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FIDELIO

OPERA EN DOS ACTOS DE LUDWIG VAN BEETHOVEN
LIBRETTO DE JOSEPH SONNENLEITHNER
CORO Y ORQUESTA DEL TEATRO COLON BAJO LA DIRECCION MUSICAL DE FRANCISCO RETTING
REGIE, ESCENOGRAFIA, MULTIMEDIA Y VESTUARIO DE EUGENIO ZANETTI
TEATRO  COLON- FUNCIONES DE LOS DIAS 21  (EXTRAORDINARIA) Y 22 (ABONO VESPERTINO)

Fidelio es una ópera que ocupa un lugar muy especial dentro del repertorio operístico. En primer lugar porque es la única Opera que compuso Beethoven, existiendo tres versiones : la estrenada en Viena en 1805 y que a veces se representa adjudicándole incorrectamente el título de LEONORE para diferenciarla, la estrenada en 1806 revisando el texto original que de tres actos pasó a tener solamente dos y la versión  final estrenada en 1814 donde se incluyeron textos adicionales de Stephan von Breuning
FIDELIO, OPERA EN DOS ACTOS DE LUDWIG VAN BEETHOVEN
LIBRETTO DE JOSEPH SONNENLEITHNER
CORO Y ORQUESTA DEL TEATRO COLON BAJO LA DIRECCION MUSICAL DE FRANCISCO RETTING
REGIE, ESCENOGRAFIA, MULTIMEDIA Y VESTUARIO DE EUGENIO ZANETTI
TEATRO  COLON- FUNCIONES DE LOS DIAS 21  (EXTRAORDINARIA) Y 22 (ABONO VESPERTINO)
Fidelio es una ópera que ocupa un lugar muy especial dentro del repertorio operístico. En primer lugar porque es la única Opera que compuso Beethoven, existiendo tres versiones : la estrenada en Viena en 1805 y que a veces se representa adjudicándole incorrectamente el título de LEONORE para diferenciarla, la estrenada en 1806 revisando el texto original que de tres actos pasó a tener solamente dos y la versión  final estrenada en 1814 donde se incluyeron textos adicionales de Stephan von Breuning
Recibida con poco entusiasmo en su versión inicial fue luego convirtiéndose en un éxito y es hoy la Opera nro.34 entre las 100 más representadas en los Teatros de Ópera y la 5ta.  del repertorio alemán.
En cierto sentido la obra resume la evolución musical del genio de Beethoven y  la historia de la Opera alemana. Se inicia como un amable singspiel con fragmentos hablados y cantados, va adquiriendo fuerza dramática en un magistral 2do. Acto y culmina en una desbordante cantata al estilo de lo que sería el movimiento final de su 9ª. Sinfonía.
No es una Opera difícil de representar desde el punto de vista de la producción  escénica dado que debido a su ambientación  en una cárcel y en las mazmorras de la misma no tiene grandes exigencias en materia de decorados.
Es en cambio una Opera difícil de representar en lo musical y dramático.  Beethoven es muy exigente con su soprano y con el tenor y hay varios otros papeles en apariencia menores pero que no son nada fáciles de encarar.
LEONORA  ha sido un rol favorito de todas las grandes sopranos dramáticas alemanas de la historia. Son muy recordadas las interpretaciones de BIRGIT NILSSON, KIRSTEN FLAGSTAD, MARTHA MODL, ASTRID VARNAY, EVA MARTON, GUNDULA JANOWICZ, SHIRLEY VERRETT en su etapa de soprano. Requiere una gran voz con una extensión inusual, muy exigida en los graves pero con una agotadora sucesión de agudos en la escena final. Es necesario además que quien la cante sea una gran actriz.
FLORESTAN es también un papel arduo de cantar, desde la primer palabra que canta  GOTT ¡! (DIOS)  que JON VICKERS  inmortalizó cantándola pianísimo, seguida de un aria de creciente dificultad que culmina con una sucesión de agudos incómodamente acelerados que han creado problemas a varios de los mayores cantantes del mundo.
 
Y los otros papeles no le van en zaga.
Pero además FIDELIO es un glorioso canto a la libertad, a la resistencia al odio y la opresión, un tema que es atemporal y puede tocar el alma de públicos de las más diferentes épocas y lugares.  De hecho en el Colón hubo hace unos años un grave problema que casi llevó a la prohibición de la Opera cuando el regisseur contratado quiso incluir en escena militares con ropas actuales muy parecidas a las de nuestro ejército y detenidos con la cabeza cubierta por capuchas. Todo ello bajo el gobierno de Videla.
Simbólicamente fue la Opera elegida por la STAATSOPER WIEN  para inaugurar la reconstrucción de su sala en 1955, 10 años después de su destrucción total durante un bombardeo norteamericano que según se alegó confundió el techo de la Opera con  el techo de una estación de ferrocarril.
El Colón se había rodeado de un elenco importado en los tres principales papeles (soprano, tenor, bajo) y había previsto un elenco nacional para las extraordinarias.
Pero las cosas no funcionaron según lo previsto y a poco de iniciarse los ensayos la soprano alemana que recientemente había protagonizado una muy buena Kundry en Parsifal, tuvo que desistir de cantar el papel cuyas exigencias agudas la superaban. Las funciones de abono fueron fáciles de resolver porque el elenco de las extraordinarias estaba encabezado por CARLA FILIPCIC HOLM, una gran soprano dramática hecha a la medida para este papel, que sólo por una de esas injusticias que a menudo se cometen, no figuraba en los planes iniciales como cabeza del elenco  principal. El problema era conseguir con tan breve anticipación (la Opera ya estaba siendo ensayada) una cantante que se atreviera a aprender el papel en el escaso tiempo que quedaba  y que tuviera los atributos vocales y dramáticos requeridos. El Colon  tuvo suerte porque encontró a SABRINA CIRERA , una brillante soprano lírica con  algo más, que ha venido especializándose en papeles dificultosos en los teatros del off, y ha podido entonces unir lo útil a lo agradable y reparar una injusticia que clamaba al cielo y programar finalmente el debut de Cirera en la sala, en la cual espero se la vea a partir de ahora con la frecuencia que merece.
CARLA FILIPCIC  previsiblemente hizo una Leonora de excepción porque lo posee todo para cantar y actuar la parte, dominio del alemán, una bellísima voz de timbre oscuro que desciende con facilidad a los graves y se remonta con total seguridad a los agudos, un volumen vocal que desafía a la orquesta y a los coros, bellísimos pianísimos en los momentos en que son requeridos. Y cabe elogiar a los vestuaristas que supieron diseñar ropas que fueron amables con la figura de la cantante, que no es fácil de vestir..Una Leonora en suma digna de las ovaciones que recogió  y que debería pasearse por los teatros del mundo porque no hay muchas sopranos capaces  de cantar este difícil papel en ese nivel.
SABRINA CIRERA a su vez tuvo un debut consagratorio. Gran música, con toda la extensión requerida pese a ser esencialmente una soprano lírica con color vocal de tal,  excelente actriz fue la suya una gran interpretación, que seguramente crecería en lo dramático si hubiera una frecuentación posterior del papel, pero quien sabe cuando el Teatro Colon tan reacio últimamente a presentar óperas tradicionales, volverá a incluirla en  sus elencos.
Los dos tenores tuvieron pasajera dificultad en la difícil culminación del aria con  sus agudos obligato  Pero ENRIQUE FOLGER  deslumbró con su bellísima voz de coloración baritonal, su puntillosa musicalidad y su tremenda fuerza expresiva
ZORAN TODOROVICH  dio una versión muy correcta del papel pero su voz es menos agradable al oído (quizás por los años de carrera) y su interpretación, correcta, no llegó a conmover. Folger debió ser primer elenco, sin duda.
Marcelina es un papel traicionero en su aparente simplicidad. El Colón tuvo dos muy buenas sopranos lírico ligeras con toda la extensión y el volumen necesario para hacerse oír en los conjuntos. Ambas además muy buenas actrices .JAQUELINA LIVIERI tiene una voz realmente importante que ella maneja admirablemente, con  un centro de gran sonoridad que hace pensar que dentro de unos años estará cantando bien otro repertorio. CARLA PAZ ANDRADE estuvo deliciosa, muy musical y muy desenvuelta como actriz.
SANTIAGO BURGI Y SERGIO SPINA tuvieron que luchar contra la apariencia física que la regie decidió que tuvieran, con un delantal largo que más parece una falda y una corona de laureles ridícula en la cabeza. Ambos cantaron bien el personaje que no ofrece grandes dificultades. Burgi pareció más cómodo escénicamente interpretando al joven enamorado de Marcelina.
MANFRED HEMM Y CARLOS ESQUIVEL  fueron  ambos muy sólidos Rocco. Esquivel exhibió  una voz más importante y Hemm mayor experiencia y flexibilidad con  el papel especialmente en la parte recitada.
LEANDRO ESTEVEZ  fue un   Pizarro sonoro, algo exigido en la zona aguda y HOMERO PEREZ MIRANDA impresionó por la potencia de su registro central pero desfalleció  y fue cubierto por la orquesta   en graves y agudos extremos.  Actoralmente Pérez Miranda logró una gran composición de su malvado personaje, que en sus manos pareció un sibarita de la crueldad.
Sólida presencia de ALEJANDRO MEERAPFEL  como Don Ferrando portador además de uno de los más bonitos acentos alemanes del elenco. Una creación memorable de HERNAN ITURRALDE que recuerda a versiones gloriosas en las que este pequeño papel por su importancia era encarado por grandes divos como PREY Y FISCHER DIESKAU
Excelentes los 4 prisioneros JUAN GONZALEZ CUETO Y SEBASTIAN ANGULEGUI  en el abono y  FERMIN  PRIETO Y LEONARDO FONTANA  en la extraordinaria.
Una gran noche del coro masculino que sonó glorioso en sus dos intervenciones. Es evidente que ha habido una gran renovación de integrantes y que los  nuevos no sólo cantan maravillosamente  bien sino que además  actúan.
La orquesta no estuvo en una de sus mejores tardes, especialmente en la función extraordinaria en la que se notaron algunos desajustes serios en los cornos. Además el director privilegió tiempos lentos que quitaron vitalidad al primer acto. Felizmente el 2o. acto apenas terminada la obertura Leonora 3 adquirió bien otra fuerza.
EUGENIO ZANETTI  tuvo buenas marcaciones para con los intérpretes solistas, totalmente en consonancia con la acción. Sucumbió en cambio a su inclinación por la grandilocuencia gratuita incluyendo una serie de escenas que bordearon el ridículo por lo kistch y la escasa o nula adecuación a la letra de la obra.,
Si ya en DON CARLO se hacían notar algunas exageraciones en el recargamiento visual, en Fidelio que no ocurre en una fastuosa corte sino en el vientre del absolutismo los excesos visuales trabajaron en contra de la versión  

LUIS G BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN  THE WORLD

LA BOHEME- TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
SEGUNDO ELENCO

Una alegría ver el Teatro Argentino de la Plata nuevamente repleto en todas su localidades (de hecho en la función del Domingo con el elenco titular, hubo localidades agotadas. Una prueba de que el público sabe lo que quiere y que no es programando títulos elitistas como el 50% de esta temporada que lo van a traer de vuelta.
Yo recuerdo las épocas no tan lejanas en que bajo la administración del maestro Cenzabella el Argentino fletaba 4 y 5 ómnibus desde Buenos Aires y las funciones de fin de semana agotaban siempre las localidades. El teatro en épocas recientes pareció empeñarse en una campaña exitosa para alejar al público. Yo he llegado a ser en dos funciones el único que compro pasaje en el ómnibus y a haber sido llevado en un coche remise para reducir la pérdida.
Había causado alarma el escaso público de las dos primeras funciones, pero apenas fue funcionando el boca a boca de los espectadores, y tan pronto como se conocieron las críticas de los pocos órganos de prensa que le dedicaron atención al espectáculo ( OPERA IN THE WORLD fue uno de ellos y creemos que nuestro comentario francamente favorable tuvo mucho que ver en la reacción del público dada la amplia difusión que tuvo generando el mayor número de visitas a la página de los últimos tiempos ) se produjo un vuelco en la situación, al punto de que es una pena que no haya más funciones previstas porque volverían a agotar las localidades. Se habla y ojalá se concrete de hacer circular la versión por Teatros de las ciudades de la Provincia que dispongan de escenarios adecuados para ello, lo cual sería una doble justicia. Para los cantantes porque les proporcionaría mayores oportunidades de trabajo y una chance muy bienvenida de madurar en sus partes.
Y para los ciudadanos de dichas ciudades, que contribuyen con sus impuestos a mantener el Teatro de la –capital de la Provincia del cual pueden enorgullecerse pero que muy poco disfrutan.
Este elenco tuvo como atracción principal la excepcional Mimi de MARINA SILVA en una actuación que seguramente la promoverá al equipo de primeras cantantes del medio. Por primera vez cantando un papel que cae 100% en su registro vocal, Marina hizo gala de una potente voz de soprano lírica con un fuerte y sólido registro central, que llega con facilidad al grave y de bellísimos pianísimos que sabe usar como arma expresiva. –fue una gran Mimi, digna de ser lucida fuera del país. La voz de Marina está pidiendo Colón. Espero que le llegue.
Interpretativamente yo diría que logró un menor grado de compenetración romántica con su Rodolfo, por lo que sus escenas de amor tuvieron algo menos de emotividad. La escena de la muerte, en cambio, con una marcación bien diferente que la mostró más debilitada en los momentos previos, resultó más creíble si bien se repitieron el vestido y el maquillaje inadecuados.
UN LUJO PARA EL TEATRO ARGENTINO TENER DOS MIMí DE ESTE NIVEL.
Son increíbles los progresos que ha hecho JUAN CARLOS VASALLO. La naturaleza le ha dado una voz (y un físico) difícil de manejar. –como decía un gran barítono internacional hablando de su propia voz : es más difícil maniobrar un camión con acoplado que un Fiat 600- Vasallo tiene una voz importante con un registro de lírico spinto que le ha permitido encarar papeles como MANRICO, OTELLO , DON JOSE ( desgraciadamente lo vi enfermo ) decorosamente sin pecar por falta de recursos naturales. Pero ha tenido que luchar arduamente con la emisión, una tendencia a cantar fuera de tono que era muy audible en sus primeras apariciones, y una carencia de recursos actorales casi total. Aquí asombró por su grado de entrega emotiva, por su expresividad facial y de los movimientos de los brazos (el tronco aún resta algo rígido en los movimientos) por la afinación y por el uso inteligente de los pianísimos. Es una lástima el accidente con el DO del aria, que ha intimidado a muchos tenores y que yo atribuyo más a nerviosismo que a otro factor. Al final del acto, prudentemente escogió no hacer el agudo optativo junto con la soprano dejando esa responsabilidad sólo en las manos de Marina, que cumplió. Pero interpoló un agudo impresionante en el final del acto 2, que no recuerdo haber oído antes.
CONSTANZA DIAZ FALU sacó muy buen partido de una voz de soprano ligera de bellísimo timbre y fácil agudo, que a priori parece de poco volumen pero que se oye perfectamente en los concertantes. Una muy buena Musetta, pese a la marcación que tuvo en su escena la gafe más digna de ser objetada. En efecto, en lugar de lo que pide Puccini que es que Musetta arme un escándalo para atraer la atención de Marcello que se finge indiferente, el regisseur optó por hacerla embestir directamente contra la mesa del grupo arrojando por el aire los platos y el pollo que estaba servido. Un exceso, que contradice el espíritu de la escena pero que no llegó a empañar una regie que tiene muchísimo más para aplaudir que para criticar.
GUSTAVO GIBERT fue un sólido Marcello, muy bien interpretado. ALBERTO JAUREGUI LORDA sonó y lució demasiado señorial para el papel de Schaunard, que cantó y actuó con total corrección.
Y las interpretaciones de FERNANDO ALVAR NUÑEZ Y LUCIANO MIOTTO fueron un placer aparte que dejó con gusto a poco a los que los vimos.

Luis Baietti
Exclusivo para operaintheworld

“La viuda alegre”, opereta en tres actos.

Juventus Lyrica – Teatro Avenida.
Libreto: Víctor León y Leo Sean.
Música: Franz Lehár.
Director musical: André Dos Santos.
Directora escénica escenografía y vestuario: Ana D’Anna.
Cantantes: Maria Goso, Ernesto Bauer, Ivana Ledesma, Duilio Smiriglia , Carlos Kaspar, Norberto Lara y elenco.
Coro de Juventus Lyrica (director Hernán Sánchez Arteaga) y Orquesta.

Estrenada en el Theater an der Wien en Viena el 30 de diciembre de 1905, se convirtió en un éxito desde el momento de su estreno. Es sin dudas una obra más importantes en su género, se representa en todo el mundo con gran asiduidad (de hecho fijara como número 23 entre las óperas y operetas más representadas). Aúna una deliciosa música, un ambiente festivo y un seguro que los espectadores saldrán tarareando alguna de sus pegadizas melodías.
Lehár realizó algunos cambios para las versiones de Londres y Berlín e incluso compuso una obertura en 1940 para la Filarmónica de Viena.
La versión presentada por Juventus Lyrica tuvo un puntal en el excelente trabajo del maestro Dos Santos. Con precisos tiempos y la chispa necesaria realizó un excelente trabajo, respetando siempre el balance orquesta y foso. La orquesta siguió sus directivas y siempre sonó con delicadeza, y buen gusto. Un placer en la parte musical.
Otro punto importante de la versión fue el trabajo de Ana D’Anna. Con una bella escenografía en estilo art noveau, delicada, fácil para los cambios y con su tradicional buen gusto. Es un cuadro fijo que solo requiere pequeños agregados según los actos. También ella es la diseñadora de un vestuario totalmente en época, con hermosos diseños, aunque la paleta de colores elegida es, por momentos, demasiado oscura.
En general marcó con eficacia a los cantantes, aunque hubiera sido necesario trabajar más sobre el personaje de Hanna Glawari..
Excelente trabajo del Coro dirigido por Hernán Sánchez Arteaga.
María Goso, a quien nuestra revista la premió como revelación del año 2015 por sus estupendos trabajos como Micaela y Susana, no parece presentar la misma comodidad como Hanna. No se vio en ella la sensualidad y el estilo que el papel requiere. Por supuesto sigue siendo portadora de una excelente voz, cantó correctamente la más conocida pieza de esta opereta: "Es lebt eine Vilja", mostrando agradables pianísimos. Pero la codiciada millonaria nunca estuvo presente. Creo que debe trabajar más en el personaje, tal vez pueda ser una muy buena Hanna Glawari en el futuro. No fue favorecida por un vestuario que puede ser correcto para el papel pero no para ella. Igual su voz y desenvoltura no se ven empañadas para un futuro. Fue algo precoz cantar “Viuda” con tan poca experiencia en su carrera?
Por el contrario Ernesto Bauer, como Danilo, canto en forma segura con un bello timbre de voz y dio a la perfección lo que el Papel de Danilo requiere, distinción, clase.
Tal vez lo mejor de la función llegó de la mano de Ivana Ledesma (quien alternará como Hanna (y realmente lamento no poder verla). Con un hermoso timbre de soprano lirico-ligera, excelente volumen y notables dotes de actriz, fue una placer verla y escucharla. Si sabe - y puede – elegir el repertorio tiene un gran futuro asegurado.
Muy buen actuación de Duilio Smiriglia, hermoso timbre, adecuada línea de canto y buen actor. Parece que las dimisiones del Teatro Avenida le sientan más a su voz que las del Teatro Colón. Aquí su voz corrió en forma espléndida, escuchándose en todo momento.
Excelente idea la de incluir al actor Carlos Kaspar como el Barón. Le dio al papel una importancia que no ocurre generalmente. Y no se extrañó que la parte cantada fuera reemplazada por un parlato, ya que compensó con creces su actuación. También excelente, haciendo dúo con Kaspar fue el desempeño de Norberto Lara. Correcto el resto del elenco.
Es un logro hacer la versión original en alemán, pero la dicción en general fue bastante pobre.
A pesar de estas salvedades la brillante música de Franz Lehár hacen que el público se sienta en una fiesta y que salga canturreando las más pegadizas melodías. Siempre la “La viuda alegre” depara un tiempo de placer, de alegría y los que vayan no se sentirán defraudados.

Dr. Alberto Leal

TEATRO ARGENTINO

LA BOHÈME – domingo 8 de mayo
Muy buena apertura de temporada
Opera de Giacomo Puccini con libreto de Giuseppe Giacosa Y Luigi Illica
Director de Orquesta: Carlos Vieu
Director escénico y adaptador de vestuario: Mario Pontiggia
Director de Coro: Hernán Sánchez Arteaga – Coro de niños: Mónica Dagorret
Producción Escénica realizada en los talleres del Teatro Argentino
Orquesta y Coro Estables – Coro de Niños

Estrenada en 1896 en el Teatro Regio de Turín poco podemos agregar de esta magnífica obra del Maestro Puccini.
Solo con decir que es la cuarta ópera más representada en el mundo, queda en claro el interés que despierta en todos los amantes de la ópera.
La versión con que abrió su temporada el Teatro Argentino deber ser considerada de excelencia, demostrando una vez más que bien elegido el reparto nuestros cantantes pueden realizar excelentes prestaciones.
El Maestro Carlos Vieu, siempre una garantía al frente de la orquesta estable, brindó una excelente versión musical, impecable en estilo, supo equilibrar foso y escenario, nunca tapando a los cantantes y brindar brillantez cuando era requerida. Gran trabajo que fue acompañado por la orquesta estable en todo momento.
Mario Pontiggia generó una escenografía en dos planos, muy interesante, aunque la segunda planta no fue muy usada, dio un muy buen marco visual. Como es sabido no soy proclive a los cambios de época en las óperas en general. Sin embargo aquí, trasladada alrededor de 1940, fue coherente en todo momento y no alteró mayormente la trama.
El vestuario, también de Pontiggia fue mucho menos convincente. No hay forma de justificar que Mimí llegue moribunda con el peinado recogido impecable como usó en toda la representación ni vestida de impactante floreado (todo esto restó fuerza dramática al final) Tampoco es explicable que en Paris en pleno invierno y en la calle salgan bailarinas en malla. Hay muchos detalles de este tipo pero lo valioso es que marcó muy bien a los cantantes, quienes respondieron en gran forma, creando momentos de comicidad de buen cuño y otros de notable sensibilidad.
Lo vocal nunca bajó de un nivel de excelencia. Daniela Tabernig, una de las jóvenes figuras con segura transcendencia a nivel internacional, brindo una brillante Mimí, con hermoso timbre, importante volumen y una gran facilidad para matizar. Actuó en forma siempre correcta, aunque la escena de la muerte – tal vez no favorecida por el entorno - fue lo menos convincente de su trabajo.
Gustavo López Manzitti, en uno de los mejores trabajos que le he visto en todos estos años, junto al Werther del Colón. Cantó con bella línea de canto, sensibilidad y notables matices. Fue un convincente actor y esta vez – a diferencia del Colón – usó una peluca perfecta que parecía absolutamente natural. El esperado Do del aria fue algo más tirante que el resto de su canto, pero seguro. Como en otras ocasiones su timbre algo falto de armónicos y punta no dio la fuerza de los típicos timbres mediterráneos. Pero en un todo es un más que respetable Rodolfo. Y como ha probado todos estos años es un tenor “todo terreno” que puede pasar de Verdi, Puccini a ópera francesa, alemana o contemporánea y siempre está perfecto en estilo.
Ricardo Crampton, en su vuelta a nuestro país, ya que está radicado en Italia haciendo una interesante carrera, mostró su hermoso timbre de barítono, su canto tiene ahora más soltura, lo mismo que su físico, pero manteniendo siempre su línea de canto y su importante volumen. Actuó y cantó con total solvencia, favorecido además por su apariencia física. Operaintheworld siempre vio en él un elemento para hacer una carrera internacional y puede verse en las críticas de la época que residía en nuestro país. Sin dudas de lo más notorio del reparto. Esperemos verlo en nuestro querido Teatro Colón en poco tiempo.
Una total revelación fue la joven soprano chilena Yaritza Véliz. Una Musetta no fácilmente olvidable. Tiene un hermoso timbre de soprano ligera con suficiente volumen, su canto siempre fue expresivo, matizado y su actuación del segundo acto, cantando y actuando con gran sensualidad fue totalmente un logro. Un verdadero hallazgo haberla contratado.
Otro punto destacado fue la actuación de Emiliano Bulacios, luciendo una importante voz de bajo y conmoviendo en su aria “Vecchia zimarra, senti “.
Mario Di Salvo, completó con solvencia vocal y escénica el grupo de bohemios.
Un nivel de total corrección brindó el resto del elenco.
Gran trabajo del coro, dirigido por Hernán Sánchez Arteaga, lo mismo que el de niños dirigido por Mónica Dagorret.
Una gran apertura de temporada con un “Boheme” que merece ser vista.
Nota: Una pregunta para el Director General y Artístico Sr Martin Bauer, si en una función de “La Boheme”, un domingo por la tarde, con excelente elenco, dirección y atractiva puesta, además de un precio absolutamente acomodado, no logró llenar la platea, con varias filas vacías en la parte trasera y notables blancos en el resto de la sala, que se puede esperar para las funciones de ópera contemporánea? Es para pensar……

Dr. Alberto Leal

GALA LIRICA

FUNCIÓN A BENEFICIO DEL PROGRAMA DE BECAS DE LA FUNDACIÓN TEATRO COLON

Un gracias es poco para valorar la incansable labor del Dr. Alejandro Cordero. Esta magnífica gala fue solo una muestra de todo lo que realiza desde la Fundación y todos los que amamos la música tenemos que estar hondamente agradecidos con él.
En un Colón repleto, con una espléndida decoración floral, fue una noche realmente de gran placer. El Colón no suele hacer recitales como se realizaban en una época. De hecho he visto sábados por la tarde varios, desde Ghena Dimitrova hasta Mirtha Garbarini. Una pena porque se realizan en todos los grandes teatros del mundo. Aquí solamente cuando vienen grandes figuras y con entradas a un precio bastante inaccesible. Esta Gala muestra que el público está ávido de escuchar a nuestros cantantes y músicos, siempre que, como en esta oportunidad, sea a un precio accesible. En este caso además, valoro que fuera a beneficio de los jóvenes artistas locales y esperemos que se repita. Gracias para todos los cantantes y al pianista acompañante por su desinteresada participación.
El nivel general fue de excelencia pero sería imposible hablar de cada uno en particular dado a la gran cantidad de participantes, si voy a comentar lo más saliente a mi criterio.
El Maestro Marcelo Ayub, realizó un trabajo titánico. Siempre en el estilo justo, tocó con gran precisión y volumen. Fue uno de esos casos donde no se extrañó la orquesta. Bravo!
Gustavo Feulien, a quien escuchaba por primera vez, aunque tal vez lo viera en papeles menores antes de radicarse en el exterior, presentó una contundente voz de barítono, excelente volumen, admirable línea de canto. Brilló en “Nemico della Patria” de Andrea Chenier y lució sus condiciones histriónicas en los dúos de Don Pasquale y Don Carlo, aunque en ambos se produjo una falta de balance por la diversidad de volumen. Es un artista completo que canta en el exterior primeros papeles, cuyo Scarpia fue comentado muy favorablemente por el NY times y el Wall Street journal. Cuesta entender que el Teatro Colón lo traiga para el elenco alternativo como Masetto. Solo es de esperar volver a verlo pronto en un rol que su capacidad amerita.
Enrique Folger, aquí no hubo sorpresa alguna, cantó en forma excelente “E lucevan le stelle” de Tosca y brindó, junto a Alejandra Malvino una memorable versión de su papel fetiche, Don José, cantando con gran hondura dramática y excelente nivel vocal, la escena final de Carmen. Un punto de los más altos de la Gala y en lo personal lo hubiera usado para cerrar la misma en lugar del sexteto de Lucía.
Daniela Tabernik cantó con bella y potente voz y gran entrega un emocionante “Un Bel di vedremo” y el dúo del segundo acto de “Madame Butterfly” junto a Alejandra Malvino. Tavernik es de los valores jóvenes con más futuro, puede pasar de ópera italiana a rusa, etc. y siempre su trabajo es más que destacable.
Marina Silva espléndida de ver y escuchar, brindó una notable versión del aria de Pagliacci y brilló en las escenas de conjunto en las que participó. Lo mismo de Jaquelina Livieri, luego de una deliciosa versión del aria de” La Rondine””, se destacó se destacó en cada una de sus participaciones grupales.
Los tres cantantes con más experiencia, María Luján Mirabelli, Alejandra Malvino y Omar Carrión se mostraron en excelente forma vocal. Mirabelli se lució en “O mio Fernando”, Malvino en el dúo de Carmen y en una hermosa versión de “Mon Coeur S’Oubre A Ta Voix” y Carrión volvió a dar una lección de cómo se canta Verdi con un magnífico “Cortigiani Vil Razza Danatta” de “Rigoletto”.
Muchos otros cantantes lucieron su talento, algunos tal vez en un repertorio que no era el más indicado para sus voces. Pero la Gala en si fue un lujo, una fiesta. Felicitaciones a todos los que la hicieron posible y que se repita. Placer para los amantes de la música por una excelente causa.

Alberto Leal

DON GIOVANNI , CON ELENCO ALTERNATIVO QUE NO DESMERECE EN LA COMPARACION CON EL ELENCO TITULAR PESE A LA AUSENCIA DE SUS DOS GRANDES FIGURAS MASCULINAS

DON GIOVANNI OPERA DE W.A.MOZART LIBRETTO DE LORENZO DA PONTE DIRECCIÓN MUSICAL –MARC PIOLLET DIRECCIÓN DE ESCENA-EMILIO SAGI ESCENOGRAFÍA-DANIEL BLANCO CORO DEL TEATRO COLÓN BAJO LA DIRECCIÓN DE MIGUEL MARTÍNEZ ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLÓN FUNCION FUERA DE ABONO CON ELENCO ALTERNATIVO

DON GIOVANNI es por sobre todas las cosas una obra de ensemble, donde todos deben interactuar y tener niveles de calidad similar so riesgo de que el espectáculo no funcione. Y aquí tuvo un elenco de pareja calidad con cada personaje siendo servido en gran estilo tanto en el canto como en la escena, y una gran predisposición al trabajo en equipo. En este sentido lo más destacado fue la dupla Perez Miranda- Debevec que lograron una excelente química,virtieron sus recitativos con gran teatralidad y lograron contrastar muy bien sus personajes La mayor ovación de la noche la obtuvo LUCAS DEBEVEC MEYER que logró una magnífica composición de su personaje al que supo revestir de comicidad pero también de sentimientos y angustias. Vocalmente estuvo excelente manejando con gran clase los diversos registros que posee su voz y utilizando con inteligencia el volumen de sus notas agudas para darle formalidad al personaje cuando intenta asimilarse a su amo. Sutilísimo trabajo el de HOMERO PEREZ MIRANDA, muy atento a todos los matices y alternativamente meloso, noble, brutal, servido con una voz de gran flexibilidad y con un buen volumen que se hizo oír sin problemas en el Teatro, un gran uso de la mezza voce y solamente un relativo desfallecimiento en el aria champagne donde uno hubiera haber querido ver y oír más brillantez y un volumen más importante. Bellísima la serenata DEH VIENI ALLA FINESTRA, y en general magnificos todos sus recitativos .. Una agradabilísima sorpresa el DON OTTAVIO de SANTIAGO BÜRGI netamente superior al que había hecho en el Avenida. Bürgi ha venido frecuentando papeles más pesados que su repertorio original y su voz luce un crecimiento en el centro y los graves que en el anterior Don Ottavio le plantearon algunas dificultades sorteadas con habilidad y esfuerzo . Aquí parece haber reganado el timbre leve que el papel requiere, estuvo impecable en las coloraturas, resolvió con un excelente pianísimo y algunos portamenti la parte más lírica del DALLA SUA PACE y en general usó su timbre más central y la fuerza de sus graves para proyectar un Don Ottavio más viril y más decidido de lo que usualmente se presenta en el papel. Un muy buen trabajo realmente, completado por su siempre confiable calidad como actor. DANIELA TABERNIG no cesa de asombrarme . Va de fuerte en fuerte y compuso aquí una Doña Anna impetuosa, con un bellísimo timbre y una voz que no le teme ni a los momentos más dramáticos de la entrada o del OR SAI CHE L ONORE, pero que se explaya con facilidad en las partes agudas de los concertantes y en la difícil aria de coloratura final. Un gran trabajo. MONICA FERRACANI sonó como si hubiera cantado Mozart toda su vida, con una levedad y un timbre lírico tales que parecieron desmentir que estamos en presencia de una soprano que ha cantado AIDA,NABUCCO,TOSCA, DER FLIEGENDE HOLLANDER y logró cantar con absoluta precisión la coloratura de MI TRADI. En verdad su voz llegó a sonar tan lírica que por comparación sus notas graves parecieron restringidas. MARISU PAVON fue una deliciosa Zerlina linda de ver y de oír GUSTAVO FEULIEN un muy correcto Masetto y EMILIANO BULACIOS un impactante Comendador, que logró además sonar imponente en los fragmentos amplificados que estuvieron muy bien logrados. Una gran noche en suma. Desde ya quedo comprometido a ver los elencos de extraordinarias de FIDELIO, MACBETH Y TOSCA donde además puede haber alguna sorpresa si se confirman los rumores de que algunas de las figuras anunciadas de hecho no se harían presentes. Pero prefiero no comentar rumores habida cuenta del resbalón sufrido por un colega.

LUIS G BAIETTI ESPECIAL PARA OPERA IN THE WORLD.

FAUSTO

OPERA DE CHARLES GOUNOD CON LIBRETTO DE MICHEL CARRE Y JULES BARBIE
BASADO EN EL DRAMA DE GOETHE
DIRECCION MUSICAL: JAVIER LOGIOIA ORBE
REGISSEUR: PABLO MARITANO
ESCENOGRAFIA: ENRIQUE BORDOLINI Y PABLO MARITANO
ILUMINACION: ENRIQUE BORDOLINI
CORO DE BAL DIRIGIDO POR JUAN CASABELLAS
BUENOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

La labor que cumplen las Compañías privadas de Opera como BUENOS AIRES LIRICA, es cada día que pasa más importante, en la medida en que el Teatro Colón se aleja cada vez más del repertorio lírico tradicional y cuando se acerca lo hace con puestas en escena “ creativas “ que se apartan sustancialmente de la concepción original de la Opera muchas veces tornándola incomprensible o hasta a veces ridícula.
Cuánto hace que no veíamos FAUSTO DE GOUNOD Y CUALES LAS PROBABILIDADES QUE TENDRÍAMOS DE VERLO EN EL FUTURO INMEDIATO SI DEL Colón EXCLUSIVAMENTE DEPENDIERA ¿? Y cuales las posibilidades de que si se diera la circunstancia inesperada de verlo lo hiciéramos en una puesta que desnaturalizaría completamente el texto y lo volviera algo en lo que el autor ciertamente no soñó y no permitiría de estar vivo ¿?
Pero lo más interesante de todo es que las puestas de las Cias. privadas y de BAL muy especialmente cada vez son más profesionales, más dignas del texto que se está representando. Y ES POR ESO QUE RECOMIENDO SIN RESERVAS AL PUBLICO QUE CONCURRA A VER ESTE ESPECTACULO. Verán una Opera clave en el desenvolvimiento del Teatro Lírico, con melodías bellísimas, y presentada en una versión de gran dignidad y de gran respeto al autor y a su obra.
Voy a comenzar elogiando el equipo que realizó la puesta en escena, porque últimamente es un gusto que me puedo dar muy rara vez..La escenografía diseñada por BORDOLINI Y MARITANO es excelente, en la medida en que crea todos los ambientes que son necesarios a la obra y realza el acontecer teatral. Comenzando por el inmenso pizarrón cubierto de fórmulas matemáticas, todo un hallazgo en la primer escena, la adecuadamente modesta pero sólida y pulcra casita donde vive Margarita, con el pequeño jardín, la deslumbrante escena de la Iglesia aquí convertida en un lugar donde de hecho se celebra una misa negra, con el Diablo en persona administrando la comunión ayudado por un demonio, todo ello presidido por un enorme crucifijo con la imagen de Jesus crucificado, colocado con la cabeza para abajo,y culminando por la despojada escena final en la cárcel , con esa pared enorme al fondo cubierta por una gran cantidad de pequeñas cruces pintadas. Bordolini como iluminador además realzó los elementos de la puesta con una inteligente elección de los énfasis lumínicos, sin descuidar la necesidad de hacer visibles a los cantantes solistas que fueron constantemente seguidos por un reflector, como se hacía antes de que se volviera moda ambientar las escenas en la penumbra y no permitir que el público vea las expresiones de los intérpretes.
MARITTANO demuestra a su vez todo lo que sabe de teatro en una puesta donde la creatividad no se riñe con el respeto. Algunas ideas formidables, como la entrada de Mefistófles por la platea, su permanencia en uno de los palcos observando con expresión irónica la seducción de Margarita por Fausto, la forma en que se evita la remanida fórmula de que Fausto vea a Margarita por primera vez a través de una pared de su estudio que se hace translúcida sustituída aquí por un libro en el que Mefistófeles le muestra Margarita a Faust, libro del que emana una potente luz, toda la escena de la Iglesia que es realmente obsesionante,y la brillante ejecución de la escena de la redención de Margarita.
Todo esto además de marcar a cada personaje en todo momento la expresión que corresponde a lo que está viviendo. Un gran trabajo de dirección realmente.
Hubo , es verdad algunas soluciones que me gustaron menos, pero en definitiva son cuestiones no centrales al drama y en las cuales cabe que haya gustos y concepciones diferentes. No me gusta por ejemplo que Mefistofeles entre en escena vestido de una manera que contradice la descripción que el personaje hace de su vestimenta ( L /EPEE AU COTE , etc. ) y tampoco que se sustituyan las espadas por revólveres, si bien en las dos escenas en que esto ocurre Maritano supo salir con gran talento de la encerrona en que él mismo se había colocado. En la primera, porque se supone que Valentin viendo que el Diablo ha derretido el acero de su espada, la da vuelta y la transforma en una cruz con la que espanta al demonio ( C /EST UNE CROIX QUE DE L/ ENFER NOUS GARDE ). Aquí al no tener la espada porque estaba armado de un revolver, él y todo el coro se colocan de rodillas y enfrentan al demonio haciendo el signo de la cruz sobre sus cuerpos.
En la segunda durante el duelo entre Fausto y Valentin Maritano tiene una gran trouvaille : Fausto se niega a dispararle a Valentin que se queda inmóvil. Mefistófeles le toma el arma a Fausto y le dispara a Valentín casi sin mirarlo, como un acto de rutina subalterna. Y por último no me pareció lo más adecuado presentar el coro de los soldados que vuelven como una canción cantada por un conjunto de hombres inválidos y temerosos. Pero repito son asuntos menores, cuestiones de gusto opinables, y en nada afectan lo que fue en su conjunto una gran dirección.
El trabajo más árduo seguramente le tocó a JAVIER LOGIOIA ORBE, ya que no es fácil montar un FAUST con la reducida orquesta disponible y con un coro de limitada cantidad de componentes. El Maestro logró un sólido trabajo, quizás por momentos algo impersonal de tanto extremarse en hacer sonar bien la partitura y mantener el equilibrio entre el foso y el escenario- Tanto el coro, que suena extremamente bien , especialmente su cuerda de tenores, como la orquesta estuvieron a la altura de sus labores.
Genial trabajo de HERNAN ITURRALDE como Mefistófeles, una interpretación que engalanaría a cualquier teatro. –Absolutamente seguro en toda la extensión de la partitura, con un timbre de bajo-barítono extremamente agradable al oído, una pronunciación francesa impecable , y un desenvolvimiento escénico que hizo que constantemente las miradas repararan en él con su ironía , su aire divertido y el mal contenido gesto de impaciencia al final cuando oye de los ángeles que Margarita se ha salvado. ABSOLUTAMENTE GENIAL,un placer irrestricto, un motivo fuertísimo para ir al Teatro Avenida, porque no hay muchas oportunidades de ver un Mefistófeles de este nivel.
Hace mucho que no veía a DARIO SCHMUNCK tan a sus anchas con un papel. La partitura le sienta bien a su voz y le permite lucir su registro agudo que es de una precisión y de una belleza notables., e impactar con un par de agudos que hacen sufrir a algunos tenores pero que en manos de Darío parecieron rutina. No es la de Schmunck una voz de gran volumen, si bien corre muy bien , aún en las exigidas notas graves, especialemente en el 1er.acto. Y en general canta todo a viva voz o mezzo forte, careciendo de pianísimos que servirían de contraste. En lo actoral lució muy comprometido en la escena inicial y mucho más aún en la escena final y limitadamente expresivo en la escena de la kermesse y sobretodo en la escena del jardín, donde faltó fuego.
MARINA SILVA impactó con una impecable versión vocal de Margarita, con apenas un par de estridencias ocasionales en notas del extremo agudo, un par de pianísimos interesantes, impecable coloratura en la escena de las joyas, y una fuerte composición dramática en la escena de la Iglesia , de la muerte de Valentín y de la cárcel. Ahora que finalmente Buenos Aires la ha descubierto es de esperar que le de muchas satisfacciones al público en proyectos venideros.
En la escena del jardín faltó a ella y al tenor ese algo inasible que es la elegancia francesa y en algún momento me hizo recordar por el estilo a un par de versiones en disco que tengo, que están cantadas en italiano con el correspondiente estilo itálico de los cantantes.
Muy buena la presencia de CONRADO BAUER como Valentín que cantó bellamente sus dos arias, dotándolas además de gran expresividad. Y CECILIA PASTAWSKI volvió a lucirse por su perfecta encarnación del mozalbete masculino, al punto que hasta que no cantó su primer palabra creí que habían adjudicado la parte a algún contra tenor.
Muy buena actuación de JUAN FONT en el breve papel de WAGNER, en el que supo lucirse especialmente en las contra escenas. Y un lujo asiático tener a VIRGINIA CORREA DUPUY para el papel menor de DAME MARTHE.

LUIS BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

DOS INTÉRPRETES MASCULINOS DE EXCEPCION PARA UNA LOGRADA PUESTA DE DON GIOVANNI
DON GIOVANNI

OPERA DE W.A.MOZART
LIBRETTO DE LORENZO DA PONTE
DIRECCIÓN MUSICAL: MARC PIOLLET
DIRECCIÓN DE ESCENA: EMILIO SAGI
ESCENOGRAFÍA: DANIEL BLANCO
CORO DEL TEATRO COLÓN BAJO LA DIRECCIÓNDE MIGUEL MARTÍNEZ
ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLÓN
FUNCION DE ABONO CON EL ELENCO TITULAR

REPARTO
DON GIOVANNI: ERWIN SCHROTT
LEPORELLO: SIMON ORFILA
DONNA ANNA: PAULA ALMERARES
DONNA ELVIRA: MARIA BAYO
DON JAQUELINA LIVIERI
MASETTO: MARIO DE SALVO
COMENDADOR: LUCAS DEBEVEC MEYER

El TEATRO COLÓN, como ya se ha comentado ampliamente, manteniendo lo que ha sido la tendencia en los últimos años, nos ha planteado una temporada que ofrece pocas satisfacciones a los amantes de la opera en el sentido tradicional del término. Una temporada en este sentido muy breve que se limita a 4 títulos y omite algunos componentes que son esenciales en la temporada de un teatro lírico respetuoso de las tradiciones, al punto que no se presentará este año ningún Wagner, ninguna ópera del repertorio francés, y ninguna opera belcantista (el Colón bien podría asombrarnos a todos estrenando la llamada Trilogía Tudor de Donizetti que nunca fue presentada en la sala, y de la cual sólo se conoce ANNA BOLENA en una versión que ya lleva décadas de ofrecida , tres óperas que son títulos clave en el desarrollo del arte lírico que el espectador capitalino sólo conoce gracias a puestas de las Cias. privadas con todas las limitaciones que ello supone) .Una temporada además en la cual los repartos no son nada excitantes y en la cual para colmo hay el peligro de que los pocos títulos clásicos sean sometidos a un tratamiento “ creativo “ que los desfigure. Dentro de este panorama desolador para quienes amamos la opera clásica, dos títulos atraían fuertemente las esperanzas de los espectadores : este DON GIOVANNI y la TOSCA que incluye el más sólido de los repartos al menos mientras no se anuncien cambios en el reparto de las principales figuras anunciadas como ha venido siendo el caso en los últimos años, y una regie que es toda una garantía de creatividad respetuosa de las intenciones del autor al escribir la opera ,y es por lo tanto el título que más esperanzas despierta y el que seguramente desencadenará la más dura competencia por adquirir entradas para verlo.
En buena medida las expectativas sobre DON GIOVANNI se centraban en la presencia en el reparto de ERWIN SCHROTT , una de las pocas figuras de primer nivel mundial en el mundo de la opera que el Colón nos trae este año, manteniendo la tendencia de los últimos años que han sido muy parcos en la inclusión de grandes cantantes, y en los cuales, como ya he dicho antes, una buena parte de los anunciados en definitiva no han venido. Schrott completa con esta actuación su tercera presencia en nuestro primer coliseo. La primera, cuando aún era un joven cantante uruguayo escasamente conocido fuera de fronteras, fue con un inolvidable Monterone en Rigoletto, que produjo gran impacto y logró ser el punto más destacado de la velada, pese al carácter secundario del papel y a la presencia en el reparto de un gran tenor argentino poco conocido hasta el momento y que después haría una rutilante carrera internacional, y que es de pleno derecho la figura más importante que nos visitará este año MARCELO ALVAREZ. La segunda en un fallido NOZZE DI FIGARO con una puesta harto cuestionable, en la cual el astro se movió con notoria incomodidad. Yo he tenido la suerte de verlo lejos de aquí en inolvidables interpretaciones del Rodolfo de LA SONAMBULA en Río, donde eclipsó al resto del elenco, algo realmente difícil de producir en una ópera donde el bajo es decididamente secundario, un desopilante DULCAMARA en VIENA, y varias versiones de NOZZE Y DON GIOVANNI que han sido su tarjeta de presentación en los grandes teatros del mundo. Schrott es bastante avieso a incorporar nuevos papeles a su repertorio en lo que muchos critican como una cierta falta de laboriosidad de parte del intérprete, y es una pena porque esa voz pediría otros compromisos.
Pero, tal como ha venido ocurriendo en el mundo todo, los primeros comentarios de la versión de esta obra maestra de Mozart se centraron en la polémica sobre la puesta en escena. Algo que viene ocurriendo sistemáticamente, ya que de alguna manera los registas se las han ingeniado para ser el centro de atención de los espectáculos aunque más no sea por la vía del escándalo, relegando a un segundo plano los comentarios sobre los aspectos musicales de la versión.
Debo decir que en realidad no he visto en esta versión de EMILIO SAGI nada de tan escandaloso o revolucionario y que me ha parecido en general, salvo en la escena final, una puesta bastante convencional, apegada al texto, y una puesta además donde se ha profundizado en la sicología de los personajes y se han obtenido actuaciones de gran valía (y lo digo por los dos elencos). Una puesta además, con una escenografía totalmente convencional, hasta diría que al borde de lo rutinario, pero bienvenida en cuanto aporta un marco de elegancia a la representación y en cuanto permite con rápidos cambios pasar de un ambiente a otro permitiendo así que la música fluya sin interrupciones entre un cuadro y otro (sólo ha habido un hiato antes del cuadro en el cementerio que ha sido cubierto por un fragmento solista ajeno a la obra, pero de un estilo compatible con ella). Una pena realmente lo que ocurre sobre el final. Se ha optado por no mostrar la figura de la estatua del Comendador a la cual se oye a través de los amplificadores del teatro sin tener una idea precisa acerca de de donde viene, como si estuviera llenando el ambiente, una opción que puede ser muy interesante, especialmente con un hábil juego de luces que haga predominar el color rojo para dar idea del infierno que se acerca y que acaba por “chupar “al libertino. Pero aquí se optó más bien por el grand guignol con el cadáver de DON GIOVANNI esparcido sobre la mesa de la frustrada cena (y en la versión fuera de abono con el pecho descubierto, lo que no ocurrió en la función con Schrotthaciendo trizas el libreto donde los personajes se preguntan sobre donde estará Don Giovanni y reciben de Leporello la descripción de lo que ha ocurrido y el anuncio de que nunca más lo verán, todo ello con el cadáver ominosamente presente bajo sus narices, y culminando con el tremendo efecto de mal gusto de todos los personajes profanando el cadáver y embadurnándolo con los restos de la cena inconclusa. Un lamentable despropósito que desgraciadamente por ocurrir en la escena final hace que los espectadores nos retiremos del teatro con el gusto amargo de haber asistido a una nueva profanación gratuita de una obra maestra que merecería bien otro respeto.
Y como ven, yo también he caído en la trampa y he comenzado por discutir la regie, que es lo que se busca con estas provocaciones.
Continuando con los aspectos generales de la versión diré que la dirección musical de Piollet me pareció delicada y preciosista, haciendo sonar bien la delicada partitura de Mozart en sus pequeños detalles, pero operando en contra de la teatralidad del texto, aunque favoreció netamente el desempeño de los cantantes por el ritmo holgado y por el volumen reducido de los acompañamientos, que en ningún momento compitieron con las voces. La orquesta respondió con su habitual nivel de calidad, y los coros - que tienen escasa participación en esta Opera- estuvieron a la altura del compromiso, siendo de destacarse el impacto de las voces graves del coro cantando desde la orquesta en la escena final.
Pasando a las interpretaciones individuales, Edwin Schrott ha sido en los últimos años uno de los intérpretes más destacados de DON GIOVANNI y se lo han estado disputando los grandes teatros líricos del mundo. No hace falta meditar mucho en el por qué. Francamente lo tiene todo para el papel: una voz espectacular, de gran extensión, volumen importante, con un timbre seductor, magníficos pianísimos, musicalidad y estilo, una pinta digna del personaje, y por sobre todas las cosas es un genial actor. A lo largo de sus sucesivas presentaciones en el papel con diferentes directores (entre ellos algunos de los mejores en su especialidad) ha ido madurando más y más el personaje que en este momento es casi una segunda personalidad suya. Eso le permite actuarlo con una naturalidad pasmosa, que en muchos casos hace sospechar que improvisa gestos y reacciones y que no los repite de una función a otra.
Todas estas cualidades no lucirían de la misma manera si no tuviera un compañero de reparto haciendo un Leporello de su nivel, porque comparten buena parte de las escenas y tiene que haber en ellos una total compenetración, casi diría una complicidad. Y el Colón tuvo el buen tino de contratar para la parte a SIMON ORFILA, que como me dijo el propio intérprete se ha paseado por el mundo cantando la ópera con Erwin, que es un excelente intérprete con una bella y rotunda voz de bajo y que ya había dejado una excelente impresión cuando hizo el DULCAMARA , un papel que quizás era menos adecuado a su voz que este, donde obtuvo un éxito total.
Entre ambos supieron mantener ese delicado y misterioso equilibrio entre la comedia y el drama que es el secreto de por qué DON GIVANNI ha mantenido su fascinación desde la época de su estreno a la fecha ,y por qué sigue siendo una obra abierta a interpretaciones diferentes que toman aspectos distintos del texto para destacarlos..

El terceto central masculino fue completado por JONATHAN BOYD un buen tenor con un volumen vocal más importante que lo usual en la parte, quien retrató un Don Ottavio entero y viril contrariamente a la usanza. Poseedor de atractivos pianísimos logró una versión excepcional del DALLA SUA PACE. En IL MIO TESORO en cambio lució algo menos seguro y las ornamentaciones fueron encaradas con extrema cautela, perdiendo efectividad
Completando el elenco masculino MARIO DE SALVO logró un muy buen retrato de su Masetto luciendo vocal y escénicamente con un aire juvenil que desmiente sus años de carrera. Y LUCAS DEBEVEC MEYER lució menos a sus anchas en la parte de Comendador que en su excelente retrato de Leporello en el otro reparto. Su voz lució muy exigida en la parte aguda en la escena final, un efecto que la amplificación terminó resaltando.
En las damas rotundo éxito de JAQUELINE LIVIERI una Zerlina deliciosa para conservar en el recuerdo tanto por el aspecto vocal como en el escénico.
Valiosa interpretación de PAULA ALMERARES. PAULA no es en realidad una elección natural para DONNA ANNA, un papel que tiene un complicado equilibrio entre momentos muy dramáticos que requieren un cierto peso vocal en la zona grave, y momentos donde tiene la batuta en la parte aguda de los concertantes rematando con una dificilísima aria de coloratura. No es casual que varias de las más importantes intérpretes de papeles más pesados se hayan tentado por el papel, algunas de ellas produciendo imborrables interpretaciones y otras sucumbiendo en cambio a las exigencias del papel en los momentos en que pide mayor agilidad. Almerares, gran cantante y gran actriz, supo dar una sólida versión vocal del difícil personaje, cantando y actuando con elegancia, estilo y expresividad, luciendo su legendario timbre central, uno de los más bonitos del país, y su mezza voce. Negoció con corrección las exigencias graves, salió airosa de la coloratura y sólo exhibió algunas ocasionales limitaciones en el volumen vocal en los momentos más dramáticos y una cierta estridencia de algunas notas agudas extremas.
MARIA BAYO es una gran cantante, muy buena actriz y tiene una importante carrera tras de sí en la que no han faltado los papeles mozartianos. Posee todos los recursos vocales para encarar el personaje. Pero la voz lamentablemente acusa el paso del tiempo en un timbre que se ha endurecido y que hace añorar con tristeza la belleza que emanaba de su canto unos cuantos años atrás cuando nos deleitó con su DOÑA FRANCISQUITA. Algunas de sus notas agudas se situaron cerca del límite de lo inaceptable. Creo que con sus condiciones y la voz que aún tiene puede dar mucho de sí en los escenarios de Opera, pero debiera ser más cuidadosa con los papeles que acepta. Este puso de relieve más sus limitaciones que sus fortalezas.

LUIS BAIETTI
EXCLUSIVO PARA OPERA IN THE WORLD

LO MEJOR DEL AÑO 2015- VOTACION DE LOS CRÍTICOS DE LA REVISTA

MONTEVIDEO:

MEJOR ESPECTACULO: L ELISIR D AMORE (MARTIN JORGE- SERIO RENAN/FLORENCIA SANGUINETTI) – TEATRO SOLIS
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA-SOPRANO: EIKO SENDA (RASHOMON)
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA- TENOR - CARLOS VENTRE (OTELLO)
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA EN PAPEL NO PROTAGONICO – MARCELO OTEGUI (LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA EN PAPEL NO PROTAGONICO - MARIANNE CARDOSO ( LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPETACION MASCULINA- BAJO – EDWIN SCHROTT ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR DIRECCION MUSICAL – MARTIN JORGE ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR PUESTA – SERGIO RENAN Y FLORENCIA SANGUINETTI ( L ELISIR D AMORE )
CANTANTES IMPORTADOS
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA- SOPRANO ) JACQUELINE LIVIERI ( L ELISIR D AMORE )
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA-MEZZO FLORENCIA MACHADO ( LE NOZZE DI FIGARO )
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA- TENOR ENRIQUE FOLGER ( OTELLO )
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA. BARITONO– LICIO BRUNO ( OTELLO )

EN BUENOS AIRES – TEATROS OFICIALES

MEJOR ESPECTACULO – WERTHER ( IRA LEVIN –HUGO DE ANA ) CON EL REPARTO DE LAS EXTRAORDINARIAS
MEJORES ACTUACIONES
CANTANTES NACIONALES
TENOR- GUSTAVO LOPEZ MANZITTI ( WERTHER Y DON CARLO )
BARITONO - FABIAN VELOZ ( CAVALLERIA Y PAGLIACCI )
SOPRANO -DANIELA TABERNIG Y MONICA FERRACANI ( PAGLIACCI )
MEZZO - GUADALUPE BARRIENTOS ( CAVALLERIA )
BAJO - EMILIANO BULACIOS ( DON CARLOS )

CANTANTES IMPORTADOS

TENOR -CHRISTOPHER VENTRIS ( PARSIFAL )
BARITONO -OMAN SADNIK ( EL ANGEL DE FUEGO )
SOPRANO-ELENA POPOVSKAYA ( EL ANGEL DE FUEGO )
MEZZO - NADJA MITCHELL (PARSIFAL )
BAJO - STEPHEN MILLING ( PARSIFAL ) Y ALEXANDER VINOGRADOV ( DON CARLO )
DIRECTORES
DIRECCION MUSICAL : ALEJO PEREZ ( PARSIFAL )
PUESTA : HUGO DE ANA ( WERTHER )

BUENOS AIRES – TEATROS NO OFICIALES

MEJOR ESPECTACULO : CARMEN ( JUVENTUS ) – HENRIQUE SANCHEZ ARTEAGA – ANA D ANNA Y MARIA JAUNARENA
Y OBERTO ( CIA.LIRICA G.VERDI ) RAMIRO SOTO MONLLOR-ADRIANA SEGAL
MEJORES ACTUACIONES :
SOPRANO - DANIELA TABERNIG ( RUSALKA ) y SABRINA CIRERA ( OBERTO )
MEZZO- ANABELLA CARNEVALI ( IL TROVATORE )
TENOR- ENRIQUE FOLGER ( TOSCA ) -CARLOS ULLAN ( OBERTO ) Y GUSTAVO LOPEZ MANZITTI ( WERTHER )
BARITONO – JUAN SALVADOR TRUPIA ( ANDREA CHENIER – BODAS DE FIGARO – CARMEN, ETC) Y JUAN FONT ( OBERTO )
BAJO- CHRISTIAN DE MARCO ( IL TROVATORE )
ACTUACIONES EN PAPELES NO PROTAGONICOS
MEZZO - ELISABETH CANIS ( RUSALKA)
SOPRANO- MARIA GOSO ( CARMEN )
TENOR – SERGIO SPINA ( TOSCA )
BARITONO –MARIANO GLADIC ( CARMEN )

REVELACIONES :

SOPRANO –JACAQUELINE LIVIERI ( LA TRAVIATA , ELISIR, WERTHER )
MEZZO - CECLIA PASTAWSKI ( RUSALKA ) Y MARIA LUISA MERINO RONDA ( CARMEN)
TENOR : FERMIN PRIETO ( LA TRAVIATA, CAVALLERIA )
BARITONO : JUAN SALVADOR TRUPIA ( ANDREA CHENIER, CAVALLERIA, IL SIGNOR BRUSCHINO, LAS BODAS DE FIGARO, CARMEN )
BAJO : EMILIANO BULACIOS ( DON CARLO )

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