
atrapa primeramente desde lo argumental, pero la música de Strasnoy contribuye a la creación de climas propicios. Con un excelente grupo de cantantes-actores, una regie clara en ideas de Matthew Joselyn, a quien pertenece también el libreto, perfecta escenografía y vestuario, fue una grata experiencia, un trabajo digno de verse. Del eficaz elenco descolló la mezzo JENIFER HOLLOWAY.
Pasamos luego a un FALSTAFF visualmente pobre pero bien concertado y – al f in- con una gran figura digna de los años de oro del Colon, AMBROGIO MAESTRI un Falstaff monumental muy bien acompañado por el cada vez mas destacado FABIAN VELOZ como Ford.
Se pasó luego a una ELEKTRA con un muy buen reparto con destaques para LINDA WATSON en el papel título y la Crisótemis de MANUELA UHL muy bien apuntaladas por HERNAN ITURRALDE y ENRIQUE FOLGER en los papeles complementarios. Una regie insípida, librando a los cantantes a su suerte, sin marcaciones concretas y una dirección musical que hizo valer al texto de Strauss pero no fue muy contemplativa con el volumen vocal de sus cantantes. Y por último tuvimos MADAMA BUTTERFLY con una gran regie de HUGO DE ANA y una muy buena dirección de IRA LEVIN nuevamente no muy contemplativo de los cantantes, sobretodo con el elenco importado, ya que los intérpretes presentaban voces pequeñas. Brillaron las interpretaciones de ENRIQUE FOLGER una verdadera maravilla vocal y escénica, y el gran trabajo de MONICA FERRACANI en la mejor interpretación que le hemos visto, más allá de algún agudo tirante. En el primer elenco no estuvo mal la soprano LIANA ALEKSENYAN, que dio una versión sentida con una voz muy lírica para la parte y escaso volumen. Y brilló el barítono IGOR GOLOVATENKO, el único de los cantantes importados que posee una voz como para cantar en un Teatro de las dimensiones del Colón.
COMPANIAS PRIVADAS

BUENOS AIRES LIRICA abrió fuego con una ANNA BOLENA con buenas actuaciones de MACARENA VALENZUELA y FLORENCIA MACHADO , ninguna de las dos en propiedad dueñas de la voz requerida por sus papeles que son demasiado pesados para ellas, pero con una gran solvencia musical y gran entrega expresiva (sobre todo en el caso de Machado). Lamentablemente la regie es del género insoportable. Y tiró abajo el espectáculo, salvo la escena final que tuvo una magnifica concepción, que prueba lo mucho que el director sabe de teatro y lo que podría alcanzar si sólo se propusiera servir a los textos en lugar de servirse de ellos.
JUVENTUS inauguró su temporada con un RIGOLETTO con varios repartos. En el que vimos, lo más impactante fue la notable Gilda de JAQUELINA LIVIERI junto a un Rigoletto aún en formación de CRISTIAN MALDONADO y una excelente producción escénica y dirección musical. Siguió luego la ADRIANA LECOUVREUR con lucimiento de la mezzo ADRIANA MASTRANGELO y magníficas creaciones de CHRISTIAN PELLEGRINO y OMAR CARRION en los papeles complementarios. Y una gran puesta en escena de CRYSTAL MANICH
JUVENTUS presentó luego una estupenda MEDEA con muy buena dirección orquestal de HERNAN SCHWARZMAN y escénica de MARIA JAUNARENA con un gran trabajo de SABRINA CIRERA bien acompañada por DARIO SCHMUNK que lamentablemente cantó una sola función.
Buenos Aires Lírica volvió con un DON GIOVANNI excelentemente dirigido por PEDRO PABLO PRUDENCIO y una regie deconstructivista de MARCELO LOMBARDERO que tuvo grandes momentos pero también de los otros. El elenco masculino con NAHUEL DI PIERRO como protagonista, IVAN GARCIA como su Leporello y SANTIAGO BURGHI como Don Ottavio superó ampliamente al sólo correcto elenco femenino.
Mas osada aun fue la adaptación de Don Giovanni que fue ofrecida en el teatro Apolo, con recitativos traducidos al español y hablados en vez de cantados y cortes varios en la partitura (las mas lamentables el " il mio tesoro “, y el “non mi dir “que por otra parte no figuran en la versión estrenada de la opera, siendo agregados posteriores )
Muy buen elenco presidido por una agotadora versión, excelentemente actuada y cantada del protagonista en manos de SEBASTIAN ANGULEGUI
Con JUVENTUS se pudo disfrutar después de LES COMTES D/HOFFMANN muy bien dirigida musicalmente por ANDREA DOS SANTOS, con una muy buena regie de ANA D ANNA. Apabullante creación de ENRIQUE FOLGER bien apuntalado por LAURA PISANI como Olimpia, JUAN FONT, en los papeles breves de barítono), POL GONZALEZ (PESE A LO EXAGERADO EN SU COMICIDAD) como los cuatro demonios Y GRISELDA ADANO como NICKLAUSE.
BAL presentó una muy buena versión de ROMEO ET JULIETTE con una excelente pareja protagonista: ORIANA FAVARO y sobretodo SANTIAGO BALLERINI, y una regie que trabajaba en contra, en su afán por convertir la Opera en otra cosa con sus carteles de neón y sus bailarinas de can can.

HUBO ALGUNAS FUNCIONES EXTRAORDINARIAS de Agrupaciones fuera de las Compañías que usualmente presentan Opera en el Avenida.
ENSEMBLE LIRICO presentó una versión escenificada de su CARMEN de concierto del año pasado donde volvieron a brillar ENRIQUE FOLGER , uno de los mejores Don José del mundo en estos días y MARIANA REWERSKI.
También, como CARMEN, hemos podido asistir a una lograda versión abreviada de PORGY AND BESS de George Gershwin, en versión para Jazz Band, en el Auditorio de Belgrano. Aunque el tamaño de la sala no sea el más adecuado para esta versión, fue un espectáculo de calidad, destacándose el trabajo del Maestro GUSTAVO CODINA y los excelentes desempeños vocales de MARIO DE SALVO, JUAN SALVADOR TRUPIA Y CECILIA LAYSECA.

La CIA. Lírica Giuseppe Verdi presentó el estreno argentino de OBERTO DE VERDI, bien dirigida e interpretada con un punto alto en SABRINA CIRERA.

Y REPRESENTACIONES DE ELENCOS REUNIDOS AD HOC PARA UNA UNICA FUNCION

La más ambiciosa fue un DON CARLO en el Teatro Avenida, muy perjudicado por la defección de última hora del director orquestal y del tenor que, traído de Italia, se comprobó no era adecuado para cantar un papel tan difícil en una sala de las proporciones del Coliseo. La función permitió apreciar excelentes interpretaciones de HAYDEE DABUSTI repitiendo su actuación en el papel en Rosario, LEONARDO LOPEZ LINARES y MARCELO OTEGUI. Con una ANNABELLA CARNEVALI excelente en toda la obra pero con algunas leves dificultades con ciertas notas agudas.
CAVALLERIA RUSTICANA ACOMPAÑADA AL PIANO con buenas voces y una regie imposible, al par que una actuación memorable, de impactante dramatismo
de HAYDEE DABUSTI en lo que fue su actuación mas sentida de los últimos años lo cual no es decir poco.
Pocos días después se presento CAVALLERIA RUSTICANA en el Jockey Club , pero con la gran ventaja de no tener regisseur, que contó con dos trabajos sólidos de FERMIN PRIETO como Turiddu y MARIA LUJAN MIRABELLI una auténtica experta en el papel que ha cantado en diversos teatros y que dio una interesante composición de una Santuzza más entera, vengativa.
Por último hubo un RIGOLETTO organizado para homenajear a DANTE RANIERI en un aniversario de su carrera, intención que se vio parcialmente frustrada cuando el maestro enfermó y tuvo que ceder el podio a GUSTAVO CODINA. Deslumbrante actuación de OMAR CARRION que dictó cátedra de canto verdiano y un muy buen Duque de Mantua de LEONARDO PASTORE QUE LAMENTABLEMENTE SE RETIRA DEL GÉNERO.
Y en el off del off una versión algo amateur de ANNA BOLENA en el TEATRO DE LUZ Y FUERZA, con una interesante interpretación protagónica de MARIA DE ORLEANS una soprano con una asombrosa extensión vocal que bien orientada y dirigida puede llegar a dar que hablar en el futuro.
Se vieron 2 zarzuelas:
LUISA FERNANDA ( OTRA VEZ ¡!!) EN EL Avenida con una muy buena producción y especial lucimiento del terceto protagónico integrado por MARIA LUJAN MIRABELLI, LAURA RIZZO y sobretodo ENRIQUE GIBERT MELIA en una soberbia interpretación
Y una versión amateur LOS GAVILANES con gran lucimiento de LEONARDO LOPEZ LINARES y una valiosa interpretación de la soprano ROCIO CERECEDA

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